O Cheio e o Vazio nas Esculturas de Henry Moore

O corpo humano é mais do que uma única massa; é uma acumulação de massas menores. E cada corpo também faz parte de uma massa maior: a da humanidade. E a humanidade faz parte de uma massa ainda maior: a do mundo. O escultor Henry Moore expressou isso da melhor forma quando disse, “A totalidade da natureza é uma demonstração infinita de forma e contorno.” Moore dedicou sua carreira à exploração da forma e do contorno. Apesar de soar acadêmico, as esculturas de Henry Moore não são simplesmente objetos intelectuais. Nem são apenas objetos de beleza. Elas transcendem tanto o intelectualismo quanto a estética para conectar os espectadores a algo mais profundo. Como artista figurativo primeiro e depois como abstracionista, Moore criou obras baseadas na relação que o corpo humano compartilha com o mundo natural maior. Suas esculturas expressam as ideias de que a humanidade faz parte da natureza e que, por meio dos nossos sentidos, podemos nos conectar a algo atemporal e universal.

Esculturas de Henry Moore - Verdades Materiais

Quando um escultor fala sobre verdade material, está se referindo a quão bem um objeto representa as qualidades do recurso do qual é feito. A nogueira tem uma verdade material diferente do mármore, que tem uma verdade material diferente do alabastro, e assim por diante. Henry Moore acreditava no poder da verdade material. Ele rejeitava a ideia de que escultores deveriam fazer suas obras a partir de moldes ou fundições. Ele defendia a escultura direta, pois deixava marcas que revelavam a natureza física do objeto. A escultura direta não era amplamente aceita na época de Moore, embora alguns outros escultores influentes também adotassem a ideia. Mas para Moore não era apenas uma teoria; era sua natureza.

Henry Moore - Relevo Figura Reclining no Edifício Underground em St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore foi um dos nove filhos de uma família da classe trabalhadora em Castleford, uma cidade mineradora de carvão em Yorkshire, na Inglaterra. Seus pais lutaram e sacrificaram para enviar os filhos à escola para que não precisassem trabalhar com as mãos. Aos 11 anos, após conhecer a obra de Michelangelo, Henry os desapontou ao decidir que seria escultor. Sem condições de ir diretamente para a universidade, Henry lutou em um regimento de Rifles do Serviço Civil na Primeira Guerra Mundial e foi ferido em um ataque com gás. Quando finalmente pôde pagar a escola de arte após a guerra, já estava profundamente moldado por suas próprias verdades materiais: ele nasceu para o trabalho duro e para fazer as coisas com as mãos. A escultura direta não apenas evidenciava o caráter de seus materiais, mas também revelava seu próprio caráter.

Henry Moore - A Figura Reclining da UNESCO, 1958. © The Henry Moore Foundation.

O Casamento de Chac-mool e Cézanne

No final dos seus 20 anos, em Paris, Moore encontrou um objeto estético que o transformou de maneira profunda e significativa. Era um Chac-mool, uma escultura pré-colombiana asteca de uma figura humana reclinada. A postura da escultura evoca figuras humanas esculpidas por escultores clássicos como Michelangelo, mas ocorreu independentemente dessas influências, e em um mundo distante. O comportamento e a humanidade da figura inspiraram Moore, que abraçou a forma como algo universal com o qual poderia trabalhar.

Henry Moore - Composição em Quatro Partes: Figura Reclining. © The Henry Moore Foundation.

Moore uniu a essência do Chac-mool com a figuração inspirada por uma de suas pinturas favoritas, Os Banhistas de Cézanne. O resultado foi uma forma escultórica icônica e modernista que ele chamou de “figura reclinada.” Ele explorou figuras reclinadas ao longo de sua carreira, retornando a elas repetidamente como base para descobertas sobre volume e espaço. Hoje, as figuras reclinadas de Moore podem ser encontradas em todo o mundo, em parques de esculturas, espaços naturais e museus em seis continentes. Sua primeira encomenda pública foi uma figura reclinada esculpida em relevo no Edifício Underground em St James’s, Londres. Sua mais famosa adorna a sede da UNESCO em Paris.

Cézanne - Os Banhistas, 1898-1905, Óleo sobre tela, 210,5 cm × 250,8 cm, Museu de Arte da Filadélfia, Filadélfia, Estados Unidos

Redução da Forma

A maioria das Figuras Reclinadas de Moore eram abstratas. Ele continuamente reduzia a forma da figura humana aos seus elementos essenciais e depois os abstraía para se assemelharem a formas encontradas na natureza. Suas figuras reclinadas biomórficas e abstratas pareciam análogas à paisagem natural, inspirando muitos a encontrar mensagens humanísticas nelas. Embora preferisse falar o mínimo possível sobre o significado de seu trabalho, essa interpretação se encaixa bem na filosofia de Moore sobre a interconexão entre arte, humanidade e natureza.

Henry Moore - Figura Reclining. © The Henry Moore Foundation.

Além de abstrair a figura reclinada, Moore também a dissecava. Ele perfurava buracos nas figuras, comentando, “O primeiro buraco feito em uma pedra é uma revelação.” Ele também desafiava as percepções de volume e espaço ao separar as figuras em coleções de formas vagamente relacionadas que, separadamente, eram abstratas, mas quando reunidas sugeriam uma forma humana.

Henry Moore - Mãe e Filho, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Proteja a Forma Interior

No auge da produtividade de Moore, eclodiu a Segunda Guerra Mundial e ele foi convocado como artista de guerra. Criou uma série de desenhos documentando cidadãos aglomerados no subterrâneo durante os bombardeios. Os desenhos capturam o medo enquanto as formas humanas se encolhem em um abrigo e depois se protegem mutuamente em pilhas de corpos aglomerados. Após a guerra, essa ideia, de uma forma protegida dentro de outra, manifestou-se em suas esculturas. Ele produziu várias obras intituladas Mãe e Filho, algumas evocando uma criança dentro da forma da mãe, e outras mostrando duas formas separadas, mas aglomeradas.

Henry Moore - Cabeça Capacete nº 5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Ele também explorou essa ideia com uma série chamada Cabeça Capacete, criando formas de capacete que às vezes continham apenas espaço vazio, e outras vezes continham formas secundárias protegidas dentro delas. Essas esculturas protetoras usam a massa e o espaço ao redor como tema. Em um sentido formal, elas examinam a plenitude e o vazio do espaço. Em um sentido humanista, demonstram nossa realidade mais básica: a necessidade de segurança.

Henry Moore - Três Formas Vértebras, 1978-79, em frente à Prefeitura, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Exercícios em Forma

Em 1947, um contemporâneo de Moore, o autor francês Raymond Queneau, escreveu um livro chamado “Exercícios de Estilo,” no qual contou a mesma breve anedota em 99 estilos literários diferentes. Pode-se dizer que Henry Moore adotou uma abordagem semelhante em sua carreira. Ele perseguiu alguns temas de várias maneiras diferentes, focando em um pequeno conjunto de preocupações, como forma, contorno e a maneira como interagem com o espaço. Mas se fosse só isso, ele não teria deixado uma marca tão lendária na arte abstrata do século XX.

A grande ideia de Moore sempre foi a humanidade; um ponto mais evidente ao considerar suas esculturas públicas, que hoje existem em 38 países. Moore pretendia que elas fossem tocadas, escaladas, exploradas e habitadas. Elas existem para todos os nossos sentidos. Moore disse uma vez, “Nosso conhecimento de forma e contorno permanece, em geral, uma mistura de experiências visuais e táteis... Uma criança aprende sobre a redondeza ao manusear uma bola muito mais do que ao apenas olhar para ela.” Com o trabalho de Moore aprendemos sobre redondeza, materialidade, forma, espaço e muitas outras coisas formais e táteis. Mas também aprendemos algo mais importante: algo sobre nossa interconexão com a paisagem, uns com os outros, com a natureza e conosco mesmos.

Imagem em destaque: O Chac-mool, uma figura escultórica encontrada em todo o México pré-histórico
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio