As Animações Hipnotizantes de Oskar Fischinger

Este ano marca o 50º aniversário da morte de Oskar Fischinger, um gênio visionário que chegou mais perto do que qualquer outro artista de expressar as misteriosas e abstratas semelhanças que existem entre música e imagens. Por meio de seus filmes animados, Fischinger correlacionou as linguagens visuais de formas, contornos, linhas e cores com a linguagem musical de notas, ritmos, harmonias e dissonâncias. Com a invenção do Lumigraph, um dispositivo emissor de luz manipulado manualmente de forma semelhante a um instrumento musical, ele demonstrou o potencial para criar vínculos estético-emocionais por meio de composições dinâmicas e improvisadas de cores tocadas numa máquina. E por meio de suas pinturas, ele transmitiu os planos conceituais elevados escondidos em seus filmes ao congelá-los em superfícies simplificadas e bidimensionais. Paralelamente, ao longo de sua carreira, em escritos e discursos, ele expôs detalhadamente suas intenções artísticas. “Quero que esta obra atenda às necessidades espirituais e emocionais da nossa época”, escreveu em 1950. “Pois há algo que todos buscamos—algo que tentamos durante toda a vida... esperando... que um dia, talvez, algo seja revelado, surgindo do desconhecido, algo que revelará a Verdadeira Criação: a Verdade Criativa!”

Oskar Fischinger: Um Artista Nato

Alguns artistas são formados; outros já nascem assim. Oskar Fischinger nunca estudou arte na escola. Nascido em 1900 em Hesse, Alemanha, ele foi, como a maioria dos jovens de sua geração, convocado para o serviço militar ainda adolescente. Mas devido à sua condição física debilitada, não foi obrigado a lutar pela Alemanha na guerra. Em vez disso, conseguiu um emprego numa fábrica de órgãos musicais. Essa exposição inicial aos mecanismos da criação musical se mostrou decisiva para Fischinger mais tarde, especialmente quando somada à educação em engenharia que pôde receber após a guerra, quando sua família se mudou para Frankfurt. Talvez essas experiências não fossem típicas de alguém destinado a se tornar um grande artista, mas eram criativas em sua essência e, como se viu, foram perfeitas para o destino que aguardava esse artista em particular.

Em 1921, Fischinger conheceu o cineasta alemão de vanguarda Walter Ruttman. Ruttman era um dos poucos artistas que experimentavam o cinema como meio abstrato, explorando as formas como ele poderia interagir com outras artes. Fischinger se inspirou no trabalho de Ruttman e, graças a seus conhecimentos mecânicos e de engenharia, conseguiu impressioná-lo em troca. Fez isso por meio da invenção de um dispositivo mecânico de animação: uma “máquina de fatiar cera”. Ao saber do aparelho, Ruttman ficou tão impressionado que pediu a Fischinger os direitos para usá-lo. Fischinger licenciou os direitos de sua máquina para Ruttman e, posteriormente, mudou-se para Munique, onde teve acesso a mais equipamentos, o que lhe permitiu experimentar ainda mais por conta própria.

Oskar Fischinger - quadro do vídeo Radio Dynamics, 1942, © Center for Visual Music

Os Filmes

Enquanto estava em Munique, Fischinger fez alguns de seus primeiros filmes. Em vez de imitar o mundo realista, eles estudavam outras formas pelas quais luz e som poderiam interagir em um filme. Em 1926, ele escreveu um de seus ensaios fundamentais, intitulado Eine neue Kunst: Raumlichtmusik, ou Uma Nova Arte: Música Espacial de Luz. Embora pareça não ter sido publicado em vida, está agora arquivado no Centro para Música Visual em Los Angeles, que detém e administra a obra de Fischinger, incluindo seus filmes e documentos. As ideias que Fischinger expressou nesse ensaio, junto com as conquistas evidentes em seus primeiros filmes, o colocam na companhia filosófica de artistas como Wassily Kandinsky, que acreditava fortemente na capacidade da imagem não objetiva de comunicar espiritualmente no mesmo nível abstrato da música. Mas ao focar nos filmes em vez da pintura, Fischinger pôde compreender uma diferença essencial entre música e imagens: que a música, ao contrário da imagem estática, ocorre no tempo.

Uma única nota que dura apenas um momento não tem o mesmo efeito emocional em um ouvinte que uma sinfonia tocada ao longo de uma hora. E o mesmo vale para as imagens. Uma única composição visual numa pintura não tem o mesmo efeito emocional em um espectador que uma composição visual que se desenrola ao longo do tempo em um filme. Aplicando esse pensamento básico, Fischinger passou as duas décadas seguintes criando alguns dos filmes animados abstratos mais inovadores já feitos. Alguns foram acompanhados por música e foram chamados de os primeiros videoclipes. Mas não eram nada parecidos com os videoclipes que conhecemos hoje. Eram acompanhados por música apenas na tentativa de examinar as semelhanças nas formas como composições visuais e musicais comunicam abstratamente ao nosso cérebro.

Oskar Fischinger - quadro do vídeo Kreise, 1933-34, © Center for Visual Music

Composição em Azul

Em 1935, enquanto morava em Berlim, Oskar Fischinger realizou o que muitos consideram sua obra-prima: um filme intitulado Composição em Azul. Filmado em película colorida de 35 mm, o curta animado é acompanhado por uma melodia de As Alegres Comadres de Windsor, uma ópera do compositor alemão Otto Nicolai, baseada na peça homônima de William Shakespeare. Ao longo do filme, formas abstratas e vividamente coloridas dançam em perfeita sincronia com a música. O fundo parece mudar de duas para três dimensões e frequentemente colapsa sobre si mesmo, transformando-se em um deleite visual interminável e caprichoso.

Um aspecto notável de Composição em Azul é como foi feito. Fischinger construiu à mão cada uma daquelas pequenas formas que dançam no filme. São modelos pintados, meticulosamente movidos enquanto o filme era filmado, quadro a quadro. Cada quadro congelado poderia, em outras circunstâncias, constituir uma pintura abstrata. Ou, se ele quisesse, cada composição antes de ser filmada poderia ser considerada uma instalação escultórica. Mas foi somente em movimento, desenrolando-se ao longo do tempo, que Fischinger acreditava que essas imagens abstratas poderiam alcançar o mesmo impacto das composições musicais, e foi com esse objetivo que dirigiu a obra.

Oskar Fischinger - quadro do vídeo Composição em Azul, 1935, © Center for Visual Music

As Pinturas

Composição em Azul alcançou reconhecimento internacional. Em parte devido ao seu sucesso, Fischinger pôde vir para a América em 1936, onde ocupou várias posições em Hollywood, trabalhando para a Paramount, Walt Disney e outros estúdios. Mas logo aprendeu sobre o abismo que existe entre os objetivos idealistas dos artistas e os das empresas comerciais de produção cinematográfica. Incapaz de encontrar apoio financeiro para continuar fazendo seu trabalho puramente artístico de animação, eventualmente Fischinger foi forçado a abandonar o cinema. Em vez disso, concentrou grande parte de sua atenção no final da década de 1940 em sua invenção, o Lumigraph. E ironicamente, passou os últimos 15 anos de sua vida como pintor.

As pinturas que Fischinger criou são notáveis em sua variedade. Como suas animações anteriores, parecem conter a linguagem visual abstrata de todos os outros artistas abstratos do século XX. Mas essas não são obras derivadas. Pelo contrário, a maioria dessas imagens foi iniciada por Fischinger muito antes de artistas como Josef Albers, Bridget Riley, Morris Louis e Kenneth Noland chegarem a elas por conta própria. E ao contrário do esperado, em vez de tirar algo de seus filmes, suas pinturas acrescentam força às suas ideias sobre música e imagens e os efeitos de experimentá-las no tempo. Cada pintura é um momento capturado—um fragmento isolado de uma experiência maior. Vê-las em seus filmes nos leva a uma jornada. Vê-las em suas pinturas nos permite apreciá-las como conhecedores.

Oskar Fischinger - quadro do vídeo Motion Painting nº I, 1947, © Center for Visual Music

A Pior Homenagem de Todas

Oskar Fischinger foi obviamente um pioneiro, então não é surpresa que as pessoas frequentemente queiram prestar homenagem a ele e suas conquistas. Mas em junho passado, no que teria sido seu 117º aniversário, o Google “prestou homenagem” a Fischinger com um Google Doodle—uma daquelas distrações interativas que o Google oferece aos usuários em sua página de busca. O doodle dava aos visitantes a chance de alterar uma composição musical-visual clicando na tela. Embora divertido, foi uma homenagem absurda a Fischinger. Fischinger disse certa vez, em referência às suas experiências em Hollywood: “Nenhum artista criativo sensato poderia criar uma obra de arte sensata se uma equipe de colaboradores de todos os tipos tem sua palavra na criação final... Eles mudam as ideias, matam as ideias antes que nasçam, impedem que as ideias nasçam e substituem os motivos criativos absolutos por ideias baratas para agradar ao menor denominador comum.”

Como o Google pensou que um programador altamente pago trabalhando para uma fábrica comercial poderia prestar homenagem a este artista oferecendo literalmente a todos com conexão à Internet uma “palavra na criação final” é desconhecido. Em algum lugar, algo está se perdendo na tradução. Mas será que o resto da humanidade algum dia alcançará Oskar Fischinger? Talvez. Não é difícil entender o que Fischinger pretendia que fizéssemos com sua obra. Ele queria que a usássemos para sustento espiritual e emocional. Talvez as melhores formas de prestarmos homenagem ao seu legado não sejam criando jogos bobos, ou reduzindo suas conquistas a declarações como, “Uau, ele fez tudo isso sem um computador?!” Em vez disso, talvez devêssemos reconhecê-lo como artista, filósofo e poeta e tentar compreender o propósito mais profundo de sua obra, que nos chama a reconectar com os mistérios ocultos que ligam nossos variados e ainda bastante incompreendidos poderes sensoriais.

Google celebrando o 117º aniversário de Oskar Fischinger, © Google

Imagem em destaque: Oskar Fischinger - quadro do vídeo Allegretto, 1936-43, © Center for Visual Music

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos

Por Phillip Barcio