O Poder da Composição de Piet Mondrian com Vermelho, Azul e Amarelo

Piet Mondrian pintou “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo” em 1930. Essa obra marca um sutil ponto de virada na evolução de seu estilo singular e característico de pintura, que ele chamou de Neoplasticismo. Sua voz visual surgiu por meio de um esforço meticuloso e diário em direção à abstração completa, que ele acreditava ser uma forma de expressar uma pureza universal pelas artes plásticas. Foi em 1920, o mesmo ano em que publicou seu livro Le Néo-Plasticisme, que Mondrian pintou suas primeiras obras em grade, com as linhas pretas horizontais e verticais e campos retangulares de cor pura pelos quais ele é mais conhecido hoje. No início de sua exploração dessa posição única, Mondrian experimentou múltiplas cores e tons, e explorou uma grande variedade de configurações tanto para suas telas quanto para as formas dentro de suas composições. No momento de sua morte, em 1944, ele havia alcançado uma visão fantásticamente complexa e madura, incorporada em sua obra-prima, “Broadway Boogie Woogie.” Foi no meio dessa evolução que ele pintou “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo.” Pode não ser óbvio por que essa obra é notável, ou por que marca um ponto importante de virada. Mas há alguns aspectos que claramente a diferenciam de tantas outras pinturas feitas por Mondrian, e que sinalizam um momento em seu desenvolvimento em que o próprio Mondrian estava se transformando.

Lendo as Linhas

Algumas pessoas dizem que, para entender a verdadeira mensagem do que alguém está dizendo, é preciso ler nas entrelinhas. No caso de “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo”, são as próprias linhas que carregam uma mensagem oculta. É bem conhecido que Mondrian buscava equilíbrio em seu trabalho. Ele escreveu extensamente sobre a harmonia composicional como uma reação contra o caos. Ele alcançava essa sensação de harmonia buscando incansavelmente o equilíbrio entre os elementos plásticos de suas imagens. A disposição das cores, o tamanho das formas e as qualidades das superfícies interagiam de maneiras que o deixavam ou desequilibrado ou em equilíbrio. A busca era sempre descobrir o ponto perfeito em que uma composição alcançava uma espécie de quietude.

No entanto, com o tempo, Mondrian passou a desprezar a própria sensação de quietude que antes buscava. Suas pinturas posteriores, criadas em Nova York e inspiradas pelo movimento da cidade e pela energia da música jazz, parecem quase vibrar e zumbir. “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo” marca um ponto inicial em sua capacidade de dotar suas imagens dessa energia. O segredo está nas linhas. Pode ser quase imperceptível à primeira vista, mas se você observar as linhas pretas nesta pintura, verá que a linha no canto superior esquerdo da composição tem o dobro da espessura das outras linhas. Mondrian acreditava que essa escolha, de tornar uma das linhas duas vezes mais larga, dava vida à sua composição. Ele estava transformando seus pensamentos, afastando-se da crença na quietude como uma necessidade universal, e caminhando para a ideia de que até mesmo uma composição completamente abstrata e harmoniosa precisa de energia para parecer viva.

Pendurado no Equilíbrio

Apesar da busca por energia e movimento que Mondrian expressou com sua linha dupla, “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo” é, ainda assim, uma manifestação suprema de harmonia pictórica. De uma forma estranha, na verdade, a energia infundida na imagem pelas linhas largas equilibra os outros elementos pictóricos, que de outra forma poderiam parecer demasiado concretos. Refiro-me, em especial, ao quadrado vermelho maciço que domina esta imagem. O peso visual desse quadrado ecoa a forma perfeitamente quadrada da tela. Isso quase evoca comparações com uma pintura de Malevich de décadas antes. É tentador ver o quadrado vermelho como o tema da obra, o que teria levado essa pintura para fora do reino da pura abstração. Mondrian claramente tentava usar o menor número possível de outros elementos pictóricos na composição. Ele foi ao extremo oposto com o pequeno retângulo amarelo na parte inferior da tela, e atingiu o ponto médio com o retângulo azul. Mas é estranhamente a linha dupla que sugere que há, de fato, algo mais acontecendo nesta composição do que simples formas coloridas.

Outro aspecto interessante desta pintura, pelo menos para mim, é que Mondrian deixou os campos de cor sem moldura nas bordas da tela. De modo algum ele fazia isso sempre. Frequentemente, seus retângulos são completamente cercados por linhas pretas. Ao deixar as formas abertas neste caso, ficamos com a ideia de que talvez as linhas nunca foram pensadas como molduras. Talvez fossem campos de cor iguais às outras formas coloridas. Ou talvez fossem destinadas a agir como algo concreto, e a cor deveria ser percebida mais como luz — algo etéreo preenchendo o espaço vazio. Nesta pintura, como não são delimitadas por linhas pretas, as áreas coloridas podem se expandir para sempre no espaço além da borda da tela. Se for esse o caso, é quase como se Mondrian tivesse recortado uma imagem que viu em sua mente. Posso imaginar que, em vez de Mondrian ser um narrador onisciente de um mundo visual fictício, ele era mais um documentarista, vendo o que estava diante dele e editando de modo que todos pudéssemos entender da forma como ele entendia. Talvez essa ideia incomodasse Mondrian, já que ele era firme em sua busca pela pura abstração. Mas é isso que torna “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo” uma pintura tão transformadora. Ela não apenas transformou seu próprio desenvolvimento como pintor — também transforma nossa capacidade de interagir com o legado de sua obra de maneiras que desafiam até mesmo as expectativas que ele tinha para si mesmo.

Imagem em destaque: Piet Mondrian - Composição em Vermelho, Azul e Amarelo. 1930. Óleo e papel sobre tela. 46 x 46 cm. Kunsthaus Zürich
Por Phillip Barcio