O Poder da Composição de Piet Mondrian com Vermelho, Azul e Amarelo

Piet Mondrian pintou “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo” em 1930. Isso marca um sutil ponto de virada na evolução de seu estilo de pintura distinto e singular, que ele chamou de Neoplasticismo. Sua voz visual surgiu através de um esforço meticuloso e diário em direção à abstração completa, que ele acreditava ser uma forma de expressar uma pureza universal através das artes plásticas. Foi em 1920, o mesmo ano em que publicou seu livro Le Néo-Plasticisme, que Mondrian pintou suas primeiras pinturas em grade, apresentando as linhas horizontais e verticais pretas e campos retangulares de cor pura pelos quais ele é agora mais conhecido. No início de sua exploração dessa posição única, Mondrian experimentou com múltiplas cores e tons, e explorou uma ampla variedade de configurações tanto para suas telas quanto para as formas dentro de suas composições. Na época de sua morte em 1944, ele havia chegado a uma visão fantásticamente complexa e madura, incorporada por sua obra-prima, “Broadway Boogie Woogie.” Foi no meio dessa evolução que ele pintou “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo.” Pode não ser óbvio por que esta obra é notável, ou por que marca um ponto de virada importante. Mas há alguns aspectos dela que claramente a distinguem de tantas outras pinturas que Mondrian fez, e que sinalizam um ponto em seu desenvolvimento quando o próprio Mondrian estava se transformando.

Lendo as linhas

Algumas pessoas dizem que, para entender a verdadeira mensagem do que uma pessoa está dizendo, você precisa ler nas entrelinhas. No caso de “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo”, são as linhas em si que carregam uma mensagem oculta. É bem conhecido que Mondrian buscava equilíbrio em seu trabalho. Ele escreveu extensivamente sobre harmonia composicional como uma reação contra o caos. Ele alcançou esse senso de harmonia ao buscar incansavelmente o equilíbrio entre os elementos plásticos de suas obras. A colocação das cores, o tamanho das formas e as qualidades das superfícies interagiam entre si de maneiras que o deixavam se sentindo desequilibrado ou em equilíbrio. A busca era sempre descobrir o ponto perfeito em que uma composição alcançava uma espécie de tranquilidade.

No entanto, com o tempo, Mondrian começou a desprezar o próprio sentido de imobilidade que um dia buscou. Suas pinturas posteriores, criadas em Nova York, inspiradas pelo movimento da cidade e pela energia da música jazz, parecem quase vibrar e zumbir. "Composição com Vermelho, Azul e Amarelo" marca um ponto de partida em sua capacidade de dotar suas imagens com essa energia. O segredo está nas linhas. Pode ser quase imperceptível à primeira vista, mas se você olhar as linhas pretas nesta pintura, verá que a linha no canto superior esquerdo da composição é o dobro da espessura das outras linhas. Mondrian acreditava que essa escolha, de fazer uma das linhas duas vezes mais larga, dava vida à sua composição. Ele estava transformando seus pensamentos, afastando-se da crença na imobilidade como uma necessidade universal, e se direcionando para a ideia de que mesmo uma composição completamente abstrata e harmoniosa precisa de energia para se sentir viva.

Pendurado na Balança

Apesar da busca por energia e movimento que Mondrian expressou com sua linha dupla larga, “Composição com Vermelho, Azul e Amarelo” é, no entanto, uma manifestação suprema da harmonia pictórica. De uma maneira estranha, na verdade, a energia infundida na imagem pelas linhas largas equilibra os outros elementos pictóricos, que de outra forma poderiam parecer muito concretos. Ou seja, estou falando do maciço quadrado vermelho que domina esta imagem. O peso visual deste quadrado ecoa a forma perfeitamente quadrada da tela. Quase evoca comparações com uma pintura de Malevich de décadas anteriores. É tentador ver o quadrado vermelho como o sujeito da obra, o que teria levado esta pintura para fora do reino da pura abstração. Mondrian claramente estava tentando usar o menor número possível de outros elementos pictóricos na composição. Ele foi ao extremo oposto com o pequeno retângulo amarelo na parte inferior da tela, e atingiu o ponto médio com o retângulo azul. Mas é estranhamente a linha dupla larga que sugere que há, de fato, mais acontecendo nesta composição do que simples formas coloridas.

Outro aspecto interessante desta pintura, pelo menos para mim, é que Mondrian deixou os campos de cor sem moldura nas bordas da tela. De forma alguma ele sempre fez isso. Frequentemente, seus retângulos estão completamente cercados por linhas pretas. Ao deixar as formas abertas neste caso, ficamos com a ideia de que talvez as linhas nunca tenham sido destinadas a ser molduras. Talvez tenham sido destinadas a atuar como campos de cor iguais às outras formas coloridas. Ou talvez sejam destinadas a agir como algo concreto, e a cor foi destinada a ser percebida mais como luz—algo etéreo preenchendo o espaço vazio. Nesta pintura, como não estão contornados por linhas pretas, os espaços coloridos podem se expandir para sempre no espaço além da borda da tela. Se este for o caso, é quase como se Mondrian tivesse recortado uma imagem que viu em sua mente. Posso imaginar que, em vez de Mondrian ser um narrador onisciente de um mundo visual fictício, ele era mais um documentarista, vendo o que estava diante dele e editando de tal forma que todos nós pudéssemos entendê-lo da maneira que ele fez. Talvez essa ideia irritasse Mondrian, já que ele era inflexível em sua busca pela abstração pura. Mas isso é parte do que torna "Composição com Vermelho, Azul e Amarelo" uma pintura tão transformadora. Não apenas transformou seu próprio desenvolvimento como pintor—também transforma nossa capacidade de interagir com o legado de seu trabalho de maneiras que desafiam até mesmo as expectativas que ele tinha para si mesmo.

Imagem em destaque: Piet Mondrian - Composição em Vermelho, Azul e Amarelo. 1930. Óleo e papel sobre tela. 46 x 46 cm. Kunsthaus Zürich
Por Phillip Park