Интервью с Джоном Монтитом
Джон Монти родился в 1973 году в Ньюмаркете, Онтарио, Канада, и окончил магистратуру по программе MFA в Parsons The New School for Design в 2008 году. Он много путешествовал и жил в разных уголках мира, что со временем повлияло и изменило его творческую практику. Его сложные и красочные работы из воска и пигментов на многослойной кальке, а также тщательно выполненные многослойные фотодокументации сделали его востребованным и известным художником-абстракционистом.
Джон Монти был представлен на международном уровне и стал центром внимания нескольких персональных и групповых выставок, таких как: «Ночью все кошки серы», O’Born Contemporary, Торонто, Онтарио; «Пока без названия», Galerie Wenger, Цюрих, Швейцария; и «Vector Issue 5», Schau Fenster, Raum für Kunst, Берлин, Германия. Его работы входят в постоянные коллекции The New School, Манхэттен, Нью-Йорк; BNY Melon, Нью-Йорк; и Morris and Associates в Лондоне, Англия. IdeelArt имел удовольствие взять интервью у художника, чтобы обсудить его творческий процесс и предстоящие проекты.
Какие материалы и техники вы используете в своей работе? Как ваша практика менялась со временем?
В начале своей живописной практики я использовал масло на холсте и работал в репрезентативном стиле, создавая крупномасштабные фигуративные картины. С 2005 года я сделал значительный сдвиг в выборе материала и темы. Траектория моей работы развивалась естественно вместе с моими мыслями, не только об урбанистических пространствах, но и о личных отношениях и множественных слоях взаимосвязей. Меня всегда увлекало, что характеризует видимое и скрытое.
В 2006 году я начал работать с калькой, используя её прозрачные качества для наложения изображений друг на друга. Хотя я всё ещё работал в репрезентативном стиле, я использовал масло, которое разбавлял, чтобы подчеркнуть его прозрачность. Я писал архитектуру и городские центры, места, которые посещал и которые имели историческое значение, а также остатки старой автомобильной аварии, которую увидел в лесу в Киото, Япония, где несколько машин съехали с крутого склона примерно пятнадцать лет назад. Каждая из этих сцен была когда-то или является сейчас местом разлома. Создавая картины из этой серии, я писал каждое изображение дважды на двух разных листах кальки, а затем накладывал их друг на друга, смещая верхний слой относительно нижнего, чтобы создать одно изображение. Объединение этих двух «частей» в одну картину создавало работу, которая находилась в загадочной зоне перемен, в некотором смысле — движение, пойманное во времени. После выставки этих картин вместе с серией текстовых работ я стал более сдержанным в своём творчестве, применяя конкретный подход к созданию рисунков и картин, которые сохраняли отсылку к временному в городской среде и дискурсу памяти/истории, как это развивали такие авторы, как Андреас Хюйссен.
В 2011 году я начал серию (де) Конструкция/(ре) Конструкция, созданную на основе фотодокументации промежуточных пространств, таких как дверные проёмы и коридоры торговых центров, аэропортов и других общественных мест. Я создавал эти картины, используя формы падающего света и теней, присутствующих в этих «мусорных пространствах», термин, введённый и описанный Ремом Колхасом. Это «места-ничего», где мы проводим много времени в пути, перемещаясь из точки А в точку Б. Как и в предыдущей серии, я использовал стратегию рисования двух идентичных слоёв, но на этот раз, накладывая слои, я смещал их в нужное положение перед завершением картины, выдвигая и отодвигая определённые элементы.
Завершая эти картины, я монтировал их на непрозрачное белое плексигласовое стекло, вырезанное вручную по размерам каждой работы. Это позволяло мне вешать работы на стену, как традиционные картины, а также рассматривать их скульптурно, размещая каждую на отдельной подставке. Такая установка создавала новые физические отношения между работами, ссылаясь на архитектуру галереи и изменяя «один к одному» линию взгляда, тем самым меняя восприятие картин. Мои работы таким образом приобретают разные ассоциации. Я всегда интересовался наложением слоёв, но также мне интересно использовать один материал, чтобы отсылать к другому, в данном случае — мои картины, установленные как скульптуры. Разные картины могут выглядеть как рисунки, а фотографии и рисунки — как картины. Каждый этап моего творческого процесса визуально проявляется в конечной работе; следы всегда читаемы. Для меня именно в этом и заключается содержание. В наших городах эта ситуация проявляется, когда мы ищем доказательства и следы прошлого, скрытые под слоем настоящего.
Последние два года я провёл в Берлине, создавая рисунки, которые развивались органично, в отличие от моего прежнего использования фотографических образцов. Я особенно изучал реконструкцию города, его топографию, а также «пустоты» города, сохраняющие следы прошлого. По результатам этого исследования я создал взаимосвязанные группы рисунков, которые дополняют друг друга при совместном просмотре, а также работы, учитывающие архитектурную реконструкцию в центре города.
Сколько обычно занимает создание работы?
Это зависит. Когда я был в Берлине, я обычно работал в студии шесть дней в неделю. Трудно сказать, сколько времени занимает работа, так как я склонен работать над несколькими произведениями одновременно. В моём процессе я начинаю с очень тонкого слоя краски, а затем постепенно наращиваю её, или в случае с рисунками, часто трачу пару недель на тесты, прежде чем окончательно определиться с подходом к работе. В целом мой процесс медленный и трудоёмкий.
Что является неотъемлемой частью вашей работы?
Моя практика привела меня во многие города, как для жизни, так и для исследований. Каждый переезд влияет и меняет мою работу. Эти места служат катализаторами для того, как я думаю о создании искусства и как реализую свой процесс. Новые способы мышления и творчества появляются, когда старые привычки разрушаются и меняются.
Как вы понимаете, что работа завершена?
Я не работаю в такой неопределённой манере; для меня это более ясно. Никогда не возникало вопроса, что нужно сделать дальше, чтобы завершить работу. Самый большой вопрос для меня — как контекстуально разместить каждую работу вместе с другими на выставке и как её установить? Это всегда самые сложные вопросы, так как я учитываю, как моя работа будет восприниматься и как выставочное пространство повлияет на её читаемость. При работе с выбранным материалом также важна рамка. Рамка может либо усилить, либо испортить мою работу. Мне нравится работать с рамочниками, которым я доверяю и которые могут предложить свои идеи и взгляды.
Что значит для вашего процесса иметь физическое пространство для творчества, и как вы организуете свою студию?
Моя студия должна быть уединённым и тихим местом. Я гибок в выборе местоположения, но пространство студии задаёт определённые параметры, особенно в отношении масштаба и того, насколько крупные работы можно создавать. Если у вас маленькое пространство, работа будет казаться гораздо больше в студии, чем когда она висит на стенах большой галереи.
Есть ли что-то, над чем вы сейчас работаете или с чем с нетерпением ждёте начала, о чём можете рассказать?
В настоящее время я нахожусь в Галифаксе, Канада, исследую практики работы с волокнами для новой серии ткацких работ на ткацком станке. Пока я был в Берлине, меня всё больше заинтересовало расширение моей традиционной практики и включение новых средств — я всё ещё буду писать картины, но по-другому.
Как вы ориентируетесь в мире искусства?
Я считаю, что лучший способ справиться с давлением — проводить как можно больше времени в студии и продолжать создавать работы. В этом процессе есть определённое утешение — двигаться вперёд в тех направлениях, которые для тебя сложны. Я читаю разные тексты и художественные издания, ориентированные на культурную теорию и исследование, а не просто обзоры выставок или статьи, посвящённые арт-рынку. Также помогает наличие моего сообщества — у меня есть группы в Берлине, Нью-Йорке и Торонто, состоящие из художников, кураторов, писателей, дизайнеров, музыкантов и диджеев, которые поддерживают мою работу, как и я поддерживаю их. Общение и просто присутствие с ними очень помогают мне справляться с давлением профессии художника.
Какой лучший совет вы получили, когда начинали в мире искусства? Какой совет вы можете дать молодым начинающим художникам?
Лучший совет мне дала Марта Рослер: «Никогда не доверяйте никому свою карьеру. Вы всегда должны следить за тем, как вас представляют и как те, кто вас представляет, формируют разговор вокруг вашей работы».
Участвуете ли вы в предстоящих выставках или мероприятиях? Где и когда?
Я буду участвовать в групповой выставке в Galerie Wenger в Цюрихе, Швейцария, которая откроется 24 октября 2015 года и продлится до 9 января. У меня также есть несколько других проектов, которые находятся на ранних стадиях разработки.
Изображение: Инсталляция Memorial Day, O’Born Contemporary, Торонто 2012 — любезно предоставлено художником
