Интервью с Джоном Монтитом
Джон Монтейт родился в 1973 году в Ньюмаркте, Онтарио, Канада, и является выпускником программы MFA в Парсонс The New School for Design в 2008 году. Он много путешествовал и жил по всему миру, что повлияло и изменило его производственную практику на протяжении многих лет. Его сложные и яркие произведения из воска и пигментов на многослойной чертежной пленке, а также его тщательно многослойные фотодокументации сделали его востребованным и известным абстрактным художником.
Джон Монтейт был представлен на международной арене и стал центром нескольких сольных и групповых выставок, таких как: "В темноте все кошки серые", O’Born Contemporary, Торонто, Онтарио; "Еще не названо", Galerie Wenger, Цюрих, Швейцария; и "Vector Issue 5", Schau Fenster, Raum für Kunst, Берлин, Германия. Его работы входят в постоянные коллекции The New School, Манхэттен, Нью-Йорк; BNY Melon, Нью-Йорк; и Morris and Associates в Лондоне, Англия. IdeelArt имела удовольствие взять интервью у художника, чтобы обсудить его рабочий процесс и предстоящие проекты.
Какие материалы и техники вы используете в своем рабочем процессе? Как ваша практика изменилась со временем?
В моей предыдущей практике живописи я использовал масло на холсте и работал в репрезентативном стиле, создавая крупномасштабные фигуративные картины. С 2005 года я значительно изменил как средство, так и предмет своего творчества. Траектория моей работы развивалась естественно вместе с моими мыслями, не только о городских пространствах, но и о личных отношениях и множественных слоях взаимосвязи. Меня всегда fascinировало то, что характеризует показанное и скрытое.
В 2006 году я начал работать с чертежной пленкой, используя ее полупрозрачные качества для наложения изображений друг на друга. Работая в репрезентативном стиле, я использовал масляные краски, которые были разбавлены, чтобы воспользоваться их прозрачной природой. Я писал архитектуру и городские центры, места, которые я посетил и которые имели историческое значение, а также остатки старой автомобильной аварии, которую я увидел в лесу в Киото, Япония, где столкнулись несколько автомобилей, возможно, лет пятнадцать назад. Каждая из этих сцен когда-то была или в настоящее время является местом разрыва. Создавая картины из этой серии, я рисовал каждое изображение дважды на двух разных листах чертежной пленки, а затем накладывал листы один на другой и смещал регистрацию так, чтобы верхняя картина была немного смещена относительно нижней картины, которые затем накладывались, чтобы создать одно изображение. Сочетание этих двух "частей" в одной картине создало работу, которая оставалась в загадочной зоне потока, в определенном смысле, движение, застывшее во времени. После выставки этих картин наряду с набором текстовых работ я стал более редуктивным в своем художественном творчестве, приняв конкретный подход к созданию моих рисунков и картин, который сохранял ссылку на временное в городской сфере и дискурс памяти/истории, как это предлагали такие писатели, как Андреас Хюйссен.
В 2011 году я начал серию (де) Конструкция/(ре) Конструкция, которая была создана на основе фотодокументации интерстициальных пространств, таких как дверные проемы и коридоры торговых центров, аэропортов и других общественных мест. Я создавал эти картины, используя формы падающего света и теней, присутствующих в этих «мусорных пространствах», термин, придуманный и описанный Ремом Колхасом. Это «места без места», где мы проводим большую часть времени в транзите, перемещаясь от точки А к точке Б. Как и в моей последней группе картин, я использовал ту же стратегию рисования двух идентичных слоев, но на этот раз, когда я накладывал слои друг на друга, я сдвигал их в нужное положение перед завершением картины, выдвигая и отодвигая определенные элементы.
Завершая эти картины, я монтировал их на непрозрачный белый акрил, вырезанный вручную по размерам каждой картины. Это позволило мне повесить произведения на стену так, как это делается с традиционной картиной, но также рассматривать картины скульптурно, повесив каждое произведение на отдельной подставке. Установка работ таким образом создала новые физические отношения между произведениями, ссылаясь на архитектуру галереи и изменяя «один к одному» линию зрения, тем самым меняя природу восприятия картин. Мои работы таким образом приобретают разные ассоциации. Мне всегда было интересно наслаивание, но меня также интересует использование одного материала для ссылки на другой, в данном случае мои картины, установленные как скульптуры. Разные картины могут выглядеть как рисунки, а фотографии и рисунки могут выглядеть как картины. Каждый шаг в моем творческом процессе визуально проявляется в финальной работе; следы всегда читаемы. Для меня именно здесь заключается содержание. В наших городах этот сценарий разворачивается, когда мы ищем доказательства и следы прошлого, скрытые под поверхностью настоящего.
"Я провел последние два года в Берлине, создавая рисунки, которые развивались органически, в отличие от моего прошлого использования фотографических ссылок. Я особенно обращал внимание на реконструкцию города, его топографию, а также на "пустоты" города, которые сохраняют следы прошлого. На основе этого исследования я создал взаимосвязанные группы рисунков, которые информируют друг друга при совместном просмотре, а также работы, которые учитывают архитектурную реконструкцию, происходящую в центре города."
Сколько времени обычно занимает работа?
Это действительно зависит. Когда я был в Берлине, я обычно проводил в своей студии шесть дней в неделю. Сложно сказать, сколько времени займет работа, так как я склонен работать над несколькими произведениями одновременно. В моем процессе я начинаю с очень тонкой краски, а затем медленно наращиваю ее, или в случае моих рисунков я часто трачу несколько недель на тесты, прежде чем окончательно определиться с подходом к работе. В основном мой процесс - это медленный трудоемкий.
Что является неотъемлемой частью вашей работы?
«Моя практика привела меня во многие города, как для жизни, так и для исследований. Каждый раз, когда я переезжаю, это влияет и меняет мою работу. Эти места становятся катализаторами того, как я думаю о создании искусства и как я выполняю свой процесс. Появляются новые способы мышления и создания, когда старые привычки разрушаются и встряхиваются.»
Как узнать, когда работа завершена?
Я не работаю в такой неясной манере; мне это яснее. Никогда не возникало вопроса о том, что мне нужно сделать дальше, чтобы завершить работу. Самый большой вопрос для меня заключается в том, как разместить каждую деталь в контексте с другими элементами выставки и как будет установлена работа? Это всегда самые сложные вопросы, когда я думаю о том, как будет восприниматься моя работа и как выставочное пространство повлияет на эту читаемость. Работая с выбранным материалом, я также учитываю оформление. Оформление может либо сделать, либо сломать мою работу. Мне нравится работать с оформителями, которым я доверяю, которые могут предложить свои идеи и мнения.
Что значит наличие физического пространства для создания искусства для вашего процесса, и как вы делаете свое студийное пространство удобным для себя?
Моя студия должна быть уединенным и тихим пространством. Я гибок в выборе места, но пространство студии диктует определенные параметры, особенно в отношении масштаба и того, насколько крупно можно работать. Если у вас небольшое пространство, работа будет выглядеть гораздо больше в вашей студии, чем когда она будет висеть на стенах большого галереи.
Есть ли что-то, над чем вы сейчас работаете или чем вам интересно заняться, о чем вы можете мне рассказать?
В настоящее время я нахожусь в Галифаксе, Канада, занимаюсь исследованием волокнистых художественных практик для нового тела работ, связанных с ткачеством на станке. Находясь в Берлине, я все больше интересовался расширением своей традиционной практики и внедрением новых средств — я все еще буду рисовать, но просто по-другому.
Как вы ориентируетесь в мире искусства?
Я думаю, что лучший способ справиться с давлением — это проводить как можно больше времени в своей студии и продолжать создавать работы. В процессе движения вперед, который является для вас сложным, есть определенное утешение. Я читаю различные тексты и художественные публикации, которые ориентированы на культурную теорию и исследование, а не на простые обзоры выставок или статьи, посвященные арт-рынку. Также полезно иметь вокруг себя свою общину — у меня есть группы в Берлине, Нью-Йорке и Торонто, состоящие из художников, кураторов, писателей, дизайнеров, музыкантов и диджеев, которые поддерживают мою работу, как я поддерживаю их. Участие в беседе и просто присутствие с ними помогает мне невероятно справляться с давлением быть художником.
Какой самый лучший совет вы получили, когда начали свою карьеру в мире искусства? Какой совет вы можете дать молодым начинающим художникам?
Лучший совет, который я получил, был от Марты Розлер, которая сказала: "Никогда не доверяйте никому свою карьеру. Вы всегда должны следить за тем, как вас представляют, и как те, кто вас представляет, формируют разговор о вашей работе."
Вы участвуете в предстоящих шоу или мероприятиях? Где и когда?
Я буду участвовать в групповой выставке в Галерее Венгер в Цюрихе, Швейцария, которая открывается 24 октября 2015 года и продлится до 9 января. У меня также есть несколько других проектов, которые находятся на ранних стадиях разработки.
Изображение на обложке: Установка в честь Дня памяти O’Born Contemporary, Торонто 2012 - Courtesy of the artist
