Как «Дие Брюке» (Мост) отпраздновал силу цвета

Немецкий экспрессионизм зародился в городе Дрезден в 1905 году. Именно тогда четыре студента архитектуры объединились, чтобы основать Die Brücke — художественное движение, призванное начать немецкую эстетическую революцию. Die Brücke в переводе с немецкого означает «Мост». Эта фраза отражала восприятие группы как переходных фигур, соединяющих устаревшие немецкие художественные традиции прошлого с модернистскими идеалами, которые должны были привести культуру в будущее. В широком смысле эстетика Die Brücke склонялась к эмоционально выразительным композициям, доминируемым чистыми, плоскими, равномерными цветными полями и упрощёнными формами, выполненными примитивными штрихами. Художники Die Brücke стремились передать чувства, а не копировать реальность. Их эстетика во многом была вдохновлена техникой ксилографии. Но у группы было и другое, более раннее вдохновение — иронично, что оно не было немецким и не принадлежало их веку: это были картины Винсента Ван Гога, голландского постимпрессиониста, умершего в 1890 году. Четыре основателя Die Brücke — Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель, Фриц Блейль и Карл Шмидт-Ротлуфф — посетили ретроспективу Ван Гога, открывшуюся в Дрездене в 1905 году. В то время они ещё не были художниками, но были очарованы тем, что этот провидческий мастер смог передать с помощью краски. Цвета, быстрые мазки кисти и упрощённые формы произвели на них электризующий эффект. Его пример указал им путь к выражению глубинных страстей жизни. Влияние Ван Гога на Die Brücke было настолько велико, что один из поздних участников группы — Эмиль Нольде — даже пытался убедить их сменить название на «Van Goghiana». К счастью, они не последовали этому совету. Принять такое изменение означало бы смерть движения, которое прежде всего основывалось на оригинальности. Конечно, Ван Гог вдохновлял их, но истинной целью Die Brücke было не копировать кого-то, а следовать своим собственным инстинктам. Эти намерения отражены в третьем предложении их трёхпредложного манифеста, опубликованного на ксилографической печати в 1906 году: «Тот, кто прямо и подлинно выражает то, что побуждает его творить, — один из нас.»

Упорядоченный хаос

Для большинства немцев рубежа веков художники Die Brücke казались дикими людьми. Когда Франц Марк впервые увидел выставку их ярких, примитивистских картин, он назвал их «фовистами Германии» — отсылка к les Fauves, или «диким зверям», группе художников, работавших в то же время во Франции под руководством Андре Дерена и Анри Матисса, которые также использовали яркие, нереалистичные цвета. Сравнение с les Fauves было уместным. На самом деле Die Brücke заслуживала ещё более дикой репутации. Они не только использовали вызывающие цвета в своих картинах, но и были дикими во всех смыслах этого слова. Они жили нелегально в своих мастерских, которые не были предназначены для жилья, пряча кровати на чердаке днём, чтобы их не поймали. Они также писали обнажённых моделей на природе. Поскольку ни одна уважающая себя профессиональная модель не согласилась бы на такое задание, они платили непрофессионалам, чтобы те шли с ними в лес, подальше от посторонних глаз. Вместе с этими любительскими моделями и группой друзей и возлюбленных они устраивали вечеринки, рисовали и купались, становясь единым целым со своей самой художественной, самой свободной и самой первобытной природой.

Однако образ художников Die Brücke как неуправляемых людей не совсем точен. Они были богемными, но также одними из самых организованных и продуманных художественных объединений в истории. За восемь лет своего существования они провели более 70 групповых выставок как в Германии, так и за рубежом. Группа также была новаторской в плане маркетинга. Они продавали подписки, чтобы зрители, желавшие владеть их работами, но не имевшие возможности купить картину, могли получать плакаты, гравюры и другие печатные материалы, такие как манифесты. Группа строго придерживалась своих правил членства: ни один участник не имел права показывать свои работы вне групповых выставок. Огромный организационный талант, необходимый для проведения стольких выставок, а также управления членством и подписками, вызывает неизменное восхищение. Несмотря на репутацию диких людей, Die Brücke создала революционную и чрезвычайно эффективную организационную структуру — ту, которую до сих пор подражают многие художественные объединения и галереи, управляемые художниками.

Эрнст Людвиг Кирхнер — Манифест группы художников Брукке (Programm der Künstlergruppe Brücke), 1906. Хорст Йенер: Künstlergruppe Brücke. Geschichte einer Gemeinschaft und das Lebenswerk ihrer Repräsentanten. E.A.Seemann, Лейпциг 2005.

Выброшенные

Die Brücke начала распадаться около 1912 года, когда Макс Пехштейн, поздний участник, открыто нарушил соглашение о членстве, показывая свои работы на персональных выставках. Последней каплей стало в 1913 году, когда Кирхнер написал свою Хронику Die Brücke, отчуждая других участников, заявив, что он их лидер (хотя на самом деле группа была слабо организованным, почти анархическим собранием личностей). Однако по историческому парадоксу члены Die Brücke не оставались отчуждёнными навсегда. Когда к власти пришли нацисты, работы художников Die Brücke были признаны дегенеративным искусством. Эти события побудили участников вновь заявить, по крайней мере теоретически, о своей преданности друг другу и идеалу, за который они стояли: свободе и независимости художников.

После включения их работ в выставку дегенеративного искусства 1937 года многие произведения Хеккеля, а также позднего участника Отто Мюллера были уничтожены. Но их наследие не было полностью утрачено. За несколько лет до смерти Хеккель пожертвовал оставшиеся работы для создания Музея Брукке, открывшегося в Берлине в 1967 году. Карл Шмидт-Ротлуфф также сделал значительный вклад своими произведениями, и с тех пор музей приобрёл множество других работ участников группы. Сегодня его коллекция включает тысячи картин, скульптур и графических работ. Яркое наследие группы живёт в этой коллекции, но не ограничивается ею. Оно звучит в тканях бесчисленных других экспрессионистских движений XX века и в современном мире искусства как пример выразительной силы цвета и революционного потенциала подлинности.

Изображение на обложке: Карл Шмидт-Ротлуфф — Фарисеи, 1912. Масло на холсте. 75,9 x 102,9 см. Фонд Гертруды А. Меллон. Коллекция MoMa. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк / VG Bild-Kunst, Бонн.
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор Phillip Barcio