Как «Дие Брюке» (Мост) отпраздновал силу цвета

Немецкий экспрессионизм родился в городе Дрезден в 1905 году. Именно тогда четверо студентов-архитекторов объединились, чтобы основать Die Brücke, художественное движение, призванное начать немецкую эстетическую революцию. Die Brücke по-немецки означает «Мост». Эта фраза передает восприятие группы о себе как о переходных фигурах, соединяющих устаревшие немецкие художественные традиции прошлого с модернистскими идеалами, которые приведут культуру в будущее. В широком смысле эстетика Die Brücke склонялась к эмоционально выразительным композициям, доминируемым чистыми, плоскими, не градиентными полями цвета и упрощенными формами, выполненными примитивными знаками. Художники Die Brücke стремились передать чувства, а не копировать реальность. Их эстетика во многом была вдохновлена гравюрой на дереве. Но у группы также было другое, более раннее вдохновение – нечто иронично не немецкое и не из их века: картины Винсента Ван Гога, голландского постимпрессионистского художника, который умер в 1890 году. Четверо основателей Die Brücke – Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хеккель, Фриц Блейль и Карл Шмидт-Роттлуфф – посетили ретроспективу Ван Гога, открывшуюся в Дрездене в 1905 году. На тот момент они еще не были художниками, но были очарованы тем, что этот visionary artist смог передать с помощью краски. Цвета, быстрые мазки кисти и упрощенные формы оказали на них электризующее воздействие. Его пример указал им путь к тому, как задействовать скрытые страсти жизни. Ван Гог оказал такое влияние на Die Brücke, что один из поздних членов группы – Эмиль Нольде – на самом деле пытался убедить их изменить название на «Van Goghiana». К счастью, они не последовали этому предложению. Принять такое изменение означало бы смерть движения, которое, прежде всего, основывалось на оригинальности. Конечно, Ван Гог вдохновлял их, но то, что Die Brücke действительно искала, это не копировать кого-то другого, а следовать своим собственным индивидуальным инстинктам. Эти намерения подытожены в третьем предложении их трехпредложенного манифеста, опубликованного на гравюре на дереве в 1906 году, в котором говорилось: «Кто бы ни передавал прямо и аутентично то, что побуждает его творить, тот один из нас.»

Организованный хаос

Для большинства немцев на рубеже веков художники группы «Дие Брюке» казались дикими людьми. Когда Франц Марк впервые увидел выставку их ярких, примитивистских картин, он назвал их «фовами Германии», ссылаясь на les Fauves, или «диких зверей», группу художников, работавших в то же время во Франции под руководством Андре Дерана и Анри Матисса, которые также использовали яркие, нереалистичные оттенки. Сравнение с les Fauves было уместным. На самом деле, «Дие Брюке» заслуживала даже более дикой репутации. Они не только использовали шокирующие цвета в своих картинах, но и были дикими в каждом смысле этого слова. Они жили незаконно в своих студиях, которые не были жилыми, пряча свои кровати на чердаке днем, чтобы не быть пойманными. Они также рисовали обнаженные модели на природе. Поскольку ни одна уважаемая, профессиональная модель не согласилась бы на такое задание, они платили не-моделям, чтобы те пошли с ними в лес, далеко от глаз. Вместе со своими любительскими обнаженными моделями и группой других друзей и любовников они устраивали вечеринки, рисовали и плавали, становясь единым целым со своей самой художественной, самой свободной и самой примитивной природой.

Образ художников «Дие Брюке» как неуправляемых, однако, не является точным. Они были богемами, но также были одной из самых организованных и продуманных художественных групп в истории. За восемь лет своего существования они провели более 70 групповых выставок как в Германии, так и за границей. Группа также была новаторской в плане маркетинга. Они продавали подписки, так что зрители, которые хотели владеть их работами, но не могли позволить себе купить картину, могли получать постеры, принты и другие эпhemerы, такие как печатные манифесты. Группа была строго жесткой в своих требованиях к членству: ни один член не имел права показывать свои работы, кроме как на групповых выставках. Огромный организационный талант, необходимый для проведения стольких выставок, одновременно управляя членством и подписками, безусловно, впечатляет. Несмотря на их репутацию диких людей, «Дие Брюке» установила революционную и чрезвычайно эффективную организационную структуру, которая до сих пор подражается многими художественными коллективами и галереями, управляемыми художниками, сегодня.

Эрнст Людвиг Кирхнер - Манифест группы художников Брюке (Programm der Künstlergruppe Brücke), 1906. Хорст Яйнер: Künstlergruppe Brücke. История сообщества и жизненное творчество его представителей. E.A.Seemann, Лейпциг 2005.

Дегенераты

«Дие Брюке» начала распадаться около 1912 года, когда Макс Пехштайн, поздний участник, открыто нарушил их соглашение о членстве, выставляя свои работы на сольных выставках. Последней каплей стало то, что в 1913 году Кирхнер написал свою Хронику «Дие Брюке», что оттолкнуло других участников, заявив, что он их лидер (в то время как группа была слабо организованным, почти анархическим объединением индивидуумов). Однако, по иронии судьбы, члены «Дие Брюке» не остались в отчуждении навсегда. Когда нацисты пришли к власти, работы художников «Дие Брюке» были признаны дегенеративными. Эти события побудили участников вновь заявить, по крайней мере теоретически, о своей преданности друг другу и идеалу, за который они стояли: свободе и независимости для художников.

После их включения в Выставку дегенеративного искусства 1937 года многие работы Хекеля, а также работы позднего участника Отто Мюллера были уничтожены. Но их наследие не было полностью утрачено. За несколько лет до своей смерти Хекель пожертвовал оставшиеся у него работы, чтобы помочь в создании Музея Брукке, который открылся в Берлине в 1967 году. Карл Шмидт-Роттлуфф также сделал значительное пожертвование своих работ, и с тех пор музей приобрел множество других произведений от других членов группы. Сегодня его коллекция включает тысячи картин, скульптур и произведений на бумаге. Яркое наследие группы продолжает жить в этой коллекции, но на этом не останавливается. Оно отзывается в тканях бесчисленных других экспрессионистских движений 20 века и в современном арт-мире сегодня, как пример выразительной силы цвета и революционного потенциала подлинности.

Изображение: Карл Шмидт-Роттлуфф - Фарисеи, 1912. Масло на холсте. 29 7/8 x 40 1/2" (75,9 x 102,9 см). Фонд Гертруды А. Меллон. Коллекция МоМа. © 2019 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / VG Bild-Kunst, Бонн.
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio