Лирическая абстракция: искусство, которое отказывается быть холодным

Токио, 1957 год. Georges Mathieu, босиком, завернутый в кимоно, его длинное тело свернуто, как пружина, готовая выпустить энергию, стоит перед восьмиметровым холстом. Его пригласил Jiro Yoshihara из ассоциации Gutai Art, авангардной группы, проповедующей искусство как чистое материальное столкновение. Зрители наблюдают. Mathieu не делает набросков, не планирует, не колеблется. Он тянется к тюбикам с краской. Выдавливает краску прямо на поверхность. Его рука взмахивает. Взрывается каллиграфический вихрь. Через несколько минут появляется La Bataille de Hakata. Он нарисует еще двадцать полотен, прежде чем сесть на рейс домой. Bienvenue à l'abstraction lyrique.

Картина Georges Mathieu — Bataille de Bouvines — 25 апреля 1954 — ©Robert Descharnes

Если эта сцена вам близка — риск, пот, краска, которую нельзя оставить нетронутой — значит, вы уже внутри аргумента этого эссе. Для читателей, интересующихся ключевыми фактами о лирической абстракции, внизу есть очень подробный раздел FAQ.

Дважды рожденные, всегда в оппозиции

Лирическая абстракция не возникла из ниоткуда. Она родилась из конкретного, телесного отвращения к холодности. Первое рождение произошло в Париже в 1947 году, городе, все еще кровоточащем после нацистской оккупации. Критик Jean José Marchand и художник Georges Mathieu ввели термин Abstraction Lyrique, чтобы описать работы, показанные на выставке «L'Imaginaire» в Галерее Люксембург: картины, которые, как отметил Marchand, демонстрировали лиризм, свободный от всякого рабства. Нет рабства геометрии. Нет рабства рациональной сетке, которая в своей самой извращенной политической форме только что пыталась уничтожить Европу. Жест был актом выживания: мазок кисти как доказательство продолжающегося человеческого присутствия.

Второе рождение произошло в Нью-Йорке в 1969 году, и враг изменился, но холод оставался. Американский критик и коллекционер Larry Aldrich опубликовал статью «Молодые лирические художники» в Art in America, назвав поколение художников, уставших от ледяного перфекционизма минимализма и расчетливой иронии поп-арта. Музей Уитни закрепил движение полноценной выставкой в 1971 году. Снова: тепло, восстающее против системы. Каждый раз, когда возникала лирическая абстракция, это происходило не как стиль, а как отказ: отказ позволить живописи стать концептом без тела, формой без пульса.

Эта двойная генеалогия (Париж 1947 / Нью-Йорк 1969) — не просто исторический факт. Она раскрывает нечто структурное о том, чем является лирический абстракционизм. Это движение, которое определяет себя через противопоставление чему-то другому, а значит, его идентичность постоянно жива, постоянно реактивна. Взгляните на Martin Reyna, аргентинского художника, который много лет живёт и работает в Париже. Его энкресы и разбавленные акрилы одновременно структурированы и свободны: Reyna задаёт структуру: территорию, ритм, набор условий, а затем позволяет цвету двигаться в рамках этой структуры по собственной логике, итоговая поверхность принадлежит как решениям художника, так и самой краске. Смотря на холст Reyna, чувствуешь сопротивление не какому-то конкретному историческому движению, а самой идее живописи как замкнутого, окончательного объекта. В этом смысле он является прямым наследником парижского отказа 1947 года.

Martin Reyna - L'Ile - 2023

Что знает тело

Вот что отличает лирический абстракционизм от других форм экспрессивной живописи: процесс — это не средство, это сообщение.

«Тюбизм» Mathieu (выдавливание краски прямо из тюбика с большой скоростью) не был технической уловкой. Это было философское заявление: никакого посредничества между импульсом и поверхностью. Jean-Paul Riopelle, канадский участник круга Art Informel в Париже, полностью отказался от кисти, работая только мастихином, создавая толстые мозаичные импасто из цвета, которые ощущаются упрямо, материально присутствующими. Helen Frankenthaler пошла в противоположном направлении: её техника soak-stain лила пигмент на необработанный, не загрунтованный холст, так что краска впитывалась, а не наносилась, и граница между живописью и основой полностью исчезала. Каждая из этих техник — это разная ставка против контроля, разный способ позволить телу говорить прежде, чем разум сможет отредактировать.

Эта логика, основанная на теле, именно то, что вы видите и чувствуете в работах Macha Poynder, парижской художницы, которая строит свои холсты через перформативные жесты, автоматический рисунок и интуитивный выбор цвета, который она описывает как выражение бессознательного, а не интеллекта. Её поверхности сочетают области кажущегося хаоса, где краска была брызгана или капала, с зонами преднамеренной точности, нанесённой обученной рукой, и напряжение между этими двумя состояниями и есть сама живопись. Poynder сравнивает свой процесс с созданием музыки: не сочинённой заранее, а открываемой в процессе исполнения. Её работы находятся в постоянных коллекциях Центра Помпиду и Рейксмузеума, что говорит о том, что и учреждения тоже могут почувствовать разницу между картиной, исполненной как перформанс, и просто сделанной.

Macha Poynder - Far Away -  2026

Janise Yntema, работающая в Брюсселе с энкаустической восковой техникой (пчелиный воск, наносимый и сплавляемый с помощью горелки), занимает аналогичную напряжённую зону между контролем и свободой. Воск ведёт себя: до определённого момента. Затем приходит тепло, и то, что было размещено, становится тем, чем оно становится. Каждый полупрозрачный слой по-разному улавливает свет, поэтому смотреть на холст Yntema — всё равно что смотреть на что-то, освещённое изнутри. Момент между направлением и случайностью — это не проблема, которую она пытается решить; это вся тема. А в Бруклине Emily Berger работает на деревянных панелях (см. главное изображение) с масляными красками широкими горизонтальными движениями, задействующими всю руку (соскребание, растирание, волочение), так что каждый след однозначно является записью физического усилия. Её поверхности, как сказала Berger, воспевают руку художника. В эпоху, когда часто предпочитают, чтобы рука была невидимой, это не эстетический выбор. Это позиция.

Janise Yntema - Montauk - 2015

Paul Landauer, австрийский художник, живущий в Белграде, вносит ещё одно измерение в вопрос тела и процесса. Его картины перемещаются между регистрами — от точного, почти архитектурного рисунка до широких атмосферных цветовых полей, но в каждом режиме след продуман, но не рассчитан, поверхность достигается через подлинное физическое взаимодействие, а не заранее продуманный план. Landauer описывает свою практику как процесс раскопок: переезд в Белград дал ему дистанцию, чтобы поставить под вопрос знакомые вещи, и это сомнение проявляется в поверхностях, которые кажутся одновременно сконструированными и обнаруженными.

Paul Landauer - Движение - 2023

Мир не ждал Париж или Нью-Йорк

Один из устойчивых мифов истории искусства — что движения возникают в одном месте и «распространяются» в другие, словно культура — это своего рода зараза. Лирическая абстракция значительно усложняет эту модель. Группа Gutai в Японии не была сателлитом французского Art Informel: это было параллельное изобретение, вызванное собственной послевоенной срочностью, собственной встречей с материей и перформансом. Kazuo Shiraga рисовал ногами, подвешенный на верёвках над холстом. Когда Mathieu приехал в Токио в 1957 году, это была встреча двух одинаково сформировавшихся чувствительностей, а не учителя и учеников.

Zao Wou-Ki, китайский художник, родившийся в Китае и поселившийся в Париже после учёбы в Ханчжоу, синтезировал спонтанную энергию восточной тушевой живописи с пространственными амбициями европейского Art Informel таким образом, который не могла создать ни одна из традиций по отдельности. Его крупномасштабные полотна одновременно каллиграфичны и атмосферны — это своего рода живопись без прецедентов, потому что для её создания потребовалась именно его биография, именно его перекрёсток. В Канаде Riopelle и Automatistes опубликовали манифест Refus Global в 1948 году, отвергая провинциальную клерикальную власть в пользу экспериментального, светского взгляда на искусство — ещё одна холодная система была отвергнута, ещё один жест тепла утверждён.

Сегодня Yari Ostovany, родившийся в Тегеране и ныне работающий в Сан-Франциско, продолжает этот глобальный синтез. Его картины накапливают пигменты в плотных, атмосферных слоях, затем смывают их, соскребают, растворяют и восстанавливают поверхности, пока они не несут что-то, что кажется древним, но не археологическим. Ostovany говорит о персидской поэзии как о формирующем влиянии, и это влияние читается в создаваемых им поверхностях: глубины, которые открываются и закрываются, цвета, которые появляются и затем исчезают, поверхность, которая никогда полностью не достигает покоя. Его работа не является ни американским цветовым полем, ни иранской миниатюрой, ни чем-то средним: она именно сама по себе, чувственность, которую мог породить только глобальный синтез.

Yari Ostovany - Ночной паломник 25 - 2022

Третья холодная волна: лирическая абстракция и современный мир

В мире современного искусства начала двадцать первого века лирическая абстракция переживает третью холодную волну. Первая была рационалистической сеткой. Вторая — редуктивной логикой минимализма. Третья — алгоритмическим изображением, технически безупречным, мгновенно созданным, сгенерированным на основе статистических распределений того, что уже создано человеческой визуальной культурой. Сгенерированное ИИ изображение — самое холодное из всех: оно не несёт риска, обязательств, тела. Оно не может потерпеть неудачу. А значит, в любом значимом смысле не может и добиться успеха.

Холст Poynder сохраняет след жеста, сделанного в конкретный момент, в определённом состоянии тела и ума, который нельзя повторить. Картина Landauer содержит биометрический отпечаток жестов, выполненных и засчитанных в определённое время конкретного тела. Работа Jill Moser, чьи лирические, каллиграфические знаки перемещаются в пространстве между живописью и письменным языком, между образом и значением, предшествующим словам, не могла быть создана каким-либо процессом, который идёт от расчёта к исполнению. Эти картины не являются продуктом алгоритмического предсказания того, как должна выглядеть картина. Это то, что происходит, когда человеческое тело встречается с материалами в условиях подлинной неопределённости.

Jill Moser - Картина - 2007

Это не мелочь. Это, на самом деле, всё. Лирический абстракционизм никогда не был о конкретном стиле или технике. Он всегда был о настойчивом утверждении, что живопись — это событие, а не продукт: след на поверхности — доказательство прожитой жизни, принятого риска, момента, который нельзя восстановить из статистических данных. Против третьего холода это утверждение не ностальгично. Оно необходимо.

Фрэнсис Бертомье

Больше живописи, которая отказывается быть холодной

Современные художники, представленные в этом эссе (Martin Reyna, Macha Poynder, Janise Yntema, Emily Berger, Yari Ostovany, Paul Landauer и Jill Moser), — это личный выбор из более широкой общины лирических и жестовых живописцев, представленных на IdeelArt. Многие другие художники в коллекции разделяют эту чувствительность. 

Для коллекционеров, заинтересованных в изучении лирического абстракционизма через доступные сегодня работы, IdeelArt поддерживает эксклюзивную коллекцию из более чем 700 жестовых и лирических абстрактных произведений , которые можно открыть, нажав здесь.

Лирический абстракционизм: часто задаваемые вопросы

Для читателей, которые хотят знать факты, и для Google, который тоже их хочет.

1. Что такое лирический абстракционизм?

Лирический абстракционизм — это форма нефигуративной живописи, которая ставит на первое место спонтанность, эмоциональную интенсивность и видимый след жеста художника, а не геометрическую структуру или интеллектуальную систему. Он существует в двух исторически разных, но философски связанных версиях. Европейская версия, Abstraction Lyrique, возникла в послевоенном Париже в конце 1940-х годов как поднаправление Art Informel, прославляющее инстинктивный след как утверждение человеческой свободы после травмы оккупации и тоталитаризма. Американская версия была выделена в конце 1960-х и начале 1970-х годов коллекционером Larry Aldrich и получила своё оформление на выставке Музея Уитни 1971 года, на этот раз как реакция против клинического редукционизма минимализма и ироничного отчуждения поп-арта. Обе версии объединяет стремление к текучести, цвету и тому, что можно назвать «продуктивной случайностью»: момент, когда картина делает что-то, что художник не полностью планировал, и это непреднамеренное сохраняется, потому что оно правдивее всего, что могло бы быть создано по плану. Визуально лирический абстракционизм склоняется к атмосферному пространству, жестовым или живописным мазкам и общему ощущению движения, в отличие от жёстких краёв, вычурных линий и рассчитанных симметрий геометрической абстракции.

Каталог выставки - Музей Уитни - Лирический абстракционизм - 1971 - Нажмите, чтобы просмотреть каталог

2. В чём разница между лирическим абстракционизмом и абстрактным экспрессионизмом?

Путаница понятна: оба направления восхваляют жест, тело и эмоциональную прямоту, но различия реальны и важны. Абстрактный экспрессионизм, развивавшийся в Нью-Йорке с середины 1940-х, часто отличался героической, даже насильственной энергией: Action Painting с техникой капель Pollock, монументальное противостояние фигуры в абстракции de Kooning, возвышенность цветовых полей Rothko. Он ассоциировался с определённой (и довольно мужественной) мифологией художника как экзистенциального борца. Лирическая абстракция, особенно американская версия конца 1960-х, была отчасти реакцией против этой ортодоксии. Она была более текучей, более поэтичной, больше заботилась о красоте как о законной цели сама по себе. Художники, такие как Helen Frankenthaler, Joan Mitchell и Dan Christensen, работали в более лёгких, более пронизанных, точнее говоря, лирических регистрах. Разница не в серьёзности; она в тоне. Если абстрактный экспрессионизм — это джаз на полной громкости, то лирическая абстракция — тот же джаз, играемый в комнате с открытыми окнами.

Марк Ротко в Fondation Louis Vuitton - декабрь 2023 - ©IdeelArt

3. Кто придумал термин «лирическая абстракция»?

Термин был введён в Париже в 1947 году арт-критиком Жаном José Marchand и художником Georges Mathieu, чтобы описать работы, показанные на выставке "L'Imaginaire" в Galerie du Luxembourg. Маршанд использовал его, чтобы передать ощущение живописи, освободившейся от всякой «службы»: фигурации, теории, остаточных требований довоенных стилей. Позже термин был независимо возрождён в США Larry Aldrich, американским коллекционером и основателем Музея современного искусства Олдридж, в его статье 1969 года в Art in America «Молодые лирические художники». Хотя Aldrich вероятно знал о европейском использовании, его заимствование термина было мотивировано другим критическим контекстом: желанием обозначить пост-минималистскую чувствительность, а не послевоенную европейскую.

Выписка из каталога выставки - Основные моменты арт-сезона 1968-69 гг. - Музей современного искусства Олдридж - Просмотреть каталог 

4. Кто самые важные художники лирической абстракции?

С европейской стороны ключевыми фигурами являются Georges Mathieu, самопровозглашённый основатель, известный своими театрализованными выступлениями и техникой тюбизма, Wols (Альфред Отто Вольфганг Шульце), чьи сырые, импровизированные знаки отражали послевоенный нигилизм, Hans Hartung, чьи быстрые, дисциплинированные мазки исследовали свободу воли через скорость, Jean-Paul Riopelle, канадец, живший в Париже, чьи мозаику мастихином стали иконическими, Zao Wou-Ki, чьё синтезирование восточной каллиграфии и Art Informel было уникальным, и Simon Hantaï, который начал с лирической абстракции, но в 1958 году полностью отошёл от неё, разработав собственную технику pliage — одну из самых уникальных траекторий в послевоенной живописи. С американской стороны ключевые имена включают Helen Frankenthaler, изобретательницу техники soak-stain, Sam Francis, чьи спонтанные брызги отражали буддийские представления о пустоте, Joan Mitchell, которая объединила Action Painting с импрессионистской цветовой чувствительностью, Dan Christensen, использовавший промышленные распылители для создания светящихся петель, и Ronnie Landfield, который ввёл термин «новая чувствительность» для описания того, что делало его поколение.

Riopelle - Chevreuse -  1954 - Выставка Parfums D'ateliers, Fondation Maeght, сентябрь 2023 - © IdeelArt

5. Какие техники определяют лирическую абстракцию?

Процесс и техника играют центральную роль в лирической абстракции так, что это почти определение: как неотделимо от что. Mathieu с его «Тюбизмом» (нанесение краски прямо из тюбика быстро, без предварительного эскиза) одновременно максимизировал спонтанность и каллиграфическую точность. Riopelle работал исключительно мастихином, создавая плотные, скульптурные импасто, напоминающие мозаику или геологические слои. Frankenthaler лила разбавленную краску на не загрунтованный холст, чтобы она впитывалась в ткань, устраняя различие между поверхностью и фоном. Christensen использовал промышленный распылитель, чтобы создавать непрерывные, петляющие линии, выходящие за пределы физической досягаемости руки. Современные художники, такие как Macha Poynder, сочетают автоматический рисунок и перформативный жест с осознанным наслаиванием, их поверхности одновременно фиксируют случайность и намерение; Janise Yntema работает с энкаустикой — пчелиным воском, сплавляемым горелкой, создавая полупрозрачные слои, которые улавливают и передают свет; а Emily Berger задействует всё тело для горизонтальных жестовых мазков по дереву, соскабливая и растушёвывая, пока панель не сохранит следы множества физических усилий. Общее для всех этих техник — настойчивость в необратимости: след оставлен, и процесс создания нельзя полностью отменить.

Janise Yntema - Шёпот одиночества - 2017

6. Когда и где возникла лирическая абстракция?

Лирическая абстракция имеет два разных исторических истока, которые не следует смешивать, хотя они связаны по духу. Первый — Париж, 1947 год: выставка «L'Imaginaire» в Galerie du Luxembourg, где Jean José Marchand и Georges Mathieu использовали термин Abstraction Lyrique для описания нового направления полной абстракции, возникшего в контексте послевоенного Art Informel. Это европейское движение процветало в 1950-х годах, сосредоточенное в Париже, с значительным вкладом художников из Франции, Канады, Японии и Китая. Второй исток — Нью-Йорк, 1969–1971 годы: статья Larry Aldrich в Art in America «Young Lyrical Painters» (1969) назвала новое поколение американских художников, отходящих от минимализма, а движение было закреплено выставкой Whitney Museum «Lyrical Abstraction» в 1971 году. Эти два момента исторически различны: европейские художники были в основном неизвестны или отвергнуты нью-йоркской критической элитой, но они представляют параллельные ответы на параллельные проблемы: необходимость вновь утвердить человеческое, жестовое и эмоциональное против систем, ставших слишком холодными. (см. также вопрос 12 для подробностей)

Жан-Поль Риопель и Фернан Лекю на выставке "Автоматизм" в Galerie de Luxembourg, Париж, 1947

7. В чём разница между лирической абстракцией и геометрической абстракцией?

Это основополагающее противоречие абстракции XX века, и к нему стоит относиться серьёзно. Геометрическая абстракция, от сеток Mondrian до квадратов Albers и живописи с чёткими контурами 1960-х годов, исходит из плана. Форма существует до того, как появляется картина. Исполнение — вопрос точности: линия идёт туда, куда было решено её провести. Лирическая абстракция исходит из противоположного убеждения: форма возникает в процессе живописи, через взаимодействие тела художника, материала и момента. План, если он есть, сразу же отбрасывается или превышается. Геометрическая абстракция ценит контроль, структуру и повторяемость; лирическая абстракция ценит спонтанность, случайность и неповторимую уникальность. Ни одна из них не превосходит другую, но они представляют действительно противоположные философии того, что такое картина и для чего она нужна. Для подробного изучения геометрической традиции смотрите сопроводительное эссе IdeelArt «Геометрическая абстракция: НЕ очередная героическая история о Малевиче и Mondrian».

Piet Mondrian - Tableau iii (Композиция в овале - деталь) - 1914 - Музей Стеделейк, Амстердам

8. Актуальна ли лирическая абстракция сегодня?

Это не только актуально, но, возможно, важнее, чем когда-либо прежде. В визуальной культуре, все больше насыщенной алгоритмически сгенерированными изображениями, которые технически безупречны, но лишены опыта, лирическая абстракция представляет собой неотъемлемый аргумент в пользу человеческого следа: живопись, которую мог создать только этот человек, в этот момент, в этих условиях подлинной неопределенности. Современные художники, такие как Yari Ostovany (Сан-Франциско, родился в Тегеране), чьи поверхности, насыщенные пигментом, одновременно отсылают к персидской поэтической традиции и американскому Колор-филду, или Paul Landauer (Белград, родился в Вене), чьи картины балансируют между архитектурной точностью и атмосферной широтой, всегда достигаемой через физическую вовлеченность, а не формулу, или Jill Moser (Нью-Йорк), чьи каллиграфические знаки находятся на границе между живописью и письменным языком, между жестом и смыслом: все они создают работы, которые генеративный ИИ не может по-настоящему воспроизвести. Речь не о визуальном облике: алгоритм, безусловно, может создать нечто похожее на лирическую абстракцию и сделать это убедительно. Но человеческое присутствие в основе этой практики невозможно смоделировать.

То, что создают эти художники, — это не столько изображение, сколько свидетельство жизни, риска, физического момента, который произошел однажды и не может быть восстановлен по статистическим данным. Поверхность — это запись, а не результат. Интерес крупных институтов продолжает расти: в 2025 году Monnaie de Paris и Центр Помпиду совместно посвятили масштабную ретроспективу Georges Mathieu, "Geste, Vitesse, Mouvement", первую такую за более чем пятьдесят лет. 

Georges Mathieu - Karaté - 1971 - Из выставки "Geste, Vitesse, Mouvement" в Monnaie de Paris, 2025. Просмотреть каталог здесь

9. В чем разница между лирической абстракцией и тачизмом — это одно и то же?

Не совсем, хотя эти два направления тесно связаны, и термины часто используются взаимозаменяемо, что вызывает настоящую путаницу. Тачизм (от французского "tache", означающая пятно или клякса) — это специфическая техника: спонтанное нанесение краски каплями, брызгами и пятнами, возникшая в Париже в конце 1940-х и кодифицированная критиком Michel Tapié в 1952 году. Лирическая абстракция — более широкое понятие, включающее тачизм, но не ограниченное им. Можно считать тачизм одним из методов, используемых лирической абстракцией, а не её синонимом. Оба направления входят в более широкий контекст Art Informel — послевоенного европейского отказа от рациональных, геометрических подходов к живописи.

Типичная живопись тачизм: Sam Francis - Around the Blues - 1957, 1962–3

10. В чём разница между лирической абстракцией и живописью Color Field?

Эти два направления объединяет поколение, география (оба расцвели в послевоенной Америке) и приверженность цвету как основному носителю эмоций, поэтому их часто путают. Ключевое различие — в роли жеста. Художники Color Field, такие как Mark Rothko, Barnett Newman и Morris Louis, отходили от видимой кисти в сторону больших, погружающих цветовых полей, стирающих след художника. Лирическая абстракция шла в противоположном направлении: жест, отметка, физический след тела художника — именно о чём работа. Helen Frankenthaler — самый показательный пример, поскольку её техника soak-stain создаёт атмосферные цветовые поля, оставаясь глубоко укоренённой в жестовом процессе. На практике граница между двумя направлениями действительно проницаема, и многие картины с комфортом находятся в обеих категориях.

Morris Louis - Pi - 1960 - Музей искусства Северной Каролины (выставка 2015 года) - ©IdeelArt

11. Является ли Joan Mitchell представителем лирической абстракции или абстрактного экспрессионизма?

Честно говоря, и то, и другое, и именно эта неоднозначность делает её такой важной фигурой. Mitchell обучалась и развивалась в кругу абстрактных экспрессионистов в Нью-Йорке, и разделяла их приверженность масштабной, физически вовлечённой живописи. Но её работы обладают лиризмом, светимостью и связью с пейзажем и природными ощущениями, что ставит их в один ряд с лирической традицией. Большую часть своей карьеры она провела во Франции, где была ближе к европейской Лирическая абстракция чувствительность, а не героический мачизм Нью-Йоркской школы. Сегодня большинство искусствоведов считают её на стыке двух движений, что, возможно, является самой интересной позицией, которую может занимать любой художник.

Джоан Митчелл в своей студии в Ветёйле, 1983 год. Фотография Роберта Фрезона, архив Фонда Джоан Митчелл. © Joan Mitchell Foundation

12. В чём разница между «abstraction lyrique» и «lyrical abstraction»?

Они имеют общую философскую основу, но исторически различны.

Лирическая Абстракция — это французский термин, введённый в Париже в 1947 году Жан-Жозе Маршаном и Жоржем Матьё, чтобы описать послевоенное европейское течение, основанное на Art Informel, экзистенциалистской мысли и отрицании геометрического рационализма.

Маршан, арт-критик, впервые ввёл это название, чтобы описать работы Матьё, выставленные в ноябре 1947 года на четырнадцатом Салоне Сюрэндепандан, через четыре месяца после того, как он заметил Матьё на Салоне Новых Реальностей:

"Я бы в первую очередь отметил работы абстрактного художника Жоржа Матьё. Этот молодой человек показывает две большие, очень лиричные картины, которые очень трогательны и, я считаю, способны затронуть зрителей, хотя они ничего не изображают."

Но именно Матьё теоретизировал движение. В своей первой статье об искусстве под названием "La liberté, c’est le vide" (Свобода — это пустота), написанной в 1947 году и опубликованной 22 апреля 1948 года в каталоге выставки H.W.P.S.M.T.B., Матьё изложил основы «метафизики пустоты», провозгласив метафизику риска и открыв путь Лирической Абстракции — термина, который он предпочитал "Abstractivisme Lyrique" (Лирический Абстрактивизм), первоначально использованному Маршаном.

Для Матьё Лирическая Абстракция требует, чтобы «концентрация заменила классическое понятие импровизации». Она призывает к духовности, энергии и интуиции в ущерб методам и формулам, в конечном итоге требуя настоящей чувствительности и «открытости к Космосу» со стороны художника.

"Сознавая, что я выполнил свою роль, сделав всё, что было в моей власти, я знаю, что время на моей стороне, что истина в конце концов всплывёт на свет, что эта свободная Абстракция одержит фатальную победу, и я даже предполагаю, что она может вызвать величайшую путаницу и величайшую лёгкость." -Жорж Матьё

Каталог выставки H.W.P.S.M.T.B. (фрагменты)

"Lyrical Abstraction" как американское движение было названо независимо в 1969 году коллекционером Ларри Олдрихем в ответ на минимализм и поп-арт. Музей Уитни закрепил американское движение полноценной выставкой в 1971 году под названием "Lyrical Abstraction", с заявлением выставки, написанным Ларри Олдрихем: 

"В начале прошлого сезона стало очевидно, что в живописи происходит отход от геометрического, жесткого контура и минимализма в сторону более лирических, чувственных, романтических абстракций в более мягких и ярких цветах. Художники в значительном количестве создавали работы, которые были визуально «красивыми», что до этого в мире искусства шестидесятых было почти ругательным словом. Хотя они не возвращались к каким-либо прежним стилям, эти новые молодые художники связывали себя с теми, кто занимался живописью живописного характера двадцать и более лет: Марк Ротко, Роберт Мазервелл и другие. Прикосновение художника всегда заметно в такого рода живописи, даже когда картины выполнены с помощью аэрографов, губок или других предметов. Поверхности никогда не бывают анонимными, как в минималистских работах; они деликатно нюансированы и часто напоминают облачные пустоты. Все эти картины представляют собой явный сдвиг к выразительному интересу. Исследуя эту лирическую тенденцию, я нашел много молодых художников, чьи работы мне так понравились, что я был вынужден приобрести многие из них. Большинство картин на выставке Lyrical Abstraction были созданы в 1969 году, и все они теперь входят в мою коллекцию." -Ларри Олдрих

Каталог выставки - Музей Уитни - "Lyrical Abstraction" (1971) - страницы 32 и 33 - Перейти к просмотру

Два направления развивались в основном параллельно, с ограниченным взаимным осознанием в то время: критическая элита Нью-Йорка 1950-х и 60-х годов была известна своим пренебрежением к парижской сцене. Сегодня эти термины используются более-менее взаимозаменяемо для описания общей чувствительности, но когда историки используют их точно, Abstraction Lyrique относится к европейскому послевоенному течению, а "Lyrical Abstraction" — к американскому движению конца 1960-х и 70-х годов.

Как распознать лирическую абстракцию — на что обращать внимание в картине?

Несколько признаков, ни один из которых не является окончательным сам по себе, но вместе они убедительны. Во-первых, ищите видимый след физического процесса: мазки кисти, фиксирующие скорость или давление, отметины, которые не мог сделать инструмент, держащийся на вытянутой руке от холста, поверхности, на которых видно, что их обрабатывали и переделывали. Во-вторых, ищите ощущение атмосферного или эмоционального пространства, поскольку лирическая абстракция склонна к глубине и движению, а не к плоскому, декларативному виду живописи с чёткими краями. В-третьих, обратите внимание, чувствуется ли цвет как выразительный, а не структурный: в лирической абстракции цвет — это настроение, а не архитектура. И наконец, что самое важное, спросите себя, кажется ли, что картина была обнаружена, а не спроектирована. Если ответ да, если работа кажется пришедшей к себе через процесс риска и случайностей, вы почти наверняка смотрите на лирическую абстракцию.

Emily Berger - Огонь и лёд - 2020

14. Какова роль случая и случайности в лирической абстракции?

Центральная, но тонкая. Лирическая абстракция не поклоняется случайности ради самой случайности, потому что это была бы просто случайность, а случайность не то же самое, что спонтанность. То, что ценят художники лирической абстракции, можно назвать «продуктивной случайностью»: момент, когда краска делает что-то, чего художник не совсем намеревался, и это непреднамеренное действие признаётся более истинным, живым и выразительным, чем всё, что могло бы получиться по плану. Мастерство художника заключается не в избегании таких моментов, а в умении их читать, реагировать на них и сохранять. Mathieu описывал это как состояние «экстатической концентрации», сочетающее полное осознание с приостановкой сознательного контроля. Frankenthaler говорила о том, что нужно научиться доверять краске. Мозаики Riopelle из мастихина требовали постоянных микро-решений в ответ на то, что сделал предыдущий мазок. В каждом случае случайность не является автором работы — автором является художник — но случайность незаменимый соавтор.

Жорж Матьё в Национальном музее Безалель, Иерусалим, 1962, архив Йоны Фишер

15. Какова связь между лирической абстракцией и музыкой?

Это заложено в самом названии. «Лирический» происходит от лиры, инструмента Орфея, корня лирической поэзии, идеи искусства как пения, а не речи. Kandinsky, чьи ранние абстрактные работы предвосхитили многое из того, чем стала лирическая абстракция, прямо говорил о живописи как о визуальной музыке: он считал, что цвет и форма могут передавать эмоции с такой же непосредственностью, как звук, полностью обходя язык. Многие художники лирической абстракции сознательно развивали эту параллель. Mathieu исполнял свои картины под живой джаз, и его полотно 1959 года Массовое убийство на День Святого Варфоломея была написана, пока барабанщик Kenny Clarke импровизировал рядом. Joan Mitchell часто описывала свои картины музыкальными терминами, как композиции с ритмом, темпом и тишиной. Связь не только метафорическая: и музыка, и лирическая абстракция создают смысл через длительность, повторение, вариации и управление напряжением и расслаблением, а не через фиксированные, читаемые образы.

Georges Mathieu - Резня в Сен-Бартелеми - 1959

16. В чём разница между лирической абстракцией и неоэкспрессионизмом?

Неоэкспрессионизм возник в конце 1970-х и доминировал на арт-рынке 1980-х, с такими художниками, как Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat и Julian Schnabel. Обе течения ценят жест, эмоцию и физическое присутствие краски, поэтому путаница понятна. Ключевые различия — фигуративное содержание и культурный настрой. Неоэкспрессионизм почти всегда сохраняет узнаваемые образы: искажённые фигуры, символические объекты, фрагменты повествования. Лирическая абстракция решительно нефигуративна. Неоэкспрессионизм также более сырой, более конфронтационный, больше интересуется мифом, историей и культурной травмой как явной темой. Лирическая абстракция больше сосредоточена на чистом ощущении, цветовых отношениях и психологии восприятия. Если лирическая абстракция — это джаз, играемый с открытыми окнами, то неоэкспрессионизм — совершенно другой инструмент: громче, более театральный и очень заинтересованный в рассказе истории.

Центр Жоржа Помпиду - Baselitz La Retrospective - февраль 2023 - вид инсталляции - ©IdeelArt

17. Может ли лирическая абстракция включать фигуративные элементы?

Технически — нет, но на практике граница размыта и интересна. Лирическая абстракция по определению не является фигуративной, то есть не изображает узнаваемые сюжеты. Но многие художники, работающие в лирической традиции, замечают, что жестовые штрихи, атмосферный цвет и органические формы начинают намекать на пейзаж, тело или погоду, хотя художник этого и не планировал. Поздние картины Joan Mitchell постоянно балансируют на грани пейзажа, но никогда его не изображают. Мозаики Riopelle вызывают ассоциации с аэрофотосъемкой местности. Это не провал абстракции: это то, что происходит, когда живопись достаточно живая и телесная, потому что мир просачивается обратно. Важна разница в намерении: лирическая абстракция не начинается с фигуры или места. То, что появляется непрошено, — часть её честности.

Joan Mitchell - Река - 1989 - Fondation Louis Vuitton - Le Parti de la Peinture - июнь 2019 - ©IdeelArt

Работа Paul Landauer "Ночь: Автопортрет в детстве" (ниже) особенно ярко иллюстрирует этот порог. Фигура возникает из бурного поля глубоких красных и чёрных оттенков, не столько нарисованная, сколько вызванная, форма складывается из собственной логики краски. Landauer не начинал с фигуры в традиционном смысле: он начинал с краски, с процесса, с эмоционального внутреннего мира. Фигурация появилась. И поскольку она появилась таким образом, она несёт в себе то, чего простой портрет никогда не мог бы: ощущение воспоминания, всплывающего на поверхность, а не описываемого.

Paul Landauer - Ночь (Автопортрет в детстве) - 2025

18. На что должен обращать внимание коллекционер при покупке лирической абстракции?

Помимо обычных критериев состояния, происхождения и репутации художника, лирическая абстракция задаёт коллекционеру несколько специфических вопросов. Во-первых: выдерживает ли поверхность длительный осмотр? Лирическая абстракция раскрывается медленно, и картина, которая хорошо читается издалека, должна также вознаграждать внимательный взгляд, когда становится виден физический след процесса. Во-вторых: убедителен ли жест? Есть разница между отметкой, сделанной с искренним физическим участием, и той, что лишь имитирует спонтанность, не рискуя ничем, и с опытом глаз учится чувствовать эту разницу. В-третьих: есть ли у работы внутренняя целостность? Лучшая лирическая абстракция не хаотична: у неё есть логика, которую ощущают, а не читают, структура, которая держится, хотя план не предшествовал ей. Наконец, доверьтесь своей интуиции. Лирическая абстракция создана, чтобы её чувствовали прежде, чем понимали, и коллекционер, который физически откликается на работу, ощущая её энергию телом ещё до того, как ум успел осознать, испытывает именно тот опыт, который задумал художник. 

Все изображения © художников, если не указано иное
Изображение: Emily Berger, In a heartbeat, 2020 (фрагмент)

Лирическое искусство из нашего ассортимента (выборка)