Статья: Синтетический кубизм объяснен - Плоскости, формы и точки зрения
Синтетический кубизм объяснен - Плоскости, формы и точки зрения
Пабло Пикассо, отец кубизма, был известен своим стремлением к развитию. После изобретения аналитического кубизма в 1907 году он вполне мог просто десятилетиями писать в этом стиле и всё равно разбогатеть и прославиться. Но вместо этого он продолжал экспериментировать, помогая в 1911 году создать направление, известное как синтетический кубизм, добавив к аналитическому кубизму расширенную цветовую палитру, новые текстуры, более простые формы, новые материалы и упростив использование точки зрения и плоскости. С момента своего возникновения и примерно до 1920 года синтетический кубизм считался вершиной авангарда. Он расширил диапазон способов, с помощью которых художники могли исследовать реальность, и способствовал возникновению дадаизма, сюрреализма и даже поп-арта.
Синтетический кубизм за 200 слов
Синтетический кубизм возник как отход от этих самых техник в попытке создать нечто ещё более реальное. Пикассо, Брак и художник Хуан Грис вновь добавили в свои работы яркий диапазон цветов, вернули глубину и сократили количество одновременных перспектив и планов в изображениях. Самое главное: чтобы придать своим картинам ощущение максимальной реальности, они начали добавлять в работы бумагу, ткань, газетные вырезки, текст и даже песок и грязь, стремясь полностью передать сущность изображаемого предмета.
Пабло Пикассо - Натюрморт с плетёным стулом, 1912, масло на клеёнке, наклеенной на холст и обрамлённой верёвкой
Национальный музей Пикассо, Париж, © Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк
Новые материалы и техники
В 1912 году Пикассо создал произведение искусства, которое считается первым примером коллажа и определяющим примером синтетического кубизма: «Натюрморт с плетёным стулом». Это кубистское изображение столика в кафе с различными продуктами, газетой и напитком. Помимо традиционных материалов, Пикассо добавил на поверхность картины фрагмент плетения сиденья стула, которое обычно использовалось на стульях в кафе. Это, на первый взгляд, незначительное дополнение имело огромные последствия для современного искусства. Вместо того чтобы рисовать стул, на картину действительно поместили часть стула. Вместо того чтобы показывать предмет с нескольких точек зрения, чтобы он казался реальным, Пикассо просто поместил настоящий предмет или, по крайней мере, его часть непосредственно на картину.
Пикассо также добавил в эту работу текст, написав буквы «JOU» на части поверхности. Это слово «Jou» буквально можно перевести с французского как «игра», что укрепило представление многих людей о том, что Пикассо стремился вернуть синтетическому кубизму легкомысленность после академической серьезности аналитического кубизма. Однако «JOU» вполне могло быть задумано и как начало французского слова journal, обозначающего ежедневную газету, то есть отсылку к фрагменту газеты, видимому на картине.
Хотя, добавив к своей работе фрагмент плетения стула, он сделал это первым, Пикассо не был первым кубистом, включившим текст в картину. В 1911 году Жорж Брак создал работу под названием Португалец, которая стала первым кубистским произведением с буквами. И в первом коллаже Пикассо, и в первой текстовой работе Брака заметен отход от серьезного и чрезмерно сложного характера некоторых их поздних произведений аналитического кубизма. В этих произведениях есть причудливая простота образов. Перспективы упрощаются, а изображения становятся почти игривыми, напоминая антропоморфные образы в рекламных иллюстрациях.
Жорж Брак - Португалец, 1911, холст, масло, Национальный музей Пикассо, Париж
© Общество защиты прав художников (ARS), Нью-Йорк
В 1912 году Брак еще как минимум дважды проложил новый путь. В том году он стал первым художником-кубистом, добавившим песок в картину для придания работе фактуры и глубины, а также первым, кто применил технику, известную как papier collés, то есть наклеивание вырезанных фрагментов бумаги на поверхность. Оба этих приема были использованы в его работе «Фруктовая ваза и стакан». В этой картине он приклеил вырезанные фрагменты обоев непосредственно к поверхности, а затем затенил их краской с добавлением песка, придав изображению глубину и фактуру.
Брак также включил в эту работу текст, использовав четко очерченные и легко читаемые слова «Ale» и «Bar». Эти слова бросают вызов границам, разделяющим рекламные образы и так называемое высокое искусство. Сочетание всех трех этих приемов впоследствии окажет значительное влияние на дадаистов, которые активно использовали коллаж и текст, чтобы запутывать и затемнять очевидные смыслы своих произведений и бросать вызов буржуазным представлениям об искусстве.
Жорж Брак - Фруктовая ваза и стакан, 1912, 62.9 × 45.7 см
© Общество защиты прав художников (ARS), Нью-Йорк
Плоскости, формы, ракурсы и цвета
Художником, наиболее ответственным за привнесение ярких цветов в синтетический кубизм, был испанский художник-кубист Хуан Грис. Грис также использовал значительно упрощённый визуальный язык, превосходно демонстрирующий сокращённое число ракурсов и упрощённое использование форм и плоскостей, определяющее синтетический кубизм. В работе Гриса «Газета и фруктовница» мы видим все эти элементы в действии. В этой же картине можно увидеть многие причины, по которым синтетический кубизм часто считают предшественником поп-арта.
Дело не только в том, что синтетические кубисты играли с представлениями о размывании границы между низким и высоким искусством, а также между искусством и рекламой. Эта картина также удивительным образом вызывает ассоциации с точками Бен-Дея Роя Лихтенштейна и выглядит почти идентичным предвосхищением повторения, размещения изображения и цветовой палитры картины «Баффало II» Роберта Раушенберга.
Роберт Раушенберг - «Баффало II», 1964, масло и трафаретная краска на холсте.
© Фонд Роберта Раушенберга / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк
В более ранних картинах аналитического кубизма использовалось так много разных точек зрения, что сложность изображений становилась почти неразрешимой. Их сюжеты казались абстрагированными до такой степени, что их невозможно было узнать: каждая точка зрения представлялась отдельными геометрическими формами на отдельной плоскости, и каждая плоскость, казалось, располагалась поверх других, а затем снова уплощалась. Геометрические формы, использованные в картинах аналитического кубизма, временами казались почти прозрачными. Они были написаны так, чтобы передавать скорость, вибрацию и движение. Они представляли разное время суток, разное освещение и разные точки зрения.
Хуан Грис - «Газета и фруктовница», 1916, масло на холсте
Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк
Возвращая яркую цветовую палитру в кубистические картины, Хуан Грис придал этому направлению игривость и воодушевление, которых не хватало ранним кубистическим работам. А упрощённый визуальный язык Гриса показывал, что кубизм может достигать своих целей прямолинейным, упрощённым и эстетически привлекательным способом. В картине Гриса «Скрипка» он использует минимально возможное число ракурсов, форм и плоскостей, чтобы работа всё ещё считалась кубистической. В результате изображение кажется скорее примером намёка на кубизм, чем его строгим определением.
Хуан Грис - Скрипка, 1916, Масло на трёхслойной панели
Художественный музей Базеля
Синтетический: ещё одно слово для обозначения подделки?
Добавляя в свои картины надписи и фрагменты повседневных предметов, Пикассо, Брак и Грис стремились установить связь с расширенным ощущением реальности изображаемых предметов. Но, добавляя эти искусственные элементы в свои произведения, они также создавали нечто явно нереальное и не похожее ни на одну из предшествовавших кубистских работ. Иногда они даже писали формы, напоминавшие коллаж, смешивая имитированные элементы коллажа с настоящими элементами коллажа в одной и той же работе. Этот новый стиль назвали синтетическим кубизмом именно по этой причине: из-за искусственного характера использовавшихся техник в сравнении с серьёзностью предшествовавших кубистских произведений.
Синтетический кубизм был более символичным, чем аналитический кубизм. Он не стремился достичь обострённого восприятия четырёхмерной реальности. Скорее, он стремился намекнуть на реальность, но в искажённой форме. Это было преобразование, внёсшее огромный вклад в теории и исследования, связанные с сюрреализмом.
Синтетический кубизм также бросил вызов различиям между живописью и скульптурой. Вместо того чтобы разбивать изображение на части, а затем собирать его заново с учётом множества различных точек зрения, синтетический кубизм собирал изображение, формируя его на плоской поверхности и превращая в многослойный объект, подобный трёхмерному объекту, покоящемуся на двумерной поверхности. Во всех этих отношениях синтетический кубизм добивался своих достижений посредством ясного и намеренного парадокса: создавая всё более искусственные произведения, художники достигали чего-то всё более реального.
Цвет, коллаж и сконструированное пространство в современном искусстве
Синтетический кубизм также предлагает способ взглянуть на современную абстракцию. Картина не обязана изображать гитару или столик в кафе, чтобы поднимать вопросы о собранных формах, перекрывающихся планах и взаимосвязи между изображением и его поверхностью. Следующие художники по-разному подходят к этим вопросам. Их произведения не являются примерами исторического синтетического кубизма, но позволяют сравнить их эксперименты с конструкцией и цветом.
Jeremy Annear: Наслоенные планы и живописное пространство
Jeremy Annear строит свои картины из слоёв форм, цвета и краски; его работы имеют признанное родство с произведениями Брака и Пикассо, а также художников Сент-Айва. В «Metrographic II No.8» наклонная белая плоскость прерывает землистое поле, тогда как чёрные каркасы, красные изгибы и фактурные участки создают конкурирующие пространственные отношения. Взгляд перемещается между кажущейся прочностью форм и открытостью нарисованных линий. Для зрителя, которого привлекает взаимодействие поверхности и структуры у Брака, это предлагает современную точку сравнения, не воспроизводя кубистские сюжеты.
Dana Gordon: цветовые формы внутри единого целого
Калейдоскопические композиции Dana Gordon описывали в связи с орфическим кубизмом — это отдельное сопоставление, а не синоним синтетического кубизма. Его работы предлагают ещё один путь к удовольствию от цвета и сконструированной формы, о котором здесь идёт речь. В «New Space» однотонные цветные квадраты расставлены в плотной сетке из нарисованных спиральных мотивов. Эти более спокойные блоки словно парят над оживлённой поверхностью, создавая напряжение между отдельными формами и композицией в целом. Gordon воспринимает соседствующие формы и группы как маленькие картины внутри большой картины — идея, которая вознаграждает как внимательное рассматривание, так и взгляд с расстояния.
Anne Katrine Senstad: коллаж из отсканированных цветных негативов
В «Cosmosis Collages» Anne Katrine Senstad конструкция приобретает фотографическую форму. Как объясняет художница, исходные негативы были отсканированы, а затем объединены в коллаж, а не сфотографированы. Они происходят из её ранних фотографических работ с абстрактными цветовыми полями «The Pink Project» (2004–2007). В «Composition no 2C4 Blue» тонкие розовые, персиковые и жёлтые полосы пересекают тёмно-синее поле, а полупрозрачные прямоугольные плоскости создают ощущение слоёв под поверхностью. Пространственные отношения в композиции определяются цветом и расположением, а не изображённым объектом. В отличие от наклеенной бумаги Брака, эти элементы собраны с помощью сканированного фотографического процесса. Благодаря задокументированным супрематистским и конструктивистским источникам вдохновения серия представляет современное сопоставление с возможностью коллажа создавать изображение через отношения между отдельными элементами.
Коллекционирование современного абстрактного искусства: материалы, цена и контекст
Для человека, рассматривающего приобретение, такие сравнения могут помочь лучше понять свой вкус. Привлекает ли вас фактурная поверхность, ритмичное расположение цветов или иллюзия перекрывающихся плоскостей? Определить это предпочтение полезнее, чем искать современную работу лишь потому, что она напоминает знаменитую историческую картину.
На что следует обратить внимание перед покупкой?
Начните с конкретного произведения: его материалов, размеров, состояния и документации. Узнайте, какое место оно занимает в более широкой практике художника, и изучите историю выставок и сведения о коллекциях, подтверждающие его представление. Для многослойных картин или произведений в смешанной технике запросите фотографии поверхности крупным планом и информацию о её структуре. Для фотографического тиража, такого как выбранная работа Senstad из серии Cosmosis, представленного тиражом в шесть экземпляров и двумя авторскими оттисками, уточните параметры тиража, характеристики печати и сопроводительную документацию. Фотографический коллаж и уникальная картина могут иметь общие визуальные идеи, оставаясь при этом совершенно разными объектами владения.
Как следует оценивать цену и рыночную стоимость?
Историческое значение, визуальное сходство и рыночная стоимость - это разные вопросы. Связь современного художника с идеями кубизма не помещает его работы на тот же рынок, что оригиналы Пикассо, Брака или Гриса. Сравнивая цены, ищите действительно сопоставимые работы того же художника, учитывая технику, масштаб, дату создания и уникальность или тиражность произведения. Заявленная цена не равна фактической цене продажи, а ограниченный тираж сам по себе не определяет будущий спрос. История выставок и признание критиков дают контекст, но не гарантируют роста стоимости или лёгкой перепродажи.
Что включает жизнь с произведением искусства?
При покупке учитывайте стоимость оформления, доставки, страхования и возможной специализированной установки. Запросите рекомендации по уходу, соответствующие материалам, особенно для фотографических поверхностей и многослойных конструкций, а также подумайте об освещении и пространстве, где будет представлена работа. Самая ценная связь с историей искусства в конечном счёте может оказаться личной: понять, почему произведение удерживает ваше внимание, и обнаружить, как его цвет, структура и поверхность продолжают меняться при неоднократном рассматривании.
Изображение вверху: Pablo Picasso - «Три музыканта», 1921 (фрагмент), ©Artists Rights Society (ARS), New York
Все изображения используются исключительно в иллюстративных целях
Автор: Phillip Barcio (2016)
Под редакцией IdeelArt (2026)
Сопутствующие произведения искусства
