Вспоминая великого Роберта Раймана

Американский художник Роберт Райман скончался в возрасте 88 лет. Его смерть была объявлена в заявлении его галереи. Самоучка, Райман создал обширное наследие, которое интриговало, радовало и озадачивало зрителей более 50 лет. Подавляющее большинство его картин было в основном белым. Однако Райман всегда подчеркивал, что они не предназначались для того, чтобы быть "белыми картинами". Скорее, он описывал их как картины, в которых цвет белый использовался как способ сделать видимыми другие вещи. Он не пытался раскрыть вещи сам. У него не было социальной, политической или интеллектуальной повестки. Скорее, он создавал ситуации, в которых картины могли бы раскрыть себя. Белый, как он считал, был более откровенным, чем другие цвета. Он сравнивал эффект с разливанием кофе на белую рубашку. "Вы можете очень четко увидеть кофе," - сказал он. "Если вы разольете его на темную рубашку, вы не увидите его так хорошо." Что касается вопроса о том, какие вещи были раскрыты белизной в его картинах, Райман щедро оставлял это на усмотрение зрителей. Он сказал: "Что такое живопись, это именно то, что видят люди." На протяжении десятилетий люди сообщали о том, что видят всевозможные вещи и не-вещи в его картинах. Некоторые говорят, что видят ватные шарики или облачные формации. Другие сообщают о том, что видят концептуальные выражения технических процессов живописи. Многие описывали то, что они видят, как абстрактное. Однако Райман не считал себя абстрактным художником. Он считал свои картины самоотсылающими объектами. "Нет никакой символики или истории, которую мне нужно рассказать," - сказал он. Его тихое настойчивое утверждение по этому поводу сделало его идеальным послом вечной актуальности живописи. Создавая сотни красивых картин, почти не отклоняясь от использования одного цвета, Райман неоспоримо доказал, что бесконечное разнообразие картин все еще ждет своего создания.

Картины, а не фотографии

Роберт Райман родился в Нэшвилле, штат Теннесси, в 1930 году. После окончания колледжа он служил в армии США музыкантом, играя в резервном армейском оркестре во время Корейской войны. Когда он переехал в Нью-Йорк в 1953 году, он сделал это с намерением стать джазовым музыкантом, а не художником. Он никогда даже не посещал художественные курсы. Его главная амбиция заключалась в том, чтобы найти работу в городе с минимальной ответственностью, чтобы он мог полностью сосредоточиться на своей творческой жизни. Райман принял должность охранника в Музее современного искусства. Именно там он увидел свои первые картины. Сначала он не осознавал, что то, на что он смотрел, были картины. Он воспринимал вещи, висящие на стенах музея, как изображения. Он видел их поверхности и материалы как второстепенные по отношению к содержанию, которое эти изображения должны были передать.

Роберт Райман - Прислужник, 1984. Масло на стекловолокне с алюминием, болтами и винтами. 51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131.8 x 119.4 x 5.4 см). Anne и Сид Бас Фонд. Коллекция Музея современного искусства. © 2019 Роберт Райман

Его мнение изменилось в тот первый раз, когда он увидел картину Марка Ротко. Рейман сказал: "Я никогда не видел картину таким образом. Я все время смотрел на изображения, и вот здесь было нечто с совершенно другим ощущением." Ротко не воспринимал свои картины как изображения. Он считал их трансцендентными воротами. Он намеревался, чтобы поверхность, краска, цвета, текстуры, свет и физическое окружение картины были частью одного и того же опыта. Он хотел, чтобы зрители не смотрели "на" картины, а погружались в их восприятие. Через созерцание своих картин Ротко надеялся, что зрители войдут в созерцательное состояние — это и было истинной целью его работы. "Я не знал, что он делает," — сказал Рейман. Но Рейман, по крайней мере, с того момента осознал основное различие между картинами и изображениями. Вдохновленный этим откровением, он направился в хозяйственный магазин и впервые в своей жизни купил краски и поверхность для рисования.

Роберт Райман - Мост, 1980. Масло и ржавчинеустойчивая краска на холсте с четырьмя окрашенными металлическими креплениями и квадратными болтами. 75 1/2 x 72 дюйма. (191.7 x 182.8 см). Конрад Фишер, Дюссельдорф, Томас Амманн, Цюрих, Приобретено у вышеупомянутого текущим владельцем. © 2019 Роберт Райман

Никогда не останавливайтесь на экспериментах

Никогда не участвуя в академическом художественном мире, Райман не был обременен никакими предвзятостями, которые могли бы поставить под сомнение его понимание того, как создать картину. Он открыл себя для каждой возможности и позволил себе удовольствие просто наслаждаться процессом нанесения краски на поверхности. Он увлекался ощущением своих различных инструментов, тем, как они взаимодействовали с различными материалами, и тем, как эти материалы преобразовывали различные поверхности. Его первые картины были почти монохромными — в основном зелеными или оранжевыми. Но доминирующий цвет был не единственным цветом. "Без названия (Оранжевая картина)" (1959) испещрена желтыми, красными, зелеными и синими пятнами. Оранжевый может быть первым, что видит зритель, но вскоре после этого глаз, а затем и ум, привлекаются к противоречиям в работе.

Роберт Райман - Без названия (Оранжевая картина), 1955 и 1959. Масло на холсте. 28 1/8 x 28 1/8" (71.4 x 71.4 см). Доля и обещанный подарок Джо Карол и Рональда С. Лаудера в честь Дэвида Рокфеллера в его 100-й день рождения. Коллекция Музея современного искусства. © 2019 Роберт Райман

Эти противоречия в конечном итоге привлекли Раймана к цвету белого, потому что он обеспечивал такие резкие контрасты. Тем не менее, несмотря на то, что он так сильно полагался на белый цвет, Райман никогда не терял чувство эксперимента, которое информировало его самые ранние работы. Он был живым доказательством идеи о том, что ограничения порождают креативность. Он придерживался белого, но использовал десятки материалов. Он придерживался квадратного формата, но варьировал размер, от картин размером всего в несколько дюймов до одной, которая по сути является квадратной стеной. Он находил разнообразие в типах поверхностей, на которых он рисовал, и экспериментировал с тем, как его картины были прикреплены к стенам. Единственное, что он не менял, это обстоятельства, в которых его картины выставлялись. Для того чтобы его картины функционировали должным образом, он считал, что их нужно выставлять на стенах чистых галерей с белыми стенами и стандартным освещением. Его традиционализм в выставках основывался на его убеждении, что каждая картина имеет что-то свое, что она хочет выразить. "Картина нуждается в определенной благоговейной атмосфере, чтобы быть завершенной," однажды сказал Райман Art21. "Она должна находиться в ситуации, чтобы она могла раскрыться."

Изображение: Роберт Райман - Без названия, 1965. Эмаль на бристольной бумаге. 7 3/4 x 8 1/8" (19.7 x 20.6 см). Коллекция Музея современного искусства. © 2019 Роберт Райман
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio