Почему картины в сетке Стэнли Уитни важны

Недавние картины американского абстрактного художника Стэнли Уитни обладают отчетливой сетчатой структурой. Это архитектурные слои цветов, напоминающие нео-пластические телевизионные цветовые полосы. Его недавние рисунки еще более явно показывают его увлечение сеткой, представляя собой простые композиции из толстых черных линий, напоминающих примитивную шашечную доску или рыболовную сеть. Но Уитни не всегда был художником сетки. К сетке он пришел спустя десятилетия. На самом деле, просматривая его работы за последние пятьдесят лет, невозможно не увидеть в них своего рода прогрессивный рассказ, который вышел далеко за пределы своих истоков и стал одновременно проще и глубже. Это иронично, потому что Уитни однажды сказал в подкасте Modern Art News, что причиной, по которой он выбрал абстрактный визуальный язык, было то, что «я на самом деле не хотел быть рассказчиком». Но его эстетическая эволюция все же рассказывает историю. Это не типичный героический рассказ с началом, серединой и концом. Скорее это хроника или серия новостных сводок с передовой продолжающейся битвы. Эта битва, которую Стэнли Уитни ведет с тех пор, как еще не начал заниматься абстракцией в конце 1960-х, — это борьба с материалами живописи и рисунка и их ролью в выражении цвета и пространства.

Яркая юность

Неудивительно, что Стэнли Уитни стал известен своим исследованием цвета. Сейчас, будучи в семидесятых годах, он рассказывает трогательную историю о том, как в десять лет впервые пришел на урок живописи в соседнюю школу в своем родном городе Брин-Мор, Пенсильвания. Учитель попросил детей нарисовать автопортреты. Пока другие ученики пытались запечатлеть свои реалистичные образы, Уитни больше привлекал цвет, а не изображаемый предмет.

Вместо того чтобы смешивать палитру, соответствующую его внешности, он создал автопортрет, включив в него все цвета, которые только смог придумать. Уитни говорит, что учителю понравилась картина, но родители не поняли ее. Они больше не отправляли его на уроки. Но это не остановило Уитни в его стремлении к возможностям живописи и цвета. На самом деле можно сказать, что с того дня, когда он был десять лет и впервые пришел на урок живописи, Стэнли Уитни оставался предан поиску идеального способа сделать цвет своим предметом.

Стэнли Уитни - «Шампанское и лев», 2010, фото предоставлены Galerie Nordenhake

Поиск пространства

Помимо увлечения цветом, в юности Стэнли Уитни также тянуло к процессу рисования. Его черно-белые рисунки сначала казались не связанными с любовью к цвету, но между ними была тонкая связь, которую он осознал лишь спустя много лет. Эта связь связана с пространством. Создавая черно-белые рисунки, он обнаружил, что распределение пространства может происходить бесчисленными способами, поскольку линии выстраивают свои отношения с белым пространством композиции. Однако, став более опытным в живописи, он был озадачен тем, как добиться такого же взаимодействия пространства с цветом.

В его ранних фигуративных работах цвета кажутся тесными и удушающими. В первых шагах в абстракции, которые были вариациями на тему живописи цветового поля с добавлением жестовых отметок, цвета казались слишком свободными. Он говорил: «Я хочу много воздуха в работе. Я хочу много пространства в работе». Но он, казалось, застрял в вопросе, как создать воздушность поверх пространства холста. Его озарение пришло в 1970-х во время поездки по Средиземноморью. Посетив Египет и Рим, он увидел ответ в архитектуре и свете. Древняя архитектура выражала структуру, контроль и демократический потенциал сложенных элементов. Средиземноморские тени и свет показали ему, что цвет и свет — одно и то же, и что холодные и теплые цвета, как и холодный и теплый свет, выражают пространство. Это разгадало тайну живописи, и, как он говорит, «воздух и пространство могут быть в цвете, а не цвет на пространстве».

Стэнли Уитни - Без названия, 2013, графит на бумаге, фото предоставлены Galerie Nordenhake

Методичный процесс

«Это было началом того, что все стало складываться,» — говорит Уитни. С тех пор он медленно развивался в сторону сетчатых картин, которые создает сегодня. Он исследовал использование жестов, похожих на граффити, чтобы определить, как цвет может выражаться линией, подобно работам Мондриана. Он изучал разные подходы к сетке — от сложенных форм до рядов точек и полос цветов. Он знал, что хочет иметь скелетную основу, чтобы равномерно удерживать цвета, но при этом не хотел, чтобы правила сетки заставляли его работы двигаться в определенном направлении. Он хотел найти идеальное сочетание структуры и свободы, как в джазе.

Стэнли Уитни - «Пышная жизнь», 2014, масло на льняном холсте, фото предоставлены Galerie Nordenhake

Зрелые сетчатые работы Стэнли Уитни сегодня чисты и устойчивы. Сначала они даже кажутся лишенными той грубости и тревоги, которые делали его ранние работы такими живыми. Но при более внимательном рассмотрении видны живописные следы человеческой руки, а сложность композиций раскрывает глубину борьбы Уитни с его загадкой. Он нашел способ сделать цвет своим предметом. Он открыл секрет, что цвет и свет — одно и то же, и оба являются проявлениями пространства. И через эти открытия он создал богатое и несомненно наполненное смыслом собрание работ. Но несмотря на свои открытия, он остается на острие бритвы, никогда не раскрывая, а возможно, и не зная или не желая знать, что именно означает этот смысл.

Стэнли Уитни - «Манхэттен», 2015, масло на холсте, фото предоставлены Galerie Nordenhake

Изображение на обложке: Стэнли Уитни - Без названия, 2016, масло на льняном холсте, фото предоставлены Galerie Nordenhake
Все изображения © художник и Galerie Nordenhake;
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Филлип Барцио