Почему картины в сетке Стэнли Уитни важны

Недавние картины американского абстрактного художника Стэнли Уитни имеют отчетливое качество сетки. Это архитектурные стопки цветов, вызывающие ассоциации с цветными полосами телевидения нео-пластицизма. А его недавние рисунки еще более обнажают его притяжение к сетке, состоящие из простых композиций толстых черных линий, напоминающих примитивную шахматную доску или рыболовную сеть. Но Уитни не всегда был художником сетки. Сетка была тем, к чему ему потребовались десятилетия, чтобы притянуться. На самом деле, рассматривая последние пять десятилетий его картин, невозможно не привязать к работе своего рода прогрессивный нарратив, который значительно вышел за пределы своих истоков и стал как более простым, так и более глубоким на этом пути. Это иронично, потому что Уитни однажды сказал в подкасте Modern Art News, что причина, по которой он принял абстрактный визуальный язык, заключалась в том, что "Я на самом деле не хотел быть рассказчиком". Но его эстетическая эволюция действительно рассказывает историю. Это не типичная история с героическим началом-серединой-концом. Скорее, это похоже на хронологию или серию новостных репортажей с передовой линии продолжающейся битвы. Эта битва, которую Стэнли Уитни ведет с тех пор, как он даже начал заниматься абстракцией в конце 1960-х, ведется с средствами живописи и рисования и их ролью в выражении цвета и пространства.

Красочная молодежь

Неудивительно, что Стэнли Уитни стал известен благодаря своему исследованию цвета. Теперь, когда ему за 70, он рассказывает прекрасную историю о том, как в десять лет посещал свой первый класс живописи в местной школе в своем родном городе Брин-Мор, штат Пенсильвания. Учительница поручила детям в классе нарисовать автопортреты. В то время как другие ученики пытались запечатлеть свои различные реалистичные образы, Уитни больше тянуло к цвету, чем к предметному содержанию.

Вместо того чтобы пытаться смешать цветовую палитру, соответствующую его реальному облику, он создал автопортрет, который включал каждый цвет, который он мог придумать. Уитни говорит, что учителю понравилась картина, но его родители не поняли ее. Они никогда не отправляли его обратно в класс. Но это не остановило Уитни от увлечения возможностями живописи и цвета. На самом деле, не будет преувеличением сказать, что с тех пор, как он в десять лет впервые пришел на урок живописи, Стэнли Уитни остался преданным поиску идеального способа сделать цвет своим предметом.

Стэнли Уитни - Шампанское и Лев, 2010, фото предоставлено Галереей Норденхаке

Нахождение пространства

Помимо его увлечения цветом, Стэнли Уитни также в юности увлекался процессом рисования. Его черно-белые рисунки сначала казались не связанными с его любовью к цвету, но между ними была тонкая связь, которую ему потребовалось много лет, чтобы осознать. Эта связь имеет отношение к пространству. Создавая свои черно-белые рисунки, он обнаружил, что распределение пространства может происходить бесчисленными способами, поскольку линии ведут переговоры о своих отношениях с белым пространством в композиции. Однако, когда он стал более искусным в живописи, его озадачивало, как достичь той же самой переговорной работы с пространством, используя цвет.

В его ранних фигуративных работах цвета кажутся клаустрофобными и напряженными. В его первых попытках абстракции, которые были вариациями на тему Цветного Полотна с добавленными жестовыми отметками, цвета кажутся слишком свободными. Он сказал: “Я хочу много воздуха в работе. Я хочу много пространства в работе.” Но он, казалось, был сбит с толку тем, как именно создать легкость на фоне пространства холста. Его откровение пришло в 1970-х годах во время поездки в Средиземноморье. Посетив Египет и Рим, он увидел ответ в архитектуре и свете. Древняя архитектура выражала структуру, контроль и демократический потенциал сложенных элементов. Средиземноморские тени и свет показали ему, что цвет и свет — это одно и то же, и что холодные и теплые цвета, как холодный и теплый свет, выражают пространство. Это открыло тайну живописи, которая, как он говорит, “Воздух и пространство могут быть в цвете, а не в том, что цвет был на пространстве."

Стэнли Уитни - Без названия, 2013, графит на бумаге, фото предоставлено Галереей Норденхаке

Методический процесс

“Это было началом того, как все начало складываться,” говорит Уитни. С этого момента он медленно развивался к тем сеточным картинам, которые создает сегодня. Он исследовал использование жестов, похожих на граффити, чтобы определить, как цвет может быть выражен линией, подобно работам Мондриана. Он изучал способы подхода к сетке, от сложенных форм до рядов точек и полос цветов. Он знал, что хочет скелетную структуру, чтобы содержать свои цвета справедливым образом, но также не хотел, чтобы правило сетки заставляло его работы двигаться в определенном направлении. Он хотел найти идеальное сочетание структуры и свободы, как в джазе.

Стэнли Уитни - Пышная жизнь, 2014, масло на льне, фото предоставлено Галереей Норденхаке

Зрелые работы в сетке, которые сейчас создает Стэнли Уитни, чисты и стабильны. Они даже на первый взгляд кажутся лишенными той грубости и тревоги, которые придавали его ранним усилиям ощущение жизни. Но при более близком рассмотрении заметны живописные следы человеческой руки, а сложность композиций раскрывает ту глубину, с которой Уитни все еще борется со своей загадкой. Он нашел способ сделать цвет своим предметом. Он открыл секрет, что цвет и свет — это одно и то же, и оба являются проявлениями пространства. И благодаря этим открытиям он создал тело работ, которое богато и безусловно полно смысла. Но, несмотря на свои открытия, он остался на краю бритвы, никогда не раскрывая, или, возможно, никогда не зная и не заботясь о том, что именно этот смысл представляет собой.

Стэнли Уитни - Манхэттен, 2015, масло на холсте, фото предоставлено Галереей Норденхаке

Изображение на обложке: Стэнли Уитни - Без названия, 2016, масло на льне, фото предоставлено Galerie Nordenhake
Все изображения © художника и Galerie Nordenhake;
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio