Fånga tidens flyktighet - Hiroshi Sugimotos fotografi

Dubbelutställningar pågår fram till den 22 december på Marian Goodman Gallerys platser i Paris och London och utforskar verken av Hiroshi Sugimoto, hyllad fotograf, skulptör och konceptkonstnär, vars verk behandlar mysterierna kring mänsklig perception. Londonutställningen, med titeln Snow White, fokuserar på en serie fotografier som Sugimoto har arbetat med sedan 1978, kallad hans Theater-serie. Varje fotografi i serien visar en biograf med en duk i mitten av bilden. Duken lyser starkt, som ett silverljus. För att ta dessa bilder ställer Sugimoto upp en storformatskamera, öppnar slutaren och håller den öppen under hela filmen, vilket fångar varje bildruta av filmen på en enda filmruta. Fotografierna fångar tidens gång och väcker frågor om vad som är verkligt och vad som är fiktion. Samtidigt fokuserar Parisutställningen, med titeln Surface Tension, på två andra verkserier som Sugimoto har arbetat med. Den första är hans Seascape-serie, som han har utvecklat sedan 1980. För denna serie tar Sugimoto bilder av lugna hav över hela världen. Varje foto är perfekt balanserat—halva bilden är vatten och halva luft, med horisontlinjen i mitten av bilden. Och tillsammans med Seascape-bilderna visas fem skulpturala verk från en serie kallad Five Elements. Dessa skulpturer består av fem geometriska former som symboliserar jord, vatten, eld, luft och tomhet. Varje skulptur har en sfär som symboliserar vatten, och varje sfär innehåller ett fotografi från Seascape-serien. Båda dessa utställningar är ett måste att se. Men som med många Sugimoto-utställningar berör de bara ytan av det omfattande verk som denna konstnär har skapat. Så om du är obekant med hans verk, här är några fler av Hiroshi Sugimotos många sidor.

Se som en kamera

Hiroshi Sugimoto föddes i Tokyo 1948. Han lärde sig att ta bilder som barn, men övervägde inte fotografi som yrke förrän mycket senare. Han studerade ekonomi vid St. Pauls universitet i Japan. Men fyra år efter examen flyttade Sugimoto till Los Angeles och började på forskarutbildning vid Art Center College of Design. Samma år fick han en insikt om fotografins konstnärliga potential att avslöja dolda sanningar om världen. Hans insikt kom under en resa till New York City, där han besökte American Museum of Natural History. Museet är välkänt för sina dioramor, där livsstora modeller av människor och djur genom historien presenteras bland föremål från deras tid. I bakgrunden av varje diorama finns antingen ett fotografi eller en målning av naturen, vilket tillför en tvådimensionell del till scenen som uppenbart är falsk och oftast något klichéartad.

När han stirrade på en av dessa dioramor slöt Sugimoto slumpmässigt ett öga. Det fick honom att plötsligt inse att genom att titta på något med bara ett öga plattade han ut hela scenen, så att den såg ut precis som om den fotograferats med en kameralins. Att betrakta dioramat på detta sätt gjorde hela scenen mer verklighetstrogen. Så Sugimoto återvände till museet med sin kamera och tog svartvita fotografier av dioramor. Otroligt nog plattade fotografierna ut alla element i dioramor, inte bara bakgrunden, och scenerna fick en kuslig verklighetskänsla. Hans Diorama-serie blev den första av många verkserier han sedan dess har arbetat med som involverar att fotografera något på nytt, eller att ta bilder av något som är falskt, som figurer i vaxmuseer. När han i en intervju 2014 med Getty Museums chef Timothy Potts tillfrågades om sin fascination för denna process sade Sugimoto, “Fotografi är att göra en kopia av verkligheten, men när det fotograferas två gånger återvänder det till verkligheten igen. Det är min teori.”

Hiroshi Sugimoto - Kegon vattenfall, 1976, Gelatinsilvertryck, Neg. #00.001, Bild: 47 x 58 3/4 tum (119,4 x 149,2 cm), Ram: 60 11/16 x 71 3/4 tum (154,2 x 182,2 cm), Upplaga om 5, (20200)

Vad du tittar på

Sugimoto följde sin Diorama-serie med sina första Theater-fotografier. Liksom Diorama-serien ställde Theater-serien frågan om det som syns på fotografiet är verkligt. Om vi ser en Hollywoodfilm vet vi att vi inte ser något som faktiskt hänt. Den är manusförfattad, så den är falsk, eller hur? Och ändå fångar dessa fotografier som Sugimoto tar, vilka innehåller den visuella informationen från hela filmer, något som verkligen hände—visningen av filmen. Fotografierna fångar verkligheten, en sanning som understryks i Drive-In Theater-versionerna av serien, som fångar ljusstreck på himlen bakom duken när flygplan flyger förbi under hela filmen. Så är det vi ser verkligt eller falskt? Det ljusa, silverfärgade ljuset i mitten av bilden är inte bara ljus—det är en berättelse. Och även om den var manusförfattad, hände den. Som Sugimoto påpekar gör fotograferingen två gånger på något sätt att det blir verkligt igen.

Efter att ha påbörjat sin Theater-serie började Sugimoto på sin Seascape-serie. Bilderna i denna serie är, formellt sett, geometriska och abstrakta. När de ses i grupper får bilderna också en typologisk närvaro i traditionen efter Bernd och Hilla Becher. Även om dessa inte är bilder av bilder, som i hans tidigare Diorama- och Theater-serier, fyller de ändå en liknande funktion. Sugimoto visar oss bilder av olika saker som ser likadana ut. Han visar dem för oss som de ser ut vid olika tider på dagen och under olika atmosfäriska förhållanden. De är uppenbart olika. Men de är också uppenbart desamma. Luften och vattnet är bara delar av den fysiska världen. Men de får också en abstrakt kvalitet. Havet blir en symbol. Och vi kan återigen fråga vad vi tittar på. Är dessa bilder av den verkliga världen eller har de upplösts till allegori eller metafor?

Hiroshi Sugimoto - N. Stilla havet, Ohkurosaki, 2013, Gelatinsilvertryck, Neg. #582, Bild: 47 x 58 3/4 tum (119,4 x 149,2 cm), Ram: 60 11/16 x 71 3/4 tum (154,2 x 182,2 cm), Upplaga om 5, (20192)

Bilder av världen

Sugimoto kallar detta fenomen av det verkliga som upplöses i det overkliga, och vice versa, i sitt arbete för “en testmetod för att undersöka mänsklig perception.” Och han har fortsatt denna testmetod på flera fascinerande sätt under årtiondena. På 1990-talet reste han tillbaka till Japan och efter att ha kämpat sig igenom sju års byråkrati fick han tillstånd att fotografera en gammal installation inne i ett buddhistiskt tempel kallad “Tusenarmade barmhärtige bodhisattvan Avalokitesvara.” Installationen visar en mångfaldig skulptural framställning av Buddha som den fysiska manifestationen av livet efter detta. Sugimoto fotograferade installationen vid olika tider på dagen och visade skuggor och ljus som belyste olika delar vid olika tidpunkter. Den resulterande serien, Sea of Buddha, är en abstrakt undersökning av form och tid.

I sin Arkitektur-serie, som också började på 1990-talet, tar Sugimoto helt suddiga bilder av ikoniska arkitektoniska former, som World Trade Center-tornen och Eiffeltornet. Samtidigt, för sin serie “Praise of Shadow”, tänder han ett ljus varje kväll vid ett öppet fönster och tar en enda exponering av det brinnande ljuset med slutaren öppen på sin kamera hela tiden tills ljuset brunnit ner eller slocknat. I sin serie Tallar tog han suddiga bilder av perfekta tallar i Japans kejserliga palats och satte sedan ihop dem i surrealistiska kompositioner jämförbara med 1500-talets Shorinzu “Tallskogsskärmar.” Alla dessa serier visar den verkliga världen på ett suddigt, drömlikt sätt. Alla har långa exponeringar. De tar oss tillbaka i tiden och låter oss knyta an till urgamla, universella visioner av arkitektur, ljus och natur. De hjälper oss att se dessa ting som både minnen och idéer.

Hiroshi Sugimoto - Salle 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013, Gelatinsilvertryck, Neg. #279, Bild: 47 x 58 3/4 tum (119,4 x 149,2 cm), Ram: 60 11/16 x 71 3/4 tum (154,2 x 182,2 cm), Upplaga om 5, (20218)

Världen i svart och vitt

Utöver de verkserier som redan nämnts har Sugimoto också flera andra serier som han arbetar med, var och en som sträcker sig över år, om inte årtionden. Förutom sitt fotografiska arbete skapar han också skulpturer, deltar i föreställningar och skapar platsbundna verk. Alla dessa saker verkar olika och möjligen osammanhängande, men i grunden kan de alla förstås med samma resonemang som Sugimoto använder när han svarar på frågan varför han så ofta väljer att ta fotografier i svartvitt. Hans svar på den frågan är, “Trovärdigheten är bättre i svartvitt än i färg.”

Färgfotografier fångar aldrig vår verkliga upplevelse av färg. Så genom att välja svartvitt skapar han bilder som är mer abstrakta och mer universella. Det är en variation av det japanska begreppet honka-dori, eller att imitera en annan konstnärs verk. Sugimoto återger det som redan finns i olika former, men en perfekt kopia är inte möjlig och det är heller inte önskvärt. Så han visar oss verkligheten i abstrakt form. Han refererar till våra minnen och vårt gemensamma förflutna. Han “tar upp melodin” som ett sätt att framkalla något liknande och universellt som förhoppningsvis alla kan förstå.

Hiroshi Sugimoto - Tasmanhavet, Rocky Cape, 2016, Gelatinsilvertryck, Neg. #584, Bild: 47 x 58 3/4 tum (119,4 x 149,2 cm), Ram: 60 11/16 x 71 3/4 tum (154,2 x 182,2 cm), Upplaga om 5, (20193)

Omslagsbild: Hiroshi Sugimoto - Paramount Theater, Newark, 2015 Gelatinsilvertryck, Neg. #36.002, Bild: 47 x 58 3/4 tum (119,4 x 149,2 cm), Ram: 60 11/16 x 71 3/4 tum, (154,2 x 182,2 cm), Upplaga om 5, (20220)

Alla bilder © Hiroshi Sugimoto, med tillstånd av konstnären och Marian Goodman Gallery

Av Phillip Barcio