Fånga tidens flyktighet - Hiroshi Sugimotos fotografi

Två utställningar pågår fram till den 22 december på Marian Goodman Gallerys platser i Paris och London, som utforskar verken av Hiroshi Sugimoto, den hyllade fotografen, skulptören och konceptkonstnären, vars arbete tar upp mysterierna kring mänsklig perception. Utställningen i London, med titeln Snow White, fokuserar på en serie fotografier som Sugimoto har arbetat med sedan 1978, kallad hans Teaterserie. Varje fotografi i serien visar en biograf med en duk i mitten av bilden. Duken lyser starkt, som ett silverljus. För att ta dessa bilder ställer Sugimoto upp en storformatskamera, öppnar slutaren och håller den öppen under hela filmen, vilket fångar varje bildruta av filmen på en bildruta film. Fotografierna fångar tidens gång och väcker frågor om vad som är verkligt och vad som är fiktion. Under tiden fokuserar utställningen i Paris, med titeln Surface Tension, på två andra verk som Sugimoto har arbetat med. Det första är hans Havslandskapserie, som han har utvecklat sedan 1980. För denna serie tar Sugimoto bilder av lugna hav över hela världen. Varje foto är perfekt balanserat—hälften vatten och hälften luft, med horisontlinjen i mitten av bilden. Och på utställning tillsammans med Havslandskapsbilderna finns fem skulpturala verk från en serie kallad Fem Element. Dessa skulpturer består av fem geometriska former, som symboliserar jord, vatten, eld, luft och tomhet. Varje skulptur har en orb, som symboliserar vatten, och varje orb innehåller ett fotografi från Havslandskapserien. Båda dessa utställningar är ett måste att se. Men som med många Sugimoto-utställningar, berör de bara ytan av det stora verk som denna konstnär har skapat. Så om du är obekant med hans arbete, här är några fler av de många sidorna av Hiroshi Sugimoto.

Se som en kamera

Hiroshi Sugimoto föddes i Tokyo 1948. Han lärde sig att ta bilder som barn, men övervägde inte fotografi som en karriär förrän mycket senare. Han studerade ekonomi vid St. Paul’s University i Japan. Men fyra år efter examen flyttade Sugimoto till Los Angeles och anmälde sig till forskarutbildning vid Art Center College of Design. Och samma år fick han en uppenbarelse om den konstnärliga potentialen för fotografi att avslöja dolda sanningar om världen. Hans uppenbarelse inträffade under en resa till New York City, där han besökte American Museum of Natural History. Museet är välkänt för sina dioramor, där livsstora modeller av människor och djur genom historien presenteras bland artefakter från deras tid. I bakgrunden av varje diorama finns antingen ett fotografi eller en målning av naturen, vilket tillför en tvådimensionell element till scenen som uppenbarligen är falsk, och vanligtvis något klichéartad.

När han stirrade på en av dessa dioramor, stängde Sugimoto plötsligt ena ögat. Det fick honom att inse att genom att titta på något med bara ett öga, plattade han ut hela scenen, vilket fick den att se ut precis som om den fotograferades med en kameralinse. Att titta på dioraman på detta sätt gjorde att hela saken såg mer realistisk ut. Så Sugimoto återvände till museet med sin kamera och tog svartvita fotografier av dioramor. Otroligt nog plattade fotografierna ut alla element i dioramor, inte bara bakgrunden, och scenerna fick en kuslig verklighet. Hans Diorama-serie blev den första av många verk han sedan har bedrivit som involverar att fotografera något på nytt, eller ta fotografier av något som är falskt, såsom figurer i vaxmuseum. När han blev tillfrågadi en intervju 2014 med Getty Museum Director Timothy Potts om sin fascination för denna process, sa Sugimoto, “Fotografi är att göra en kopia av verkligheten, men när det fotograferas två gånger går det tillbaka till verkligheten igen. Det är min teori.”

Hiroshi Sugimoto - Kegonfall, 1976, Gelatin silver print, Neg. #00.001, Bild: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Ram: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Upplaga av 5, (20200)

Vad du tittar på

Sugimoto följde sin Diorama-serie med sina första teaterfotografier. Precis som Diorama-serien ställde Teater-serien frågan om det som syns på fotografiet är verkligt. Om vi ser en Hollywood-film vet vi att vi inte ser något som faktiskt har hänt. Det är skrivet, så det är falskt, eller hur? Och ändå fångar dessa fotografier som Sugimoto tar, som innehåller den visuella informationen från hela filmer, något som verkligen hände—visningen av filmen. Fotografierna fångar verkligheten, en verklighet som understryks i Drive-In Theater-versionerna av serien, som fångar ljusstrålar på himlen bakom duken när flygplan passerar under filmen. Så är det vi ser verkligt eller falskt? Det starka, silverfärgade ljuset i mitten av bilden är inte bara ljus—det är en historia. Och även om det var skrivet, så hände det. Som Sugimoto påpekar, på något sätt gör det att fotografera det två gånger det verkligt igen.

Efter att ha påbörjat sin Teaterserie, inledde Sugimoto sin Havslandskapserie. Bilderna i denna serie är, formellt sett, geometriska och abstrakta. När de ses i grupper får bilderna också en typologisk närvaro i traditionen av Bernd och Hilla Becher. Även om dessa inte är bilder av bilder, som var bilderna i hans tidigare Diorama- och Teaterserier, utför de likväl en liknande funktion. Sugimoto visar oss bilder av olika saker som ser likadana ut. Han visar dem för oss som de framträder vid olika tidpunkter på dagen och under olika atmosfäriska förhållanden. De är uppenbarligen olika. Men de är också uppenbarligen samma. Luften och vattnet är bara en del av den fysiska världen. Men de får också en abstrakt kvalitet. Havet blir en symbol. Och vi kan återigen fråga oss vad vi tittar på. Är dessa bilder av den verkliga världen eller har de upplösts i allegori eller metafor?

Hiroshi Sugimoto - N. Pacific Ocean, Ohkurosaki, 2013, Gelatin silver print, Neg. #582, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20192)

Bilder av världen

Sugimoto kallar detta fenomen av det verkliga som upplöses i det orealistiska, och vice versa, i sitt verk, "en testmetod för att undersöka mänsklig perception". Och han har fortsatt denna testmetod på flera fascinerande sätt under årtiondena. På 1990-talet reste han tillbaka till Japan och, efter att ha vadat genom sju års byråkrati, fick han tillstånd att fotografera en gammal installation inne i ett buddhisttempel kallat "Tusenarmade Barmhärtiga Bodhisattva Avalokitesvara." Installationen har en mångfaldig skulptural representation av Buddha som den fysiska manifestationen av livet efter detta. Sugimoto fotograferade installationen vid olika tidpunkter på dagen, vilket visar skuggor och ljus som belyser olika element vid olika tidpunkter. Den resulterande serien, Sea of Buddha, är en abstrakt undersökning av form och tid.

I sin Arkitekturserie, som också började på 1990-talet, tar Sugimoto helt suddiga bilder av ikoniska arkitektoniska former, såsom World Trade Center-tornen och Eiffeltornet. Under tiden, för sin "Praise of Shadow"-serie, tänder han ett ljus varje natt vid ett öppet fönster och tar en enda exponering av det brinnande ljuset med slutaren öppen på sin kamera hela tiden tills ljuset brinner ner eller slocknar. I sin serie Tallar tog han suddiga bilder av perfekta tallar i det japanska kejsarpalatset och kollagerade dem sedan i surrealistiska kompositioner jämförbara med 1500-talets Shorinzu "Pine Forest Screens." Alla dessa serier visar den verkliga världen på ett suddigt, drömlikt sätt. Alla har långa exponeringar. De tar oss tillbaka i tiden och låter oss koppla samman med forntida, universella visioner av arkitektur, av ljus och av natur. De hjälper oss att se dessa saker som både minnen och idéer.

Hiroshi Sugimoto - Salle 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013, Gelatin silver print, Neg. #279, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20218)

Världen i svart och vitt

Förutom var och en av dessa verk som redan nämnts, har Sugimoto också flera andra serier han arbetar med, var och en av dem sträcker sig över år, om inte årtionden. Förutom sitt fotografiska arbete skapar han också skulpturer, deltar i föreställningar och skapar plats-specifika verk. Alla dessa saker han gör verkar olika och möjligen orelaterade, men i grunden kan de alla förstås med samma resonemang som Sugimoto använder när han svarar på frågan om varför han så ofta väljer att ta fotografier i svartvitt. Hans svar på den frågan är, “Troverdighet är bättre i svartvitt än i färg.”

Färgfotografier fångar aldrig vår sanna upplevelse av färg. Så genom att välja svartvitt skapar han bilder som är mer abstrakta och mer universella. Det är en variation av det japanska konceptet honka-dori, eller att imitera verket av en annan konstnär. Sugimoto representerar det som redan finns i olika former, men en perfekt kopia är inte möjlig, och det är inte heller att föredra. Så han visar oss verkligheten i abstrakt form. Han refererar till våra minnen och vår gemensamma historia. Han är, som han uttrycker det, "tar upp melodin" som ett sätt att väcka något liknande och universellt som förhoppningsvis alla kan förstå.

Hiroshi Sugimoto - Tasman Sea, Rocky Cape, 2016, Gelatin silver print, Neg. #584, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20193)

Utvald bild: Hiroshi Sugimoto - Paramount Theater, Newark, 2015 Gelatin silver print, Neg. #36.002, Bild: 47 x 58 3/4 tum (119,4 x 149,2 cm), Ram: 60 11/16 x 71 3/4 tum (154,2 x 182,2 cm), Upplaga av 5, (20220)

Alla bilder © Hiroshi Sugimoto, i samarbete med konstnären och Marian Goodman Gallery

Av Philip Barcio