Edward Burtynsky och landskap som inga andra

Den kanadensiska fotografen Edward Burtynsky har fotograferat den naturliga världen i nästan fyra decennier. Han började sin karriär i slutet av 1970-talet, med att fotografera naturlandskap från ett strikt formaliskt perspektiv, och ramar in dem på ett sätt som efterliknar abstrakt expressionistiska målningar. Som en passage på hans webbplats förklarar: “Det som stod främst i hans sinne var den abstrakt expressionistiska behandlingen av bildrummet som ett tätt, komprimerat fält som jämnt sprids över hela ytan av en stor komposition.” Men under de kommande åren utvidgade Burtynsky de blygsamma mål han initialt hade satt för sin fotografiska karriär. Istället för att bara försöka skapa intressanta, modernistiska kompositioner, började han söka efter ämnen som skulle kunna tillåta honom att samtidigt göra sociala, politiska, ekonomiska och kulturella uttalanden med sitt arbete. I en serie med titeln Railcuts fångade han bilder som skildrar det fysiska trauma som orsakas av byggandet av transnationella järnvägsspår. I en serie kallad Homesteads dokumenterade han de osäkra sätt på vilka människor omvandlar sin naturliga omgivning när de bygger hem, grannskap och städer. För sin serie kallad Tailings fotograferade han de apokalyptiskt utseende ödemarker som tenderar att lämnas kvar av de avfallsfloder som sipprar från jorden när mineraler utvinns och separeras från sin malm under gruvdrift. Dessa och de många andra serier han har producerat har gett Burtynsky ett TED Prize, lett till två prisbelönta dokumentärer om hans arbete, och placerat Burtynsky fast på frontlinjen av miljörörelsen. Han upplever stor framgång som fotograf, men jag lämnas med en fråga när det gäller det sanna värdet av hans fotografier: är de aktivism, är de journalistik, eller är de konst?

Det abstrakta fotografiets gåta

Fotografer är medlare mellan spektakel och åskådare. Oavsett om deras motiv är en bilolycka, en upplopp, ett krig, ett vilt djur, en solförmörkelse, en modemodell, ett naturlandskap eller ett onaturligt landskap, eller en färgglad geometrisk komposition skapad i en studio eller på en dator, är det allt detsamma: de kräver något synligt att fånga—idealiskt något fascinerande—som i sin tur kommer att fånga och hålla intresset hos betraktaren. Men sedan de tidigaste dagarna av konstfotografi, när konstnärer som Alvin Langdon Coburn och Man Ray först undersökte, bland annat, vad en fras som abstrakt fotografi kan betyda, har fotografiska konstnärer tvingats brottas med fotografins grundläggande natur: att det är ett medium utformat för att fånga verkligheten.

Ett fotografi är ett avtryck—ett fångat ögonblick—som skapas när ljus interagerar på ett kontrollerat sätt med något konkret, objektivt, observerbart fenomen. Hur kan då ett fotografi någonsin vara abstrakt? Visade inte det som framträder i en fotografisk bild verkligen existera, åtminstone för en bråkdel av en sekund, precis som det avbildas? Det måste ha gjort det, annars skulle det inte vara där. Så ja, det finns ett argument att göra—och många har försökt att göra det—att varje fotografi per definition är objektivt. Därför är det komplicerat för fotografer att arbeta i det mellanliggande området mellan abstraktion och realism. När de fotograferar verkligheten bjuder de in bedömningar om ämnet som distraherar betraktaren från att uppskatta de formella egenskaperna hos bilden, såsom dess användning av färg, form och linje. Men när de blir för långt avlägsna från den fotografiska processen, säg genom att eliminera kameran från processen, väcks grundläggande frågor om huruvida slutprodukten ens är ett fotografi. Trots allt, att bara använda färg för att skapa en sak gör inte i sig den sak du skapade till en målning.

Edward Burtynsky - Salt Pan #16, Little Rann of Kutch, Gujarat, India, 2016

Glasögon Hjälper Oss Att Se

Edward Burtynsky undviker det dilemmat genom att omfamna tanken att åskådare alltid naturligt kommer att utveckla personliga känslomässiga reaktioner på vilken fotografisk bild de än tittar på, och går vidare med det. Han har förblivit intresserad av formalisering, vilket demonstreras av de abstrakta mönster, texturer och kompositioner som han fångar när han ramar in de naturliga och tillverkade landskap som han fotograferar. Den som är bekant med 1900-talets abstrakta konsthistoria kan förmodligen göra kopplingar mellan hans fotografier och verken av olika modernistiska målare. Men istället för att enbart fokusera på den punkten—vilket kan verka lite banalt—kombinerar Burtynsky sin kärlek till modernistisk bildkonst med en passion för att dokumentera något av brådskande betydelse för sin generation: den storskaliga, industriella omvandlingen av den naturliga världen.

Se på uppsättningen av ljusrosa former i hans fotografi från 2005 Manufacturing #17, av en kycklingbearbetningsanläggning i Kina. Den slående färgen är vad som omedelbart fångar min uppmärksamhet. Ett hav av rosa med inslag av röd, vit och blå, inramat under en horisont av grått och vitt. Färg, mönster och form skulle lätt kunna vara allt detta fotografi handlar om. Jag suddar mina ögon och, bortsett från precisionen i formerna och de geometriska egenskaperna i kompositionen, skulle jag kunna titta på en målning av Philip Guston. Men sedan tittar jag närmare. Varje av dessa rosa former är en människa vars jobb det är att stå hela dagen i ett massivt, kyligt lager utan fönster, under lysrörslampor, iklädd skyddande gummiskydd från topp till tå, som plockar isär de avlidna kropparna av tidigare kännande varelser som, precis som dessa arbetare, en gång hade tankar, känslor, relationer, rädslor och tvång. Detta är inte en abstrakt bild. Detta är en bild som dokumenterar den kalla precision med vilken billig mat tillhandahålls för människor som inte uppskattar värdet av något liv: kyckling eller människa.

Edward Burtynsky - Manufacturing #17, Deda Chicken Processing Plant, Dehui City, Jilin Province, China, 2005

Du Var Domaren

I hans TED-talk gav Edward Burtynsky en passionerad vädjan om att hans fotografier skulle kunna användas av allmänheten som inspiration och sporra oss att agera för att förändra världen. Han verbaliserade farorna med att förändra den naturliga världen i syfte att utvinna resurser, och definierade sig därigenom som en aktivist. Och vissa skulle kunna säga att hans fotografier, i sin raka dokumentation av den transformation av naturen som han talar om, definierar honom lika mycket som en journalist. Men jag har fortfarande vissa frågor om giltigheten av båda dessa två etiketter. Jag skulle istället vilja argumentera för att Edward Burtynskys arbete bör betraktas för sina formella kvaliteter som konst. Det främsta bland mina argument är att hans fotografier får mig att känna något. Hans fotografi från 2008 Fisher Body Plant #1, av utsidan av en övergiven bilfabrik i Detroit, står på egen hand som en slags anti-Agnes Martin. Istället för delikata rader av horisontella och vertikala linjer som ger mig en känsla av lätthet och platthet, ger den rutnätsliknande kompositionen i denna bild mig en känsla av tyngd och textur. Vissa ser på en Agnes Martin-målning och känner glädje. Andra gör inte det, de ser bara linjer. Vissa kanske ser på Fisher Body Plant #1 och känner skräck. Jag gör inte det, jag ser potential.

När det gäller att kalla Edward Burtynsky en aktivist, tror jag att det skulle vara felaktigt. Jag säger det bara för att han använder samma teknologier för att ta sina fotografier som driver marknaden för resursutvinning. Tänk på de ädelmetaller som får hans digitalkamera att fungera, och de fossila bränslebilar som hjälper honom att få sina unika perspektiv. Om du fotograferar en bilolycka betyder det att du också inte gör något för att hjälpa. Om du fotograferar en upplopp och sedan säljer den bilden till en mediekanal tjänar du på krisen. Vad Burtynsky gör är inte så dystert. Men när jag såg UPS globala postleveransannons som spelades innan hans TED Talk-video om oljans fasor, undrade jag vad det verkliga budskapet är. Är det pro-konsumtion? Är det anti-konsumtion? Det bästa jag kunde lista ut är att Burtynsky, aktivisten, säger något i stil med: "Konsumtion är fruktansvärt och orsakar förstörelsen av den naturliga miljön och vi borde göra något åt det, men inte än eftersom jag fortfarande är beroende av olja och mineralutvinning för att göra mitt arbete.” Men jag kan inte heller kalla Burtynsky en journalist. Journalistik, per definition, bör vara opartisk. Och slutligen, tyvärr, eftersom Burtynsky är så ivrig att berätta för oss vad vi borde tänka när vi ser på hans arbete, kan jag inte heller kalla honom en konstnär. Ingen självrespekterande konstnär skulle lämna så lite till åskådarens fantasi. Men jag kommer att säga detta: Edward Burtynsky är en fotograf; vilket kan vara sin egen sak – en sak som är svår att definiera, men ovedersäglig i sin kraft.

Edward Burtynsky - Fisher Body Plant #1, Detroit, Michigan, USA, 2008

Utvald bild: Edward Burtynsky - Nickel Tailings #35, Sudbury, Ontario, 1996

Alla bilder © Edward Burtynsky, alla bilder används endast för illustrativa ändamål.

Av Philip Barcio