Att få ut det mesta i den enklaste formen - Anne Truitt på Matthew Marks

En sällsynt utställning av målningar av Anne Truitt visas för närvarande på Matthew Marks Gallery i New York. Truitt (1921 – 2004) är mest känd för sina skulpturer, eller strukturer som de oftast kallas. Detta är den första stora amerikanska utställningen av hennes målningar sedan 1970-talet—endast två av de 11 verken som visas har tidigare visats offentligt. Det är en fantastisk möjlighet för samtida betraktare att ompröva Truitt—hennes strukturer, hennes teckningar och hennes målningar lika mycket. De subtila handmålade linjerna i dessa tvådimensionella verk väcker motsägelsefulla känslor av både ensamhet och hopp. De oskarpa, måleriska formerna, bara en aning ur balans, känns märkligt mänskliga: bristfälliga men självsäkra, så annorlunda än om hon hade gjort dem till rena hårda kantiga geometriska former. Färgförhållandena i dessa målningar verkar få ny betydelse, vilket får mig att vilja gå tillbaka och titta igen på färgförhållandena i hennes strukturer. Samtidigt ger ytors former—vissa höga och vertikala, andra horisontella och långa, andra helt kvadratiska—kompositionerna en rik variation av karaktär. Fulla av personlighet och känsla påminner dessa målningar mig om att Truitt och hennes verk alltför ofta har missförståtts. På 1960-talet kallades hon en proto-minimalist av New Yorks konstvärlds pojkklubb, personifierad av Clement Greenberg och Donald Judd. Men Truitt såg inte på sitt arbete så. Hon såg det som en väg mot expressionism. Hon sade, ”Jag har kämpat hela mitt liv för att få maximal mening i den enklast möjliga formen.” Efter att ha sett verk av Ad Reinhardt och Barnett Newman på Guggenheim 1961 fick hon en insikt att hon kunde packa tillräckligt med färg och rum i ett konstverk för att kanske slutligen uttrycka vidsträcktheten och djupet av sina innersta känslor. Efter att ha översatt denna uppenbarelse till fysisk form beskrev hon ”den skarpa glädjen i att se det som funnits inom ens mest intima jag materialiseras till synlighet.”

Historien om missförstånd

Historien om hur Truitt har missförståtts av kritiker går tillbaka till hennes första separatutställning, som ägde rum i februari 1963 på André Emmerich Gallery i New York. Den visade sex handmålade, rektangulära poppelstrukturer. Varje struktur designades av Truitt och byggdes sedan av en snickare av rått trä. Truitt applicerade sedan färgen och skapade abstrakta mönster på formerna och såg till att penseldragen var synliga. För Truitt var relationerna mellan formerna, färgerna och materialegenskaperna avsedda att väcka känslor och väcka en sökan efter mening. Men placeringen av verken i utställningen störde dessa avsikter. Placeringen gjordes uppenbarligen inte av Truitt, utan av Kenneth Noland, som också representerades av galleriet, och Clement Greenberg. De frågade enligt uppgift inte Truitt om hennes synpunkter när de planerade utställningen och föreslog till och med att hon skulle ta bort sitt förnamn från marknadsföringen så att folk inte skulle veta hennes kön.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Akryl på duk. 96 x 8 1/2 tum. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Med tillstånd av Matthew Marks Gallery, New York

På fotografier ser strukturerna imponerande och trånga ut, packade tillsammans i ett rum med låg takhöjd, i vissa fall placerade mot en vägg. De framstår mer som delar av en råttlabyrint än unika konstverk. Att visa färre verk eller sprida ut dem i ett större utrymme skulle ha tillåtit varje struktur att fullt ut uttrycka sina avsikter. Istället tolkades verken som meningslösa och anonyma utbrott av minimalism. Precis så ville pojkklubben ha det. Judd hade visat sina första minimala strukturer bara några månader tidigare i en grupputställning i samma galleri. Och det var i hans essä om Truitt-utställningen som Clement Greenberg först felaktigt hävdade att hennes verk ”förutsåg minimalismen.” Som med nästan allt dessa män gjorde och sade handlade det inte om Truitt, utan om dem själva. De tvingade Truitt in i en falsk kritisk låda för att kunna positionera sig själva som de viktigaste tolkarna av den linjära utvecklingen av konsthistorien, dominerad av vita män. Sedan dess har betraktare varit förvirrade över Truitt och avsikterna med hennes verk.

Anne Truitt - Druid, 1992. Akryl på duk. 20 x 120 tum. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Med tillstånd av Matthew Marks Gallery, New York

Upptäck den verkliga Truitt

Tyvärr är många konstkritiker inte bättre idag. Denna utställning av Truitts målningar på Matthew Marks Gallery kommer strax efter en annan stor utställning kallad In The Tower: Anne Truitt, som avslutades i april 2018 på National Gallery of Art i Washington, DC. Den utställningen fokuserade på ett urval av Truitts verk som nyligen förvärvats av museet. Bland verken som visades fanns den spöklika gula och vita vertikala strukturen ”Mary’s Light” (1962) och den andra världsliga, horisontella, tvåtonade blå ”Parva XII” (1977). Dessa verk sjunger särskilt med nyanser och visuell poesi. Färgen efterliknar formens röster; färgförhållandena samverkar både med och mot gravitationen. En uppmärksam betraktare kan lätt bli tårögd av deras känslomässiga kraft—det börjar i ögat men färdas snabbt till sinnet och hjärtat.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Akryl på duk. 48 1/4 x 48 1/8 tum. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Med tillstånd av Matthew Marks Gallery, New York

Men precis som på Greenbergs och Judds tid förminskade den mest inflytelserika skribenten som bevakade den utställningen—Philip Kennicott från Washington Post, Pulitzerpristagare—Truitt snarare än att ge hennes verk dess rätt. Kennicott fokuserade mest på det privata liv Truitt levde. Han gjorde småaktiga kommentarer om de sociala kretsar hon rörde sig i och skvallret som cirkulerade där. Han nämnde knappt konsten, och när han gjorde det var det inte kritiskt: ta till exempel hans upprörande och uppenbart stötande kommentar att ett urval av Truitts skulpturer ”står åtskilda från varandra med en viss WASP-aktig återhållsamhet.” Vad betyder ens det? Oavsett säger det mer om skribenten än om konsten. Anne Truitt: Paintings på Matthew Marks är en chans att börja om med det viktiga konstnärskap denna underskattade konstnär skapade. Det erbjuder en ingång till de nyanser och komplexiteter som genomsyrade allt annat arbete hon gjorde. Om du har möjlighet att se det, ta bara detta råd: ignorera kritikerna och låt verken tala för sig själva. Anne Truitt Paintings visas på Matthew Marks Gallery i New York till och med 27 oktober 2018.

Framträdande bild: Anne Truitt - Brunt, 1974. Akryl på duk. 19 x 92 tum. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Med tillstånd av Matthew Marks Gallery, New York
Av Phillip Barcio