Att få ut det mesta i den enklaste formen - Anne Truitt på Matthew Marks

En sällsynt utställning av målningar av Anne Truitt är för närvarande på visning på Matthew Marks Gallery i New York. Truitt (1921 – 2004) är mest känd för sina skulpturer, eller strukturer som de oftast kallas. Detta är den första stora amerikanska utställningen av hennes målningar sedan 1970-talet—endast två av de 11 verk som visas har visats offentligt tidigare. Det är en fantastisk möjlighet för samtida åskådare att återigen granska Truitt—hennes strukturer, hennes teckningar och hennes målningar. De subtila handmålade linjerna i dessa tvådimensionella verk väcker motstridiga känslor av både ensamhet och hopp. De imprecisa, måleriska formerna, som är något ur balans, känns märkligt mänskliga: bristfälliga men självsäkra, så olika än om hon hade gjort dem till rena hårda kantgeometriska former. Färgrelationerna i dessa målningar verkar få ny betydelse, vilket får mig att vilja gå tillbaka och titta igen på färgrelationerna i hennes strukturer. Under tiden ger formerna av ytorna—några höga och vertikala, andra horisontella och långa, andra perfekt fyrkantiga—kompositionerna en rik variation av karaktär. Fulla av personlighet och känsla påminner dessa målningar mig om att Truitt och hennes verk alltför ofta har missförståtts. På 1960-talet blev hon kallad en proto-Minimalist av New Yorks konstvärld, epitomiserad av Clement Greenberg och Donald Judd. Men Truitt såg inte sitt arbete på det sättet. Hon såg det som en väg mot expressionism. Hon sa: "Jag har kämpat hela mitt liv för att få maximal mening i den enklaste möjliga formen." Efter att ha sett verk av Ad Reinhardt och Barnett Newman på Guggenheim 1961, hade hon en uppenbarelse att hon kunde packa tillräckligt med färg och rum i ett konstverk så att hon kanske äntligen kunde uttrycka oändligheten och djupet av sina innersta känslor. Efter att ha översatt den uppenbarelsen till fysisk form, beskrev hon "den skarpa glädjen av att se vad som har varit inne i ens mest intima jag materialisera sig i synlighet."

Missförståelsens historia

Historien om hur Truitt har missförståtts av kritiker går tillbaka till hennes första separatutställning, som ägde rum i februari 1963 på André Emmerich Gallery i New York. Den innehöll sex handmålade, rektangulära poplarstrukturer. Varje struktur designades av Truitt och byggdes sedan av rått trä av en snickare. Truitt applicerade sedan färgen, skapade abstrakta mönster på formerna och såg till att lämna synliga penseldrag. För Truitt var relationerna mellan formerna, färgerna och materialkvaliteterna avsedda att väcka känslor och initiera en sökning efter mening. Men placeringen av verken i utställningen störde dessa avsikter. Placeringen var uppenbarligen inte gjord av Truitt, utan av Kenneth Noland, som också var representerad av galleriet, och Clement Greenberg. De påstods inte ha frågat Truitt om hennes åsikt när de planerade utställningen, och föreslog till och med att hon skulle ta bort sitt förnamn från marknadsföringen så att folk inte skulle veta hennes kön.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Akryl på duk. 96 x 8 1/2 tum. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Med vänlig hälsning Matthew Marks Gallery, New York

I fotografier ser strukturerna imponerande och trånga ut, packade tillsammans i ett rum med lågt tak, i vissa fall placerade mot en vägg. De framstår mer som delar av en muslabyrint än unika konstverk. Att inkludera färre verk, eller sprida ut verken i ett större utrymme, skulle ha tillåtit varje struktur att fullt ut uttrycka sina bekymmer. Istället tolkades verken som meningslösa och anonyma utbrott av Minimalism. Det var precis så pojkklubben ville ha det. Judd hade ställt ut sina första minimala strukturer bara månader tidigare i en grupputställning i samma galleri. Och det var i hans essä om Truitt-utställningen som Clement Greenberg först felaktigt hävdade att hennes arbete "förutsåg Minimalism". Som med nästan allt dessa män gjorde och sa, handlade det inte om Truitt, utan om dem själva. De tvingade Truitt in i en falsk kritisk låda så att de kunde positionera sig själva som de centrala tolkarna av den linjära utvecklingen av konsthistorien, som dominerades av vita män. Sedan dess har åskådare varit förvirrade över Truitt och avsikterna med hennes arbete.

Anne Truitt - Druid, 1992. Akryl på duk. 20 x 120 tum. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Med vänlig hälsning Matthew Marks Gallery, New York

Upptäck den verkliga Truitt

Tyvärr är många konstkritiker inte bättre idag. Denna utställning av Truitt-målningar på Matthew Marks Gallery kommer direkt efter en annan stor utställning kallad In The Tower: Anne Truitt, som stängde i april 2018 på National Gallery of Art i Washington, DC. Den utställningen fokuserade på ett urval av Truitt-verk som nyligen förvärvats av museet. Bland de utställda verken fanns den spöklika gula och vita vertikala strukturen "Mary’s Light" (1962), och den utomjordiska, horisontella, tvåtonade blå "Parva XII" (1977). Dessa verk i synnerhet vibrerar av nyans och visuell poesi. Färgen efterliknar formernas röster; färgrelationerna konspirerar både med och emot tyngdkraften. En uppmärksam observatör kan lätt bli tårögd av deras känslomässiga kraft – det börjar i ögat, men färdas snabbt till sinnet och hjärtat.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Akryl på duk. 48 1/4 x 48 1/8 tum. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Med vänlig hälsning från Matthew Marks Gallery, New York

Men som under dagarna av Greenberg och Judd, den mest inflytelserika skribenten som täckte den showen—Philip Kennicott från Washington Post, en Pulitzer Prize-vinnare—minskade Truitt snarare än att ge hennes arbete dess rätta värde. Kennicott fokuserade mest på det privata liv som Truitt ledde. Han gjorde småaktiga kommentarer om de sociala kretsar där hon existerade och skvaller som svävade runt dem. Han nämnde knappt konsten, och när han gjorde det var det inte kritiskt: ta till exempel hans outrageous och uppenbart stötande kommentar att ett urval av Truitt-skulpturer "står åtskilda från varandra med en viss WASP-aktig reserveradhet." Vad betyder ens det? Oavsett, säger det mer om skribenten än om konsten. Anne Truitt: Paintings at Matthew Marks är en chans att börja om med det viktiga verk som denna undervärderade konstnär skapade. Det erbjuder en väg in i nyanserna och intrikaterna som informerade allt annat arbete hon gjorde. Om du har chansen att se det, ta bara detta råd: ignorera kritikerna och låt verket tala för sig själv. Anne Truitt Paintings visas på Matthew Marks Gallery New York fram till 27 oktober 2018.

Utvald bild: Anne Truitt - Brunt, 1974. Akryl på duk. 19 x 92 tum. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Med vänlig hälsning Matthew Marks Gallery, New York
Av Philip Barcio