18 Samtida Abstrakta Konstnärer Öppnar Upp Om Sin Härkomst

Det är farligt och omöjligt att undervisa i konst. Ändå är det också nödvändigt. För att konst ska existera måste konstnärer lära sig hur de ska bli vad det nu är de ska bli, och hur de ska skapa vad det nu är de ska skapa. Vissa lär sig i skolan, från andra bristfälliga människor som de själva, som av någon anledning tagit på sig den farliga, omöjliga, nödvändiga uppgiften att dela med sig till andra av vad de har lärt sig. Andra konstnärer hittar lärare utanför klassrummet. De kan lära sig vad det innebär att vara konstnär genom att umgås med andra konstnärer på vernissager eller i barer. De kan lära sig vad det innebär att skapa konst genom att titta på videor online, eller genom att dekonstruera konsten de ser i museer eller i böcker. Vissa konstnärer kan lära sig vad de är genom att följa den inspiration de får från arkitektur och design, genom att helt enkelt reagera på de tankar och känslor de upplever när de interagerar med den vardagliga byggda miljön och dess otaliga produkter och rum. Andra kan lära sig att vara konstnärer helt enkelt genom att omfamna – och sedan vårda – sin inre drivkraft att skapa. Skapandeprocessen kan lära oss hur man skapar. Varandeprocessen kan lära oss vad vi vill vara. I slutändan kommer alla som tar sig igenom lärandeprocessen till det ögonblick då de kan säga frasen, ”Jag är en konstnär,” utan att känna att det är en lögn, att ha en berättelse att berätta om sina lärare. Idag presenterar vi en samling sådana berättelser från konstnärer modiga nog att dela med sig av sina lärandelinjer. De är modiga eftersom att tillkännage sitt estetiska eller konceptuella arv utsätter dem för ett fruktansvärt hot. Du, läsaren, kan inse att en konstnär var student till en annan konstnär, eller blev inspirerad av det ena eller det andra, och missta det för en genväg. Du kan säga, ”Aha! Nu ser jag vem de kopierar,” eller, ”Nu förstår jag deras konst!” Istället, när du läser dessa anekdoter om hur dessa 18 konstnärer blev vad de är, låt informationen vidga din uppfattning. Följ varje tråd och gräv djupare. Du kan skymta den farliga, omöjliga, nödvändiga skönheten i vad det verkligen innebär att undervisa och lära sig konst.

Anya Spielman

Spielman var student till Wayne Thiebauld vid University of California i Davis. Om sina andra lärare säger hon:

"En stor influens för mig var att se Hieronymus Boschs triptyk, ”The Garden of Earthly Delights” på The Prado när jag var tonåring. Jag blev golvad av ikonografin såväl som de ljuvliga färgerna och de intrikata kompositionerna i hans verk. Jag reagerade omedelbart på dualiteten i Boschs verk: hans skarpa och upplysta palett: nyanser av bläcksvart, umbra, blekrosa, ben, vermilion och azurit; kurvorna på hans genomskinliga njutningskapslar i Eden i kontrast till den genomborrande psykologiska och fysiska nedstigningen i ett hallucinatoriskt helvete. Boschs visionära geni skildrade människans natur i alla dess former, med en direkt intimitet och kraft som jag finner otroligt sällsynt även idag."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olja på panel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studerade med Louis Finkelstein medan hon var forskarstuderande vid Queens College, City University of New York. På samma skola studerade hon med Benny Andrews, som utbildade sig som en Abstract Expressionist vid School of the Art Institute of Chicago på 1950-talet; Clinton Hill, som var studioassistent åt Mark Rothko; konstkritikern och Artforum Associate Editor Robert Pincus-Witten, som hon säger ”hjälpte mitt kritiska öga;” och Charles Cajori, som var student till Hans Hoffman. Sirlin säger:

"[Lineage] är verkligen en komplicerad fråga. Kopplingarna till konstnärer går också åt sidan. Anne Truitt var viktig för mig när jag var en ung konstnär på Yaddo. Melissa Meyer var också där den sommaren [1983]. Erin Lawlor var min studiomate på The Rothko Centre i Lettland. Jose Heerkins var på Rothko Centre samtidigt med oss [2016]. Kara Walker var student när jag undervisade på The Atlanta College of Art och Kara och jag ställde ut på samma Atlanta Biennial 1992. Sedan finns det andra konstnärer—författare och dramatiker. Hayden Herrera [biograf för Frieda Kahlo och Arshile Gorky] var min mentor som konstskribent. Chris Kraus [I Love Dick] och jag var på Yaddo tillsammans... Jag var en nära vän till dramatikern Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Han var manusförfattare för Warhol... Jag hoppas att jag inte förvirrade dig med detta tilläggssvar."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Blandteknik på duk. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"När jag först började måla var jag mest påverkad av Picasso. Jag drogs till hans användning av färg och markeringar, särskilt i “Girl Before A Mirror” (1932). Senare, när jag började måla mer i en abstrakt expressionistisk stil, drogs jag mer till Joan Mitchell och Willem De Kooning. Men jag började verkligen titta på deras verk efter att jag målade på detta sätt, inte innan."

Brenda Zappitell - At the moment, 2017. Flashe och akryl med kallvax på panel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

I en intervju 2006 för Minus Space NY frågade målaren Chris Ashley Göttin var han börjar som konstnär. Göttin svarade:

"Konsthistorien låtsas ibland att en viss konstnärlig rörelse är en komplett enhet. Att använda termen “konkret” sammanfaller inte nödvändigtvis med den ideologiska bakgrunden till Konkrete Kunst, som också baserades på idéer om samhälle och politik. Min oro gäller en enhet som också kan inkludera motsägelser—ett ja och ett nej, och till och med ett kanske. Min utgångspunkt är en syntes av olika synsätt eller positioner samtidigt, vilket för mig är en rumslig syn. Den kan vara uppenbar eller subtil, symmetrisk eller asymmetrisk eller båda tillsammans, med eller utan motsägelse. Den kan vara regel och avvikelse tillsammans. Några av de tidigare verk jag gjorde var kollage relaterade till Kurt Schwitters arbete (Merz), vilket som helst funnet material grovt limmat på en bit kartong—fysiskt, direkt, improviserat, slumpmässigt, färgstarkt, till och med dadaistiskt. Senare blev jag intresserad av Minimal Art, där konstverket ofta är noggrant planerat, och perfekt och tydligt konstruerat med definierad användning av material och uppmärksamhet på detaljer. Båda rörelserna är viktiga för mig, och ibland ser jag mitt arbete bära delar av båda, motsvarande mellan dessa två konsthistoriska positioner."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Akryl på pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Det är ganska svårt att förstå sina influenser, åtminstone för mig, eftersom jag arbetar mycket utifrån intuition och inte så mycket från medvetenhet. Jag tror att mina formativa år som konststudent vid UCLA (BA 74, MFA 77) formade en stor del av den jag är. På den tiden var UCLA ganska mycket en målerskola med en europeisk/modernistisk inriktning. För min första måleriklass var jag anmäld till den introducerande målerikursen med Richard Diebenkorn (jag hade ingen aning om vem han var), men han och fakultetsledningen hade vissa problem, och hans tjänst avslutades innan kursen började. Så jag studerade med Richard Joseph, en ny realist, som gav mig en solid grund. Det var inte förrän sex månader senare, när jag arbetade i en mer avancerad måleriklass med Charles Garabedian, som jag började experimentera med abstraktion. Under åren var professorn som troligen hade mest inflytande på mig William Brice. Bill var en mycket artikulerad, värdig, generös, eftertänksam, rolig lärare och vän. Som en hårt arbetande och produktiv konstnär talade han ofta om nödvändigheten av att tillbringa tid i ateljén med att kämpa igenom saker och att allt annat är mindre viktigt. Jag tänker ofta på honom och känner mig så lyckligt lottad att ha känt honom länge. Det tog faktiskt flera år att skilja mig från idén om att vara student och från att höra ljuden av mina gamla professorer i mitt huvud varje gång jag målade, men med tiden har jag fått en klar känsla av vem jag är och det ansvar jag har att skapa verk som uppfyller min vision. Jag ser ofta aspekter av andra konstnärer i mitt arbete, ibland känner jag att det verkligen finns en koppling via samma idéer och andra gånger verkar likheten bara ytlig. I slutändan, låt konstskribenterna prata om influenserna."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Bläck på papper. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) var min lärare i tryckteknik för 25 år sedan. Vi träffades första gången när jag bodde på Fine Arts Work Center i Provincetown där Michael höll en veckolång workshop i tryckteknik. Så många saker sticker ut om vår första kontakt: Michael var en otroligt empatisk och socialt medveten person, inte bara i sitt valda ämnesområde (teckningar och tryck av lidande patienter på en psykiatrisk klinik och djur bakom galler i en djurpark), utan också i våra enskilda samtal om livet. Han lärde mig att vara generös genom exempel som ett sätt att balansera självupptagenheten i ateljén. Det fanns inget om hans teknik eller jakten på en konstnärskarriär som Michael inte skulle dela med sig av. Michael tillbringade tid i Kina under slutet av 80-talet och det var genom hans kärlek till det asiatiska landskapet som jag lärde mig att förenkla mina gester, att måla med en ekonomisk uttrycksform, något jag håller mycket kärt. Jag kommer aldrig glömma hans sinne för humor när han sa till mig, "Tracey, detta är ungepatchke!", ett jiddischord som betyder för upptaget och dekorerat.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafit och bläck på rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nämner sin första inspiration som en akvarell av Paul Cezanne hon såg när hon var 11, vilket lämnade "ett oförglömligt intryck." Hon fortsätter med att säga:

"Min professor, Klaus Stümpel, var så nära naturen att han nästan kallades ’en bonde.’ Han rekommenderade att jag skulle studera Frantisek Kupka. Jag studerade hans process att bli abstrakt och hans kosmiska och mystiska perspektiv. Framför allt lärde jag mig mer än något annat om hans kärlek till livet och hans vilja att behålla sina tankar. När jag kom tillbaka till Korea tänkte jag på Kandinsky igen. Jag tror att hans önskan att hitta objektiv, universell sanning i konsten är en omöjlig utmaning. Jag tror att konst är subjektiv och personlig snarare än något annat. När jag söker min djupaste inre sida kan jag kommunicera med insidan hos andra. Jag tror att konst kan vara ett medium som förbinder mikrokosmos (människan) och makrokosmos (världen). Speciellt är färg ämnet för min forskning. Jag söker färgen som ett adjektiv. Jag gillar Richters inställning till arbete, hans passion för måleri och experimentandets anda. Kanske On Kawara? Jag gillar hans verk, som han ville bevisa var levande, och jag vill bevisa för mig själv genom att arbeta varje dag att jag fortfarande är levande, känslomässigt och förnuftsmässigt. Mina tankar om Wassily Kandinsky och många andra minimalister skiljer sig mycket från det allmänna perspektivet. Jag håller inte med deras konstnärliga synsätt."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Akryl på duk, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nämner influenser som inkluderar konstnärer (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman och Andy Warhol), formgivare (Saul Bass och Roy Kuhlman) och arkitekter (Le Corbusier). Men hon talar också om de personliga sätt på vilka kulturen har påverkat hennes konst, som i följande anekdot:

"Min pappas företag var skyltar. Som de flesta stadsbarn i Amerika växte jag upp i baksätet på en bil, hypermedveten om reklamskyltar och neon. Uppmärksamhetsfångande direkt visuellt stimuli var en del av min psyke. Mycket nyligen besökte jag MoMA i New York och blev återigen slagen av Barnett Newmans målning “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51). Min kroppsliga reaktion på dess kraft, omedelbarhet och enkelhet var överväldigande och bekräftade min egen visuella bakgrund och identitet."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache på handgjort Khadi-papper. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"För mig var det Mondrian. De abstrakta konstnärerna på den tiden arbetade mer konceptuellt med abstraktion, vilket betyder att de gillade idén, medan Mondrian arbetade baklänges genom mekaniken och kom ut på andra sidan och uppfann bildplanet på nytt. Inte många har gjort det sedan dess. Jag började sedan tänka att det måste finnas fler sätt att komma in i detta märkliga rum som Mondrian hade så tydlig kontroll över. [Ellsworth] Kelly och [Robert] Mangold visade andra sätt att uttrycka detta ’andra’ rum. Upplevelsen av dessa konstnärer gav mig utrymme att verkligen uppskatta mina jämlikars ansträngningar och att sträva efter att ta sig förbi nästa gräns."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Akryl på papper. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Jag har älskat och tänkt ofta på Vija Celmins verk. Hennes intensiva observation och lugna utförande är mycket inspirerande för mig. Louise Bourgeois har alltid inspirerat mig med sin beslutsamhet att uttrycka sig i det bästa mediet för sina idéer. En mer uppenbar inspiration skulle vara Agnes Martin, jag älskar hennes självsäkra återhållsamhet, och Mark Rothko för det känslomässiga slag hans verk kan ge."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Tråd, bläck och grafit på papper. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville nämner de tyska blockhusen från andra världskriget som kantar den franska Atlantkusten. Han säger, "De flesta ser dem som fula ärr. I mina ögon var deras substans en del av landskapet, tiden förenade dem med sanden, dynerna och havet eller med målningarna som gatukonstnärer lade på dem." Dessutom påverkades Auville av denna upplevelse från sin ungdom:

"Vid sex eller sju års ålder hade jag privilegiet att besöka Lascaux-grottan i sydvästra Frankrike. Det var en chock för mig. Mina föräldrar köpte några kopior som souvenirer och jag tillbringade timmar med att titta på dem i källaren i vårt hus och undrade vad som gjorde skillnaden mellan bilderna och det verkliga konstverket. Skillnaden var uppenbar, men jag kämpade för att förstå dess substans. Jag tände och släckte ljuset, klistrade sand på bilderna i ett försök att efterlikna substansen i Lascaux-målningarna, men nådde aldrig det jag trodde var deras själ."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmenterad cement på skumpaneler. Strukturell och upphängningsbar ram på baksidan. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan nämner influenser från konstnärer (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) till skivomslagsskapare (Hipgnosis, Peter Saville), till musiker (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Han säger:

"Under åren före min pubertet fick Piet Mondriaans visuella språk mycket uppmärksamhet i Nederländerna. Jag var för ung för att tänka i termer av konst, men Mondriaan fanns där, och det var fascinerande. Och det är det fortfarande! Lite senare lärde jag känna Suprematisterna som, precis som jag, tog geometriska former som utgångspunkt. Eftersom mina systrar är ungefär fem år äldre än jag upptäckte jag (via deras pojkvänner) tidigt i tonåren ’progressiv’ musik och den medföljande omslagsdesignen. Inte förvånande ville jag bli omslagskonstnär. Om jag var tvungen att välja en visuell konstnär som förändrade mitt sätt att se på saker, skulle det vara Ellsworth Kelly. I mitten av 80-talet köpte Stedelijk Museum i Amsterdam ”Blue Curve VI” (1982). Jag gick regelbundet för att titta på den och studerade det visuella språket. Men nu, kanske viktigare, styrs jag också av min egen reaktion på konst...Jag började tänka på konst...syftet, meningen, åh herregud."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD-bläck på Hannemuhle-papper. 29,7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Josef Albers läror påverkar hur jag tänker på att placera färger i olika sammanhang. Och James Turrells skyspaces påverkade hur jag tänker på att placera atmosfärisk färg i olika sammanhang. Generellt är den övergripande estetiken i mina Paper Skies och Moving Pictures-serier starkt påverkad av moderna amerikanska målare som Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc."

Brenda Biondo -Paper Sky nr 21 (Stor), 2015. Sublimeringstryck på aluminium (matt/glansig finish). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Jag upptäckte, för mer än 20 år sedan, kapellet i Ronchamp, ett sent verk av arkitekten Charles Edouard Jeanneret, känd som Le Corbusier. Jag kände inte, varken före eller efter, en sådan uppfattning om riktigheten i möjligheterna mellan massivt och höjd. Då började för mig denna långa sökning, som fortfarande när mig idag, med målet att närma mig den mest lämpliga relationen mellan fullt och tomt."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum och torrnål på koppar. Tryck på bfk rives-papper 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Jag skulle vilja prata om konstnären som har inspirerat mig i årtionden, mer än någon annan konstnär: Matisse, en konstnär man kan studera hela livet. Hans verk tog så många vägar på grund av hans experimenterande och undersökning av nya möjligheter med måleri. De är vackra, upplyftande, komplexa, ibland ljuvliga och fridfulla, ibland svåra och utmanande—reflekterande över hur livet är."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarell på papper. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

Istället för att lista sina influenser nämner Cantrick de konstnärer vars verk intresserar henne mest, oavsett om det finns någon direkt koppling till hennes eget arbete. Hennes korta lista för modern och samtida:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé och Per Kirkeby. Det är en eklektisk och inte uttömmande lista, men vad de har gemensamt är klarhet, komplexitet och vitalitet – vilket är mina egna bekymmer – uttryckt genom stark färg och struktur, distinkta former och ett grunt målningsutrymme. För förmodern är Vermeer, Degas och Manet högst upp på min lista, för, återigen, den där trion av egenskaper: klarhet, komplexitet, vitalitet. Dessutom: Spänningen i Vermeers solida återgivning förmedlar en otroligt påtaglig stillhet – tidens upphängning. Degas särskilda sätt att markera sitt utrymme med "tysta", oanimerade områden och/eller ett starkt vertikalt element främjar långvarig, rytmisk betraktning. Och det finns en omedelbarhet och fräschör i Manet som, bortsett från all annan mästerskap, är fängslande när den är som bäst."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl på linne. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"I mitt fall påverkades jag inte av en enskild konstnär, utan snarare av den konstnärliga gemenskapen där jag växte upp i Chicago. Det fanns konstnärer överallt i mitt kvarter, kallat Lincoln Park-området eller Old Town, och när jag som förtonåring visade intresse för teckning uppmuntrades jag att gå på skolan som är knuten till det fantastiska Art Institute of Chicago för figurteckning. Där fick jag gå direkt genom museet med dess berömda impressionistsamling för att komma in på skolan. Jag tror att det i grunden formade mitt intresse för linje, gest och färg."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olja på duk. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Min konstnärliga [Lineage] finns hos konstnärer som kombinerar ett "reducerande" tillvägagångssätt för bild-/objektframställning med en uppmärksamhet på yta och subtila detaljer. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros och Sol Lewitt dyker upp i tankarna. Dessutom fortsätter det skulpturala arbetet av Richard Serra, Carl Andre och Fred Sandback, med deras särskilda användning av tredimensionellt utrymme, att inspirera mitt sätt att måla."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryl på duk. 122 x 96,9 cm