18 Samtida Abstrakta Konstnärer Öppnar Upp Om Sin Härkomst

Det är farligt och omöjligt att undervisa i konst. Ändå är det också nödvändigt. För att konsten ska existera måste konstnärer lära sig hur de ska bli vad de nu ska bli, och hur de ska skapa vad de nu ska skapa. Vissa kommer att lära sig i skolan, av andra bristfälliga människor som de själva, som av olika anledningar har tagit på sig den farliga, omöjliga, nödvändiga uppgiften att dela med sig av vad de har lärt sig. Andra konstnärer kommer att hitta lärare utanför klassrummet. De kan lära sig vad det innebär att vara konstnär genom att umgås med andra konstnärer på vernissager eller i barer. De kan lära sig vad det innebär att skapa konst genom att titta på videor online, eller genom att dekonstruera den konst de ser på museer eller i böcker. Vissa konstnärer kan lära sig själva vad de är genom att följa den inspiration de får från arkitektur och design, genom att helt enkelt reagera på de tankar och känslor de upplever när de interagerar med den vardagliga byggda miljön och dess otaliga produkter och utrymmen. Ännu fler kan lära sig hur man är konstnär helt enkelt genom att omfamna – och sedan vårda – sin inre drivkraft att skapa. Processen att skapa kan lära oss hur man skapar. Processen att vara kan lära oss vad vi vill vara. I slutändan kommer alla som tar sig igenom lärandeprocessen till det ögonblick då de kan säga frasen, "Jag är en konstnär," utan att känna att det är en lögn, att ha en historia att berätta om sina lärare. Idag presenterar vi en samling av sådana berättelser från konstnärer som är tillräckligt modiga för att dela med sig av sina lärande linjer. De är modiga eftersom att tillkännage sitt estetiska eller konceptuella arv utsätter dem för ett fruktansvärt hot. Du, läsaren, kanske inser att en konstnär var elev till en annan konstnär, eller blev inspirerad av detta eller det där, och misstar det för en genväg. Du kanske säger, "Aha! Nu ser jag vem de kopierar," eller, "Nu förstår jag deras konst!" Istället, när du läser dessa anekdoter om hur dessa 18 konstnärer blev vad de är, låt informationen utvidga din uppfattning. Följ varje tråd och gräv djupare. Du kanske får en glimt av den farliga, omöjliga, nödvändiga skönheten i vad det verkligen innebär att undervisa och lära sig konst.

Anya Spielman

Spielman var en student till Wayne Thiebauld under sin tid vid University of California i Davis. Om sina andra lärare säger hon:

"En stor påverkan för mig var att se Hieronymus Boschs triptyk, "Jordens lustgård" på Prado när jag var tonåring. Jag blev överväldigad av ikonografin såväl som de ljuva färgerna och de intrikata kompositionerna i hans verk. Jag reagerade omedelbart på dualiteten i Boschs arbete: hans skarpa och upplysta palett: nyanser av bläcksvart, umbra, blekrosa, ben, vermiljon och azurit; kurvorna av hans genomskinliga njutningskapslar i Eden i kontrast med den genomborrande psykologiska och fysiska nedstigningen i en hallucinerande helvetesvärld. Boschs visionära geni skildrade mänsklig natur i alla dess former, med en direkt intimitet och kraft som jag finner otroligt sällsynt även idag."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olja på panel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studerade med Louis Finkelstein medan hon var doktorand vid Queens College, City University of New York. Vid samma skola studerade hon med Benny Andrews, som utbildade sig som en abstrakt expressionist vid School of the Art Institute of Chicago på 1950-talet; Clinton Hill, som var studioassistent till Mark Rothko; konstkritikern och Artforum Associate Editor Robert Pincus-Witten, som hon säger "hjälpte min kritiska blick;" och Charles Cajori, som var student till Hans Hoffman. Säger Sirlin:

"[Lineage] är verkligen en komplicerad fråga. Kopplingarna till konstnärer går också sidledes. Anne Truitt var viktig för mig när jag var en ung konstnär på Yaddo. Melissa Meyer var också där den sommaren [1983]. Erin Lawlor var min studio-kompis på The Rothko Centre i Lettland. Jose Heerkins var på Rothko Centre samtidigt som oss [2016]. Kara Walker var student när jag undervisade på The Atlanta College of Art och Kara och jag ställde ut på samma Atlanta Biennial 1992. Sedan finns det andra konstnärer—författare och dramatiker. Hayden Herrera [biograf över Frieda Kahlo och Arshile Gorky] var min mentor som konstskribent. Chris Kraus [I Love Dick] och jag var på Yaddo tillsammans... Jag var en nära vän till dramatikern Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Han var manusförfattare för Warhol... Jag hoppas att jag inte förvirrade saker för dig i detta ytterligare svar."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Blandteknik på duk. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"När jag först började måla, var jag mest påverkad av Picasso. Jag drogs till hans användning av färg och märke, särskilt i "Flicka framför en spegel" (1932). Senare, när jag började måla mer på ett abstrakt expressionistiskt sätt, drogs jag mer till Joan Mitchell och Willem De Kooning. Men jag började verkligen titta på deras arbete efter att jag hade målat på detta sätt, inte innan."

Brenda Zappitell - Just nu, 2017. Flashe och akryl med kallvax på panel. 127 x 127 cm

Daniel Götin

I en intervju 2006 för Minus Space NY frågade målaren Chris Ashley Göttin var han börjar som konstnär. Göttin svarade:

"Konsthistorien låtsas ibland att en viss konstnärlig rörelse är en komplett enhet. Att använda termen "konkret" sammanfaller inte nödvändigtvis med den ideologiska bakgrunden av Konkrete Kunst, som också var baserad på idéer om samhälle och politik. Min oro handlar om en enhet som också kan inkludera motsägelser—ett ja och ett nej, och till och med ett kanske. Min utgångspunkt är en syntes av olika synsätt eller positioner samtidigt, vilket för mig är en spatial syn. Det kan vara uppenbart eller subtilt, symmetriskt eller asymmetriskt eller båda tillsammans, med eller utan motsägelse. Det kan vara regel och avvikelse tillsammans. Några av de tidigare verk jag gjorde var collage relaterade till Kurt Schwitters arbete (Merz), vilket var material som hittades och grovt limmades på en bit kartong—fysiskt, direkt, improviserat, slumpmässigt, färgglatt, till och med dadaistiskt. Senare blev jag intresserad av Minimal Art, där konstverket ofta är noggrant planerat, och perfekt och tydligt konstruerat med en definierad användning av material och uppmärksamhet på detaljer. Båda rörelserna är viktiga för mig, och ibland ser jag mitt arbete bära delar av båda, som korresponderar mellan dessa två konsthistoriska positioner."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Akryl på pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Pallets

"Det är ganska svårt att förstå sina influenser, åtminstone för mig, eftersom jag arbetar mycket utifrån intuition och inte så mycket från medvetenhet. Jag tror att mina formativa år som konststudent vid UCLA (BA 74, MFA 77) utgjorde en stor del av vem jag är. På den tiden var UCLA verkligen en målarutbildning med en europeisk/modernistisk lutning. För min första målningskurs var jag anmäld till den introducerande målningskursen med Richard Diebenkorn (jag hade ingen aning om vem han var), men han och fakultetsledningen hade några problem, och hans tjänst avslutades innan kursen började. Så jag studerade med Richard Joseph, en ny realist, som gav mig en solid grund. Det var inte förrän sex månader senare, när jag arbetade i en mer avancerad målningskurs med Charles Garabedian, som jag började experimentera med abstraktion. Under åren var professorn som troligen hade mest inflytande på mig William Brice. Bill var en mycket vältalig, värdig, generös, eftertänksam, rolig lärare och vän. Som en hårt arbetande, produktiv konstnär talade han ofta om nödvändigheten av att spendera tid i studion och bearbeta saker, och allt annat är mindre viktigt. Jag tänker ofta på honom och känner mig så lycklig att jag har känt honom under en lång tid. Det tog ett antal år att separera mig från idén om att vara student och från att höra ljuden av mina gamla professorer i mitt huvud varje gång jag målade, men med tiden har jag fått en klar känsla av vem jag är och det ansvar jag har att skapa verk som uppfyller min vision. Jag ser ofta aspekter av andra konstnärer i mitt arbete, ibland känner jag att det verkligen finns en koppling via samma idéer och andra gånger verkar det bara som att likheten är ytlig. I slutändan, låt konstskribenterna prata om influenser."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Bläck på papper. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) var min grafiska lärare för 25 år sedan. Vi träffades första gången när jag bodde på Fine Arts Work Center i Provincetown där Michael höll en veckolång workshop om grafisk konst. Så många saker står ut om vår första kontakt: Michael var en otroligt empatisk och socialt medveten person, inte bara i sitt valda ämnesområde (teckningar och tryck av lidande patienter på ett psykiatriskt sjukhus och djur bakom galler i en djurpark), utan också i våra enskilda samtal om livet. Han lärde mig att vara generös genom exempel som ett sätt att balansera självupptagenheten i ateljén. Det fanns inget om hans teknik eller strävan efter en konstkarriär som Michael inte skulle dela med sig av. Michael tillbringade tid i Kina under slutet av 80-talet och det var genom hans kärlek till det asiatiska landskapet som jag lärde mig att förenkla mina gester, att måla med en ekonomi av uttryck, något jag håller mycket kärt. Jag kommer aldrig att glömma hans sinne för humor när han sa till mig, "Tracey, detta är ungepatchke!", ett jiddischord som betyder för upptagen och dekorerad."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafit och bläck på rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nämner sin första inspiration som en akvarell av Paul Cezanne som hon såg när hon var 11, vilket gav "ett oförglömligt intryck." Hon fortsätter med att säga:

"Min professor, Klaus Stümpel, var tillräckligt nära naturen för att han nästan fick smeknamnet 'en bonde.' Han rekommenderade att jag skulle studera Frantisek Kupka. Jag studerade hans process av att bli abstrakt och hans kosmiska och mystiska perspektiv. Framför allt lärde jag mig mer än något annat om hans kärlek till livet och hans vilja att behålla sina tankar. När jag kom tillbaka till Korea tänkte jag på Kandinsky igen. Jag tycker att hans önskan att hitta objektiv, universell sanning i konsten är en omöjlig utmaning. Jag tycker att konst är subjektiv och personlig snarare än något annat. När jag söker min djupaste inre sida kan jag kommunicera med andras inre. Jag tycker att konst kan vara ett medium som kopplar samman mikrocosmos (människa) och makrocosmos (värld). Särskilt färg är ämnet för min forskning. Jag letar efter färgen som ett adjektiv. Jag gillar Richters inställning till arbete, hans passion för målning och experimentandets anda. Kanske On Kawara? Jag gillar hans arbete, som han ville bevisa att han var vid liv, och jag vill bevisa för mig själv genom att arbeta varje dag att jag fortfarande är vid liv, känslomässigt och förnuftigt. Mina tankar om Wassily Kandinsky och många andra Minimalister är mycket olika från det allmänna perspektivet. Jag håller inte med deras konstnärliga synpunkt."

Kyong Lee - Bild med vitt, 2008. Akryl på duk, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nämner influenser som inkluderar konstnärer (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman och Andy Warhol), designers (Saul Bass och Roy Kuhlman) och arkitekter (Le Corbusier). Men hon talar också om de personliga sätt på vilka kulturen har påverkat hennes konst, som i följande anekdot:

"Min pappas företag var skyltar. Som de flesta stadsbarn i Amerika växte jag upp i baksätet av en bil, hypermedveten om reklamskyltar och neonskyltar. Uppmärksamhetsfångande direkt visuell stimulans var en del av min psyke. Nyligen besökte jag MoMA i New York och blev återigen slagen av Barnett Newmans målning "Vir Heroicus Sublimis" (Mannen, Heroisk och Sublim) (1950-51). Min kroppsliga reaktion på dess kraft, omedelbarhet och enkelhet var överväldigande, vilket bekräftade min egen visuella historia och identitet."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache på handgjort Khadi-papper. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"För mig var det Mondrian. De abstrakta konstnärerna från den tiden arbetade mer konceptuellt med abstraktion, vilket betyder att de gillade idén om det, medan Mondrian arbetade bakåt genom mekaniken och kom ut i andra änden och återuppfann bildplanet. Inte många har gjort det sedan dess. Jag började tänka att det måste finnas fler sätt att komma in i det här konstiga rummet som Mondrian hade så klart grepp om. [Ellsworth] Kelly och [Robert] Mangold visade andra sätt att uttrycka detta 'andra' rum. Erfarenheten av dessa konstnärer gav mig utrymme att verkligen uppskatta mina kamraters strävanden, och att sträva efter att ta mig igenom nästa kuvert."

Brent Hallard - Moln, 2013. Akryl på papper. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Jag har älskat och ofta tänkt på Vija Celmins arbete. Hennes intensiva observation och lugna utförande är mycket inspirerande för mig. Louise Bourgeois har alltid inspirerat mig med sin beslutsamhet att uttrycka sig i det bästa mediet för sina idéer. En mer uppenbar inspiration skulle vara Agnes Martin, jag älskar hennes självsäkra återhållsamhet, och Mark Rothko för den känslomässiga kraft hans arbete kan ha."

Audrey Stone -Nr. 61, 2011. Tråd, bläck och grafit på papper. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville nämner de tyska blockhusen från andra världskriget som kantar den franska atlantkusten. Han säger: "De flesta människor ser dem som fula ärr. I mina ögon var deras substans en del av landskapet, tiden smälte samman dem med sanden, dynerna och havet eller med de målningar som gatukonstnärer lade på dem." Dessutom påverkades Auville av denna upplevelse från sin ungdom:

"Vid sex eller sju års ålder hade jag privilegiet att besöka Lascauxgrottan i sydvästra Frankrike. Det var en chock för mig. Mina föräldrar köpte några facsimiler som souvenirer och jag tillbringade timmar med att titta på dem i källaren i vårt hus och undrade vad som gjorde skillnaden mellan bilderna och det verkliga konstverket. Skillnaden var uppenbar, men jag kämpade för att förstå dess substans. Jag tände och släckte lampan, klistrade sand på bilderna i ett försök att återskapa substansen i Lascaux-målningarna, men nådde aldrig vad jag trodde var deras själ."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmenterat cement på skumpaneler. Strukturell och hängande ram på baksidan. 120 x 120 x 6 cm

Luke de Haan

De Haan nämner influenser som sträcker sig från konstnärer (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) till albumdesigners (Hipgnosis, Peter Saville), till musiker (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Han säger:

"Under åren före min pubertet fick Piet Mondriaans visuella språk mycket uppmärksamhet i Nederländerna. Jag var för ung för att tänka i termer av konst, men Mondriaan var bara där, och det var fascinerande. Och det är det fortfarande! Lite senare lärde jag känna Suprematister som, precis som jag, tog geometriska former som utgångspunkt. Eftersom mina systrar är ungefär fem år äldre än jag upptäckte jag (via deras pojkvänner) tidigt i tonåren 'progressiv' musik och den tillhörande omslagsdesignen. Inte överraskande ville jag bli omslagskonstnär. Om jag var tvungen att välja en visuell konstnär som förändrade mitt sätt att se på saker, skulle det vara Ellsworth Kelly. I mitten av 80-talet köpte Stedelijk Museum i Amsterdam "Blue Curve VI" (1982). Jag gick regelbundet för att titta på den och studerade det visuella språket. Men nu, kanske viktigare, leds jag också av min egen reaktion på konsten... Jag började tänka på konst... syftet, betydelsen, åh min."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD bläck på Hannemuhle-papper. 29,7 x 21 cm

Brenda Blonde

"Josef Albers läror påverkar hur jag tänker på att sätta färger i olika sammanhang. Och James Turrells skyspaces har påverkat hur jag tänker på att sätta atmosfärisk färg i olika sammanhang. Generellt är den övergripande estetiken i mina Paper Skies och Moving Pictures-serier starkt påverkad av moderna amerikanska målare som Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella, etc."

Brenda Biondo -Paper Sky nr 21 (Stort), 2015. Färgsublimeringsutskrift på aluminium (matta/lystrande yta). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Jag upptäckte, för mer än 20 år sedan, kapellet i Ronchamp, ett sent verk av arkitekten Charles Edouard Jeanneret, känd som Le Corbusier. Jag kände varken före eller efter en sådan uppfattning om korrektheten i möjligheterna mellan massivitet och höjd. Då började för mig denna långa sökande, som fortfarande ger mig näring idag, med målet att närma mig den mest lämpliga relationen mellan fullt och tomt."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborundum och torrpunkt på koppar. Tryck på bfk rives papper 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Jag skulle vilja prata om den konstnär som har inspirerat mig i årtionden, mer än någon annan konstnär: Matisse, en konstnär man skulle kunna studera en livstid. Hans verk tog så många vägar på grund av hans experimenterande och undersökning av nya möjligheter med måleri. De är vackra, upplyftande, komplexa, ibland underbara och lugna, ibland svåra och utmanande—reflekterande av hur livet är."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarell på papper. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

Istället för att lista sina influenser, Cantrick nämner de konstnärer vars arbete intresserar henne mest, oavsett om det finns någon direkt koppling till hennes eget arbete. Hennes korta lista för modern och samtida:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé och Per Kirkeby. Det är en eklektisk och inte uttömmande lista, men vad de har gemensamt är klarhet, komplexitet och livskraft—vilket är mina egna bekymmer—uttryckt genom stark färg och struktur, distinkta former och ett grunt målningsutrymme. För pre-moderna är Vermeer, Degas och Manet högst upp på min lista, för, återigen, den trion av egenskaper: klarhet, komplexitet, livskraft. Dessutom: Spänningen i Vermeers solida återgivning förmedlar en otroligt påtaglig stillhet—tidsupphållet. Degas särskilda sätt att punktuera sitt utrymme med "tysta", oanimera områden och/eller ett starkt vertikalt element främjar förlängd, rytmisk betraktelse. Och det finns en omedelbarhet och fräschör i Manet som, bortsett från all annan mästerlighet, är, i sitt bästa, fängslande."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl på linne. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"I mitt fall blev jag inte påverkad av en specifik konstnär, utan snarare av den konstnärliga gemenskapen där jag växte upp i Chicago. Det fanns konstnärer överallt i mitt grannskap, som kallas Lincoln Park-området eller Old Town, och när jag visade intresse för att rita som pre-teen, blev jag uppmuntrad att gå till skolan kopplad till det underbara Art Institute of Chicago för figurteckning. Där fick jag gå direkt genom museet med sin berömda impressionistiska samling för att komma in i skolan. Jag tror att det i grunden formade mitt intresse för linje, gest och färg."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olja på duk. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Min konstnärliga härkomst finns hos konstnärer som kombinerar en "reducerande" metod för bild-/objektframställning med en uppmärksamhet på yta och subtila detaljer. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros och Sol Lewitt kommer att tänka på. Dessutom fortsätter det skulpturala arbetet av Richard Serra, Carl Andre och Fred Sandback, med deras särskilda användning av tredimensionellt utrymme, att inspirera min metod för måleri."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryl på duk. 122 x 96,9 cm