18 Samtida Abstrakta Konstnärer Öppnar Upp Om Sin Härkomst

Det är farligt och omöjligt att undervisa i konst. Ändå är det också absolut nödvändigt. För att konst ska existera måste konstnärer lära sig att bli vad det nu är de kommer att bli och att skapa vad det nu är de kommer att skapa. Vissa lär sig i skolan, av andra bristfälliga människor som de själva, vilka av någon anledning har tagit på sig den farliga, omöjliga och nödvändiga uppgiften att dela med sig till andra av vad det nu är de har lärt sig. Andra konstnärer hittar lärare utanför klassrummet. De kanske lär sig vad det innebär att vara konstnär genom att umgås med andra konstnärer på vernissager eller barer. De kanske lär sig vad det innebär att skapa konst genom att titta på videor på nätet eller genom att dekonstruera den konst de ser på museer eller i böcker. Vissa konstnärer kanske lär sig själva vad de är genom att följa den inspiration de får från arkitektur och design, genom att helt enkelt reagera på de tankar och känslor de upplever när de interagerar med den vardagliga byggda miljön och dess oräkneliga produkter och platser. Ytterligare andra kanske lär sig att vara konstnärer helt enkelt genom att bejaka - och sedan ge näring åt - sin inre drift att skapa. Själva skapandeprocessen kan lära oss hur vi ska skapa. Processen att vara kan lära oss vad vi vill vara. I slutändan kommer alla som tar sig genom lärandeprocessen till det ögonblick då de kan säga frasen ”Jag är konstnär” utan att känna att det är en lögn, att ha en berättelse att berätta om sina lärare. I dag ger vi er en samling sådana berättelser från konstnärer som är modiga nog att dela med sig av sina lärandetraditioner. De är modiga eftersom ett tillkännagivande av deras estetiska eller konceptuella arv utsätter dem för ett fruktansvärt hot. Du som läsare kanske inser att en konstnär var elev till en annan konstnär eller inspirerades av det ena eller andra, och misstar det för en genväg. Du kanske säger: ”Aha! Nu ser jag vem de kopierar” eller ”Nu förstår jag deras konst!” Låt i stället informationen vidga din uppfattning när du läser dessa berättelser om hur dessa 18 konstnärer blev det de är. Följ varje tråd och gräv djupare. Du kanske får en glimt av den farliga, omöjliga och nödvändiga skönheten i vad det verkligen innebär att undervisa i och lära sig konst.

Anya Spielman

Spielman var student till Wayne Thiebaud vid University of California at Davis. Om sina andra lärare säger hon:

"Ett stort inflytande på mig var att se Hieronymus Boschs triptyk ”Lustarnas trädgård” på Prado när jag var tonåring. Jag blev överväldigad av både ikonografin och de mustiga färgerna samt de intrikata kompositionerna i hans verk. Jag reagerade omedelbart på dualiteten i Boschs verk: hans skarpa och lysande palett: nyanser av bläcksvart, umbra, blekrosa, benvitt, cinnoberrött och azurit; kurvorna hos hans genomskinliga lustkapslar i Eden, ställda mot den genomträngande psykologiska och fysiska nedstigningen till ett hallucinerande helvete. Boschs visionära geni gestaltar den mänskliga naturen i alla dess former, med en direkt närhet och kraft som jag finner otroligt sällsynt än i dag."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olja på panel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studerade för Louis Finkelstein när hon var doktorand vid Queens College, City University of New York. På samma skola studerade hon för Benny Andrews, som utbildade sig till abstrakt expressionist vid School of the Art Institute of Chicago på 1950-talet; Clinton Hill, som var ateljéassistent åt Mark Rothko; konstkritikern och Artforum Associate Editor Robert Pincus-Witten, som hon säger ”hjälpte mig att utveckla mitt kritiska öga”; samt Charles Cajori, som var elev till Hans Hofmann. Sirlin säger:

"[Lineage] är verkligen en komplicerad fråga. Kopplingarna till konstnärer går också på kryss och tvärs. Anne Truitt var viktig för mig när jag var en ung konstnär på Yaddo. Melissa Meyer var också där den sommaren [1983]. Erin Lawlor var min ateljékamrat på The Rothko Centre i Lettland. Jose Heerkens var på Rothko Centre samtidigt som vi [2016]. Kara Walker var student när jag undervisade vid The Atlanta College of Art, och Kara och jag ställde ut på samma Atlanta-biennal 1992. Sedan finns det andra konstnärer - författare och dramatiker. Hayden Herrera [biograf över Frida Kahlo och Arshile Gorky] var min mentor som konstskribent. Chris Kraus [I Love Dick] och jag var på Yaddo tillsammans... Jag var nära vän med dramatikern Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Han var manusförfattare åt Warhol... Jag hoppas att jag inte förvirrade dig med detta kompletterande svar."

Deanna Sirlin - Förundran, 2015. Blandteknik på duk. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

”När jag började måla var jag starkast influerad av Picasso. Jag drogs till hans användning av färg och hans sätt att skapa märken, särskilt i ”Flicka framför spegel” (1932). Senare, när jag började måla mer i en abstrakt expressionistisk stil, drogs jag mer till Joan Mitchell och Willem De Kooning. Jag började dock verkligen titta på deras verk först efter att jag hade börjat måla på det här sättet, inte innan.”

Brenda Zappitell - Just nu, 2017. Flashe och akryl med kallvax på pannå. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

I en intervju från 2006 för Minus Space NY frågade målaren Chris Ashley Göttin var han börjar som konstnär. Göttin svarade:

Konsthistorien låtsas ibland att en viss konstriktning är en komplett enhet. Att använda termen ”konkret” sammanfaller inte nödvändigtvis med den ideologiska bakgrunden till Konkrete Kunst, som också byggde på idéer om samhälle och politik. Jag intresserar mig för en enhet som även kan rymma motsägelser - ett ja och ett nej, och till och med ett kanske. Min utgångspunkt är en syntes av olika synsätt eller ståndpunkter samtidigt, vilket för mig är ett rumsligt synsätt. Den kan vara uppenbar eller subtil, symmetrisk eller asymmetrisk eller bådadera, med eller utan motsägelse. Den kan vara regel och avvikelse på samma gång. Några av de tidigare verk jag gjorde var kollage med koppling till Kurt Schwitters verk (Merz), där funnet material grovt limmades fast på en kartongbit - fysiskt, direkt, improviserat, slumpmässigt, färgstarkt, till och med dadaistiskt. Senare blev jag intresserad av minimalismen, där konstverket ofta är noggrant planerat och perfekt och tydligt konstruerat, med en definierad användning av material och uppmärksamhet på detaljer. Båda riktningarna är viktiga för mig, och ibland tycker jag mig se att mitt arbete bär delar av båda och befinner sig någonstans mellan dessa två konsthistoriska ståndpunkter.

Daniel Göttin - Untitled 2 (Rosa), 1992. Akryl på pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Det är ganska svårt att förstå sina influenser, åtminstone för mig, eftersom jag till stor del arbetar utifrån intuition och inte så mycket utifrån medvetenhet. Jag tror verkligen att mina formativa år som konststudent vid UCLA (BA 74, MFA 77) utgjorde en stor del av den jag är. På den tiden var UCLA i hög grad en målarskola med europeisk/modernistisk inriktning. Till min första målarkurs var jag anmäld till introduktionskursen med Richard Diebenkorn (jag hade ingen aning om vem han var), men han och fakultetsledningen hade vissa problem, och hans tjänst avslutades innan kursen började. Så jag studerade för Richard Joseph, en nyrealist, som gav mig en stabil grund. Det var inte förrän sex månader senare, när jag arbetade i en mer avancerad målarkurs med Charles Garabedian, som jag började experimentera med abstraktion. Under årens lopp var den professor som förmodligen hade störst inflytande på mig William Brice. Bill var en mycket vältalig, värdig, generös, eftertänksam och rolig lärare och vän. Som en hårt arbetande och produktiv konstnär talade han ofta om nödvändigheten av att tillbringa tid i ateljén med att arbeta sig igenom saker, och att allt annat är mindre viktigt. Jag tänker ofta på honom och känner mig så lyckligt lottad som fick känna honom under så lång tid. Det tog faktiskt flera år att frigöra mig från tanken på att vara student och från att höra ljudet av mina gamla professorer i huvudet varje gång jag målade, men med tiden har jag fått en tydlig känsla för vem jag är och vilket ansvar jag har att skapa verk som förverkligar min vision. Jag ser ofta aspekter av andra konstnärer i mina verk, ibland med känslan av att det verkligen finns en koppling genom samma idéer, och andra gånger verkar det bara som att varje likhet är ytlig. I slutändan får konstskribenterna tala om influenserna."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Bläck på papper. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) var min lärare i grafik för 25 år sedan. Vi träffades första gången när jag bodde på Fine Arts Work Center i Provincetown, där Michael höll en veckolång workshop i grafik. Så mycket från vår första kontakt har stannat kvar: Michael var en otroligt empatisk och socialt medveten person, inte bara i sina val av motiv (teckningar och tryck av lidande patienter på ett psykiatriskt sjukhus och djur bakom galler i en djurpark), utan också i våra enskilda samtal om livet. Genom sitt exempel lärde han mig att vara generös som ett sätt att balansera självupptagenheten i ateljén. Det fanns ingenting kring hans teknik eller strävan efter en konstnärlig karriär som Michael inte ville dela med sig av. Michael tillbringade tid i Kina i slutet av 80-talet, och genom hans kärlek till det asiatiska landskapet lärde jag mig att förenkla mina gester och måla med ett sparsamt uttryck, något som ligger mig mycket varmt om hjärtat. Jag kommer aldrig att glömma hans humor när han brukade säga till mig: ”Tracey, this is ungepatchke!”, ett jiddischt ord som betyder överlastat och överdekorerat."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafit och bläck på Rives-papper. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nämner en akvarell av Paul Cezanne som hon såg när hon var 11 år som sin första inspiration; den lämnade ”ett oförglömligt intryck”. Hon fortsätter:

"Min professor Klaus Stümpel stod naturen så nära att han nästan fick smeknamnet ”en bonde”. Han rekommenderade att jag studerade Frantisek Kupka. Jag studerade hans process att abstrahera och hans kosmiska och mystiska perspektiv. Framför allt lärde jag mig mer än något annat om hans kärlek till livet och hans vilja att hålla fast vid sina tankar. När jag kom tillbaka till Korea tänkte jag åter på Kandinsky. Jag tycker att hans önskan att finna objektiv, universell sanning i konsten är en omöjlig utmaning. Jag tycker att konst är subjektiv och personlig snarare än något annat. När jag söker mig till mitt djupaste inre kan jag kommunicera med andras inre. Jag tror att konsten kan vara ett medium som förbinder mikrokosmos (människan) med makrokosmos (världen). Särskilt färg är föremålet för min forskning. Jag söker färgen som adjektiv. Jag tycker om Richters inställning till arbetet, hans passion för måleriet och experimentlustan. Kanske On Kawara? Jag tycker om hans verk, som han ville bevisa var levande, och genom att arbeta varje dag vill jag bevisa för mig själv att jag fortfarande lever, känslomässigt och sensuellt. Mina tankar om Wassily Kandinsky och många andra minimalister skiljer sig mycket från det allmänna perspektivet. Jag håller inte med om deras konstnärliga synsätt."

Kyong Lee - Bild med vitt, 2008. Akryl på duk, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nämner influenser som omfattar konstnärer (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman och Andy Warhol), formgivare (Saul Bass och Roy Kuhlman) samt arkitekter (Le Corbusier). Men hon talar också om de personliga sätt på vilka kulturen har påverkat hennes konst, som i följande anekdot:

"Min pappas verksamhet bestod av skyltning. Precis som de flesta stadsbarn i USA växte jag upp i baksätet på en bil, hypermedveten om reklamskyltar och neonljus. Direkt visuellt stimuli som fångade uppmärksamheten var en del av mitt psyke. Helt nyligen besökte jag MoMA i New York och slogs återigen av Barnett Newmans målning "Vir Heroicus Sublimis" (Mänsklig, heroisk och sublim) (1950-51). Min kroppsliga reaktion på dess kraft, omedelbarhet och enkelhet var överväldigande och bekräftade återigen mitt eget visuella förflutna och min identitet."

Joanne Freeman - Covers 13-Lila, 2014. Gouache på handgjort khadipapper. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"För mig var det Mondrian. De abstrakta konstnärerna på den tiden arbetade mer konceptuellt med abstraktion, vilket innebar att de tyckte om idén med den, medan Mondrian arbetade baklänges genom mekaniken och kom ut på andra sidan med ett nyuppfunnet bildplan. Inte många har gjort det sedan dess. Sedan började jag tänka att det måste finnas fler sätt att ta sig in i detta märkliga rum som Mondrian hade ett så tydligt grepp om. [Ellsworth] Kelly och [Robert] Mangold visade andra sätt att uttrycka detta "andra" rum. Dessa konstnärers erfarenheter gav mig utrymme att verkligen uppskatta mina kollegors strävanden och att försöka ta mig förbi nästa gräns."

Brent Hallard - Moln, 2013. Akryl på papper. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Jag har älskat och ofta tänkt på Vija Celmins verk. Hennes intensiva iakttagelse och lugna utförande är mycket inspirerande för mig. Louise Bourgeois har alltid inspirerat mig genom sin beslutsamhet att uttrycka sig i det bästa mediet för sina idéer. En mer uppenbar inspirationskälla är Agnes Martin - jag älskar hennes självsäkra återhållsamhet - och Mark Rothko för den känslomässiga kraft hans verk kan frambringa."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Tråd, bläck och grafit på papper. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville nämner de tyska blockhusen från andra världskriget som kantar den franska Atlantkusten. Han säger: ”De flesta betraktar dem som fula ärr. I mina ögon var deras substans en del av landskapet; tiden förenade dem med sanden, dynerna och havet eller med de målningar som gatukonstnärer hade målat på dem.” Dessutom påverkades Auville av denna upplevelse från sin ungdom:

"När jag var sex eller sju år gammal hade jag förmånen att besöka Lascauxgrottan i sydvästra Frankrike. Det var en chock för mig. Mina föräldrar köpte några faksimiler som souvenirer, och jag tillbringade timmar med att titta på dem i källaren i vårt hus och undrade vad som gjorde skillnaden mellan bilderna och de verkliga konstverken. Skillnaden var uppenbar, men jag kämpade med att förstå vad den bestod i. Jag tände och släckte lampan, klistrade sand på bilderna i ett försök att återskapa Lascauxmålningarnas substans, men nådde aldrig det jag uppfattade som deras själ."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmenterad cement på skumpaneler. Konstruktion och upphängningsram på baksidan. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan nämner influenser från konstnärer (Piet Mondriaan, Kazimir Malevitj, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly), skivomslagsdesigners (Hipgnosis, Peter Saville) och musiker (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Han säger:

"Under åren före puberteten fick Piet Mondriaans visuella språk stor uppmärksamhet i Nederländerna. Jag var för ung för att tänka i konstnärliga termer, men Mondriaan fanns bara där, och det var fascinerande. Och det är det fortfarande! Lite senare lärde jag känna suprematisterna, som liksom jag utgick från geometriska former. Eftersom mina systrar är ungefär fem år äldre än jag upptäckte jag tidigt under tonåren, via deras pojkvänner, ”progressiv” musik och det tillhörande omslagsformatet. Föga förvånande ville jag bli omslagsdesigner. Om jag skulle välja en enda bildkonstnär som förändrade mitt sätt att se på saker, skulle det vara Ellsworth Kelly. I mitten av 80-talet köpte Stedelijk Museum i Amsterdam ”Blue Curve VI” (1982). Jag gick regelbundet dit för att titta på den och studerade det visuella språket. Men nu, kanske ännu viktigare, vägleds jag också av min egen reaktion på konst ... Jag började tänka på konst ... syftet, betydelsen, åh herregud."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD-bläck på Hahnemühle-papper. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Josef Albers undervisning påverkar hur jag tänker kring att placera färger i olika sammanhang. Och James Turrells skyspaces påverkade hur jag tänker kring att placera atmosfärisk färg i olika sammanhang. Generellt är den övergripande estetiken i mina serier Paper Skies och Moving Pictures starkt influerad av moderna amerikanska målare som Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella med flera."

Brenda Biondo -Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Färgsublimeringstryck på aluminium (matt/lysterfinish). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"För mer än 20 år sedan upptäckte jag kapellet i Ronchamp, ett sent verk av arkitekten Charles Edouard Jeanneret, känd som Le Corbusier. Varken före eller efter det har jag upplevt en sådan insikt i riktigheten hos möjligheterna mellan massivitet och upphöjning. Då började för mig detta långa sökande, som fortfarande ger mig näring i dag, med målet att närma mig den mest lämpliga relationen mellan det fulla och det tomma."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Karborundum och torrnål på koppar. Tryck på bfk rives-papper 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Jag skulle vilja tala om den konstnär som har inspirerat mig i årtionden, mer än någon annan konstnär: Matisse, en konstnär som man skulle kunna studera hela livet. Hans arbete tog så många vägar på grund av hans experimenterande och hans undersökande av nya möjligheter inom måleriet. De är vackra, upplyftande och komplexa, ibland ljuvliga och fridfulla, ibland svåra och utmanande - en återspegling av hur livet är."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarell på papper. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

I stället för att lista sina influenser nämner Cantrick de konstnärer vars verk intresserar henne mest, oavsett om det finns någon direkt koppling till hennes eget arbete. Hennes korta lista över modern och samtida konst:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé och Per Kirkeby. Det är en eklektisk och inte uttömmande lista, men det de har gemensamt är klarhet, komplexitet och vitalitet - mina egna huvudintressen - uttryckta genom stark färg och struktur, distinkta former och ett grunt bildrum. När det gäller förmodern tid står Vermeer, Degas och Manet högst på min lista, återigen på grund av den trion av egenskaper: klarhet, komplexitet, vitalitet. Dessutom: Spänningen i Vermeers solida återgivning förmedlar en otroligt påtaglig stillhet - tidens upphävande. Degas särskilda sätt att punktera sitt bildrum med ”tysta”, livlösa områden och/eller ett starkt vertikalt element främjar ett långvarigt, rytmiskt betraktande. Och hos Manet finns en omedelbarhet och friskhet som, bortsett från all annan mästerlighet, när den är som bäst är fängslande."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl på linne. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"I mitt fall påverkades jag inte av en enskild konstnär i sig, utan snarare av den konstnärliga gemenskap där jag växte upp i Chicago. Det fanns konstnärer överallt i mitt grannskap, som kallades Lincoln Park-området eller Old Town, och när jag som mellanstadieelev visade intresse för att teckna uppmuntrades jag att gå till den skola som var knuten till det underbara Art Institute of Chicago för att teckna modell. Där fick jag gå direkt genom museet, med dess berömda impressionistiska samling, för att komma till skolan. Jag tror att det i grunden formade mitt intresse för linje, gest och färg."

Anne Russinof - Titta se, 2014. Olja på duk. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Min konstnärliga tradition finns hos konstnärer som kombinerar ett ”reducerande” förhållningssätt till bild- och objektskapande med uppmärksamhet på yta och subtila detaljer. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros och Sol Lewitt kommer jag att tänka på. Dessutom fortsätter Richard Serras, Carl Andres och Fred Sandbacks skulpturala verk, med deras särskilda användning av tredimensionellt rum, att inspirera mitt förhållningssätt till måleriet."

Macyn Bolt- Skuggboxare (B.2), 2015. Akryl på duk. 122 x 96.9 cm

Källor

• Triptyken Lustarnas trädgård, Museo Nacional del Prado: Stödjer beskrivningen av triptykens paneler med paradiset, de jordiska lustarna och helvetet.