Nyckeltal för mönster- och dekorationrörelsen

Mönster- och dekorationrörelsen har en speciell plats i den samtida konsthistorien. Rörelsen växte fram ur den feministiska konstnärsrörelsen på 1960-talet och deklarerade sig som en sorts "tredje metod" mellan figurativ och abstrakt konst. Ledarna för rörelsen insåg att instinkten att skapa dekorativ konst har varit en väsentlig aspekt av varje mänsklig kultur sedan civilisationens början. Ändå insåg de också att den patriarkala västerländska civilisationen av någon anledning, någonstans längs vägen, hade antagit ståndpunkten att dekorativ konst skulle underordnas som mindre viktig och mindre seriös än andra så kallade sköna konster. Grundarna av Mönster- och dekorationrörelsen avvisade helt den uppfattningen och deklarerade att deras formalistiska tillvägagångssätt till dekorativt arbete är lika relevant, meningsfullt och historiskt viktigt som vilken annan estetisk position som helst. Den övergripande filosofin för Mönster- och dekorationrörelsen formulerades 1978 av två av rörelsens grundare—Valerie Jaudon och Joyce Kozloff—i deras underbart bombastiska manifest, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. I dess inledande stycke står det: "Som feminister och konstnärer som utforskar det dekorativa i våra egna målningar, var vi nyfikna på den pejorativa användningen av ordet 'dekorativ' i den samtida konstvärlden. När vi läste om de grundläggande texterna inom modern konst insåg vi att fördomarna mot det dekorativa har en lång historia och baseras på hierarkier: skön konst över dekorativ konst, västerländsk konst över icke-västerländsk konst, mäns konst över kvinnors konst. Genom att fokusera på dessa hierarkier upptäckte vi ett oroande trossystem baserat på den moraliska överlägsenheten av konsten i den västerländska civilisationen." Ledarna för rörelsen satte således ut för att förpassa dessa föråldrade och värdelösa hierarkier till historiens skräphög. Arvet av deras arbete är en av visceral skönhet och intellektuell förundran. Faktum är att det först nu, är publiken verkligen absorberar kraften i denna livsviktiga rörelse, och den roll den fortsätter att spela idag för att göra det samtida konstfältet mer rättvist, mer öppensinnat och mer komplett.

Fem ledare för rörelsen

Redan 1960 övergav Miriam Schapiro de dominerande estetiska trenderna för att upptäcka en unikt personlig visuell röst, en som i stor utsträckning baserades på hennes identitet som kvinna. Hennes första proto-feministiska verk var hennes "Shrines", som fungerade som en sorts helgad bro mellan femininitet, spiritualitet och den uppdelade modernistiska språket av rutnätet. Hon fortsatte att skapa flera andra distinkt feministiska verk, inklusive hennes monumentala "Fans", och en serie hårdkantade, geometriska abstrakta verk som presenterar djärva, lysande bilder av arketypisk kvinnlig symbolik. År 1973 deltog Schapiro i "Womanhouse", ett av de viktigaste feministiska konstverken genom tiderna. Hon myntade också senare termen "Femmage" för sin distinkta metod att blanda tekniker från fin konst som collage och assemblage med hantverkstekniker som sömnad.

Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Akryl, textilier, papper på duk. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum för Internationell Konst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum för Internationell Konst Aachen © Estate of Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.

Joyce Kozloff hade sin uppenbarelse om den historiska nedvärderingen av dekorativ konst efter att ha bott i Mexiko och sedan besökt Marocko och Turkiet i början av 1970-talet. Inspirerad av hur de antika estetiska traditionerna på dessa platser fortfarande var levande och blomstrande i vardagslivet, förföljde hon sina egna idéer om detta ämne på flera olika fronter. Hon började göra storskaliga målningar och multimedia-installationer som använde metoder och material som traditionellt tilldelats dekorativa hantverk; hon gick med i Heresies Collective, som deltog i feministiska sociala aktioner och publicerade tidskriften HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; och hon medförfattade det ovan nämnda manifestet Pattern and Decoration. Under decennierna sedan hon grundade rörelsen har Kozloff blivit mer aktiv inom offentlig konst och har utvecklat en distinkt estetisk röst grundad på idén om kartläggning, både i en kartografisk och en kulturell mening.

Joyce Kozloff - Om jag vore en botaniker Medelhavet. 3 paneler av ett 9-panelers verk. Akryl, arkiv digital bläckstråleskrivning och collage på duk. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

Förutom att co-skriva manifestet för Mönster och Dekoration, har Valerie Jaudon etablerat sig som en av de mest självsäkra estetiska rösterna inom rörelsen. Hennes distinkta stil blandar kalligrafiska markeringar med mönster och designer som väcker minnen av mellanösterns dekorativa stilar. Förutom sina målningar och verk på papper har Jaudon genomfört mer än ett dussin storskaliga offentliga projekt, från inlagda golv, till takmålningar, till massiva offentliga parkinstallationer. Det största av dessa projekt är det monumentala "Filippine Garden (2004), en cementstig på marken vid Federal Courthouse i St. Louis, Missouri. Dess komposition är typisk för hennes verk på så sätt att den verkar både bekant och exotisk; dess rötter är vackert oklara, den smälter sömlöst in i den naturliga och arkitektoniska miljön.

Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Olja på duk. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

Redan i slutet av 1960-talet började Susan Michod utveckla en estetisk position mitt emellan modernistisk abstraktion och de estetiska tendenserna hos olika antika inhemska traditioner. Hennes arbete balanserar mellan dessa två samarbetsinriktade perspektiv, och påminner både om den hypnotiska förundran hos Op Art och de dystra geometriska mönstren som är typiska för konstformerna i prekolumbianska Centralamerika. Förutom sina bidrag till Pattern and Decoration Movement som konstnär var Michod medgrundare av Artemisia Gallery i Chicago, ett inflytelserikt utställningsutrymme för kvinnliga konstnärer, där sådana ljusgestalter som Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff och Nancy Spero, bland många andra, visade sina tidiga verk.

Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Akryl på papper. 40 x 30 tum. © Susan Michod

Tillsammans med Miriam Schapiro hjälpte Robert Kushner till att organisera några av de tidigaste utställningarna av Mönster och Dekoration. Kushner kom till konstfältet från världen av reklamillustration, som han lämnade 1961 efter att ha sett en utställning av Franz Klines verk. Det tog honom dock några år innan han fick självförtroendet att utveckla sin egen unika röst. Efter att ha experimenterat med en rad stilar, från Abstrakt Expressionism till Minimalism, till Färgfältmålning, övergav han så småningom de rådande trenderna för att ta ett personligt stilistiskt språng 1972, genom att applicera stencilerade "former" på sina dukar i ett "all-over" mönster. Under 1970-talet utvecklades dessa mönstrade stencilmålningar till att inkludera mer blommig imagery, och omfamnade en medelväg mellan formalistiska hyllningar av dekoration och figurativa representationer av symmetriska trädgårdar.

Robert Kushner - Rosa blad, 1979. Akryl, olika textilier. 205 x 330,5 cm. Med vänlig hälsning från Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest, Schenkung Peter och Irene Ludwig / donation av Peter och Irene Ludwig. Foto: Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest. © Robert Kushner

Utvald bild: Susan Michod - Utan titel, 1977. Akvarell på papper. 30 tum x 22,5 tum (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery i Long Island City, NY. © Susan Michod
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Phillip Barcio