Nyckeltal för mönster- och dekorationrörelsen

Rörelsen Pattern and Decoration har en särskild plats i den samtida konsthistorien. Den växte fram ur den feministiska konst­rörelsen på 1960-talet och utropade sig som en slags ”tredje väg” mellan föreställande konst och abstraktion. Rörelsens ledare insåg att instinkten att skapa dekorativ konst har varit en grundläggande del av varje mänsklig kultur sedan civilisationens början. Samtidigt förstod de att den patriarkala västerländska civilisationen av någon anledning, någonstans på vägen, antagit ståndpunkten att dekorativ konst skulle underordnas som mindre viktig och mindre allvarlig än andra så kallade bildkonster. Grundarna av Pattern and Decoration-rörelsen avvisade bestämt denna uppfattning och förklarade att deras formalistiska syn på dekorativt arbete är lika relevant, meningsfull och historiskt viktig som vilken annan estetisk ståndpunkt som helst. Den övergripande filosofin för Pattern and Decoration-rörelsen formulerades 1978 av två av rörelsens grundare—Valerie Jaudon och Joyce Kozloff—i deras storslagna manifest, Art Hysterical Notions of Progress and Culture. Inledningen lyder: ”Som feminister och konstnärer som utforskar det dekorativa i våra egna målningar var vi nyfikna på den nedsättande användningen av ordet ’dekorativ’ i den samtida konstvärlden. När vi läste om de grundläggande texterna om modern konst insåg vi att fördomarna mot det dekorativa har en lång historia och bygger på hierarkier: bildkonst över dekorativ konst, västerländsk konst över icke-västerländsk konst, mäns konst över kvinnors konst. Genom att fokusera på dessa hierarkier upptäckte vi ett oroande trossystem baserat på den moraliska överlägsenheten hos västerländsk civilisations konst.” Rörelsens ledare satte sig därför för att skicka dessa föråldrade och meningslösa hierarkier till historiens skräphög. Arvet från deras arbete är en av stark skönhet och intellektuell förundran. Först nu, faktiskt, börjar publiken verkligen ta till sig kraften i denna livsviktiga rörelse och den roll den fortsätter att spela idag för att göra den samtida konstvärlden mer rättvis, mer öppensinnad och mer fullständig.

Fem ledare för rörelsen

Redan 1960 övergav Miriam Schapiro de dominerande estetiska trenderna för att finna en unik personlig visuell röst, som till stor del grundade sig i hennes identitet som kvinna. Hennes första protofeministiska verk var hennes ”Shrines”, som fungerade som en slags helgad bro mellan kvinnlighet, andlighet och det uppdelade modernistiska språket i rutnätet. Hon skapade sedan flera andra tydligt feministiska verk, inklusive hennes monumentala ”Fans” och en serie hårda, geometriska abstrakta verk som visar djärva, lysande bilder av arketypiska kvinnliga symboler. 1973 deltog Schapiro i ”Womanhouse”, ett av de viktigaste feministiska konstverken någonsin. Hon myntade också senare begreppet ”Femmage” för sin särskilda metod att blanda bildkonsttekniker som collage och assemblage med hantverkstekniker som sömnad.

Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Akryl, textilier, papper på duk. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Estate of Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.

Joyce Kozloff fick sin insikt om den historiska nedvärderingen av dekorativ konst efter att ha bott i Mexiko och sedan besökt Marocko och Turkiet i början av 1970-talet. Inspirerad av hur de gamla estetiska traditionerna i dessa länder fortfarande levde och frodades i vardagslivet, följde hon sina egna idéer i ämnet på flera olika fronter. Hon började skapa storskaliga målningar och multimediainstallationer som använde metoder och material som traditionellt hör till dekorativt hantverk; hon gick med i Heresies-kollektivet, som deltog i feministiska sociala aktioner och gav ut tidskriften HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics; och hon medförfattade det nämnda Pattern and Decoration-manifestet. Under årtiondena efter att ha grundat rörelsen har Kozloff blivit mer aktiv inom offentlig konst och utvecklat en särskild estetisk röst grundad på idén om kartläggning, både i kartografisk och kulturell mening.

Joyce Kozloff - If I Were a Botanist Mediterranean. 3 paneler av ett 9-panelers verk. Akryl, arkivdigital bläckstråleutskrift och collage på duk. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff

Förutom att ha medförfattat Pattern and Decoration-manifestet etablerade Valerie Jaudon sig som en av rörelsens mest självsäkra estetiska röster. Hennes särpräglade stil blandar kalligrafiska markeringar med mönster och motiv som påminner om dekorativa stilar från Mellanöstern. Förutom sina målningar och verk på papper har Jaudon utfört mer än ett dussin storskaliga offentliga projekt, från inlagda golv till takmålningar och massiva offentliga parkinstallationer. Det största av dessa projekt är det monumentala ”Filippine Garden” (2004), en cementstig på området vid Federal Courthouse i St. Louis, Missouri. Dess komposition är typisk för hennes verk i det att den känns både bekant och exotisk; dess rötter är vackert oklara och den smälter sömlöst in i den naturliga och arkitektoniska miljön.

Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Olja på duk. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.

Redan i slutet av 1960-talet började Susan Michod utveckla en estetisk ståndpunkt mitt emellan modernistisk abstraktion och estetiska tendenser från olika gamla ursprungliga traditioner. Hennes verk balanserar mellan dessa två samverkande perspektiv och påminner både om den hypnotiska förundran i Op-konst och de allvarliga geometriska mönstren som är typiska för konstarterna i förkolumbianska Centralamerika. Förutom sina bidrag som konstnär till Pattern and Decoration-rörelsen var Michod medgrundare av Artemisia Gallery i Chicago, en inflytelserik utställningsplats för kvinnliga konstnärer, där sådana lysande namn som Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff och Nancy Spero, bland många andra, visade sina tidiga verk.

Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Akryl på papper. 40 x 30 tum. © Susan Michod

Tillsammans med Miriam Schapiro hjälpte Robert Kushner till att organisera några av de tidigaste Pattern and Decoration-utställningarna. Kushner kom till konstfältet från reklamillustration, som han lämnade 1961 efter att ha sett en utställning med Franz Klines verk. Det tog honom dock några år innan han fick modet att utveckla sin egen unika röst. Efter att ha experimenterat med en rad stilar, från abstrakt expressionism till minimalism och färgfältsmåleri, övergav han så småningom de rådande trenderna för att ta ett personligt stilistiskt språng 1972, då han applicerade schablonmålade ”former” på sina dukar i ett ”all-over”-mönster. Under 1970-talet utvecklades dessa mönstrade schablonmålningar till att omfatta mer blomsterbilder och omfamnade en mellangrund mellan formalistiska hyllningar till dekoration och föreställande skildringar av symmetriska trädgårdar.

Robert Kushner - Pink Leaves, 1979. Akryl, olika textilier. 205 x 330,5 cm. Med tillstånd av Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest, Schenkung Peter und Irene Ludwig / donation av Peter och Irene Ludwig. Foto: Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest. © Robert Kushner

Omslagsbild: Susan Michod - Untitled, 1977. Akvarell på papper. 30 tum x 22,5 tum (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery i Long Island City, NY. © Susan Michod
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio