Artikel: Varför Jackie Winsor är excentriskt abstrakt
Varför Jackie Winsor är excentriskt abstrakt
Verken av Jackie Winsor utgör en perfekt underbar motvikt till akademiska teorier om samtida abstraktion. Debatten som driver de flesta nuvarande samtal om abstrakt konst kretsar oundvikligen kring skillnaden mellan ren abstraktion – konst som inte alls har någon koppling till den så kallade verkliga världen – och abstraktion som är hämtad från, eller abstraherad från, något figurativt. I mer än fem decennier har Winsor skapat verk som i teorin skulle kunna passa in på båda sidor av denna debatt. Till exempel kan den kusliga närvaron av ”Chunk Piece” (1970), en hoprullad hampastock, betraktas som något abstraherat från den verkliga världen, trots att inget exakt likadant existerar i verkligheten. Samtidigt kan ”Pink and Blue Piece” (1985), en spegelvänd kub, kallas ren formalistisk abstraktion, eftersom det bara är en enkel, geometrisk form som vilar i rummet. Ändå kan båda dessa verk också beskrivas på otaliga andra sätt. Den påstått formalistiska kuben kan vara figurativ, eftersom den liknar många andra föremål i verkliga världen; och den påstått abstraherade stocken kanske inte alls är abstrakt – den kan vara ett konkret, självrefererande föremål som existerar utan annan anledning än att uttrycka sina egna egenskaper. Så excentriska och individualistiska är de skulpturer Winsor skapar att de helt upplöser abstraktionsdebatten. De existerar utanför samtalet och gör det irrelevant. Ändå är de så övertygande på en känslomässig nivå – så sublimt uttrycksfulla av något väsentligt, men bortom vårt förstånd – att jag inte kan låta bli att tänka att de är avgörande för vår förståelse av abstraktion. Liksom två andra visionärer från hennes generation – Richard Serra och Eva Hesse – representerar Winsor löftet att abstrakt konst samtidigt kan vara ofattbart esoterisk och obestridligt mänsklig.
Att envisas med att existera
År 1979, vid 37 års ålder, fick Winsor en separatutställning på Museum of Modern Art i New York. Utställningen innehöll 24 verk. I katalogessän för utställningen beskrevs Winsor som ”en av dagens mest framstående yngre skulptörer.” Essän ger dock inte mycket klarhet i vad det egentligen var som fick kuratorerna att anse att Winsors verk var så viktiga. Utan överdrifter påpekar den helt enkelt om verken ”deras tinglighet eller, som Ellen Johnson, som citerar Rilke, uttrycker det, deras ’envetna existens.’” Verken i MoMA-utställningen delade en universell egenskap som bäst kan beskrivas som att de förmedlar noggrant och utdraget arbete: de var bevis på arbete. ”Bound Square” (1972) ser ut som en enkel träram, men de milslånga snörena som är lindade runt hörnen avslöjar att Winsor satt otaliga timmar och metodiskt band samman verket. ”Four Corners” (1972) är en enkel uppställning av fyra runda former på golvet, men hur många timmar gick inte åt till att rulla bollarna till rätt form? På samma sätt antyder de otaliga spikarna som drivits in i träytan på ”Nail Piece” (1970) en manisk kvalitet, medan det självrefererande titulerade verket ”30 to 1 Bound Trees” (1971-72) tycks ifrågasätta värdet av allt mänskligt arbete i förhållande till naturen.
Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Trä och snöre. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191,8 x 193 x 36,8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., till minne av James Thrall Soby och Grace M. Mayer Fund till minne av Alfred H. Barr, Jr. MoMA Collection. © 2019 Jackie Winsor
Jackie Winsor - Burnt Piece, 1977-78. Cement, bränt trä och metallnät. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Gåva från Agnes Gund. MoMA Collection. © 2019 Jackie Winsor
Slutet för etiketter
En av de mer tvivelaktiga etiketter som ofta har tilldelats Winsor är ”Processkonst,” vilket är ett sätt att beskriva estetiska fenomen där det slutliga föremålet inte är viktigt – det är skapelseprocessen som betyder mest. Det som utan tvekan förvirrar människor om Winsor är att processen är så uppenbart livsviktig för hennes skapelser. Ingenting hon gör skulle kunna uppstå utan att hon uppfinner ofta helt nya processer, som innefattar nya metoder och tekniker som kanske bara gäller för skapandet av en särskild skulptur. Så viktiga som hennes processer är, förblir det slutliga föremålet ändå avgörande. Ja, det är resultatet av processen och bekräftelsen av processen, men det är också processens existensberättigande. Utan den vision Winsor hade för ett föremål som envist existerar i verkligt rum och tid, skulle processen inte ha någon anledning att finnas.
Jackie Winsor - Laminated Plywood, 1973. Fanérplywood. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Gåva från Gilman Foundation till minne av J. Frederic Byers III. MoMA Collection. © 2019 Jackie Winsor
En annan etikett som ofta tilldelas Winsor är postminimalism. Denna etikett har också liten betydelse för hennes verk. Postminimalistisk konst använder minimalismen som utgångspunkt eller referenspunkt, men omfamnar inte alla dess konceptuella övertygelser. Winsor står utanför denna förvirrade beskrivning och alla andra halvhjärtade etiketter. Liksom Marcel Duchamp är hon en konstnärlig rörelse i sig själv. Hon skapar skulpturer som med säkerhet talar om vad det innebär att ha en närvaro; att innehålla struktur; att fylla ett rum; att vara resultatet av arbete. Hon skapar konst som förklarar att den har lika stor rätt att finnas här som vilken sten, träd eller varelse som helst. Hennes skulpturer behöver inte bekräftas av teori eller förklaras akademiskt för att hävda sin rätt. De befriar oss från att behöva kategorisera eller ens förstå. Allt vi behöver göra för att uppskatta hennes verk är helt enkelt att uppskatta dem för vad de obestridligen är: konkreta; abstrakta; esoteriska; excentriska; och mänskliga.
Framträdande bild: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Hampa. 36 x 38 tum (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio
