Varför Jackie Winsor är excentriskt abstrakt

Verket av Jackie Winsor utgör en perfekt underbar kontrast till akademiska teorier om samtida abstraktion. Debatten som driver de flesta aktuella samtal om abstrakt konst kretsar ofrånkomligen kring skillnaden mellan ren abstraktion—konst som inte har något som helst samband med den så kallade verkliga världen—och abstraktion som härstammar från, eller är abstraherad från, något figurativt. I mer än fem decennier har Winsor skapat verk som teoretiskt sett skulle kunna passa in på båda sidor av denna debatt. Till exempel kan den kusliga närvaron av "Chunk Piece" (1970), en rullad hampa-logg, betraktas som något som är abstraherat från den verkliga världen, trots att inget exakt likadant existerar i verkligheten. Samtidigt kan "Pink and Blue Piece" (1985), en spegelkub, kallas ren formalistisk abstraktion, eftersom den bara är en enkel, geometrisk form som vilar i rymden. Ändå kan båda dessa verk också beskrivas på otaliga andra sätt. Den påstått formalistiska kuben kan vara figurativ, eftersom den liknar många andra objekt i den verkliga världen; och den påstått abstraherade loggen kanske inte är abstrakt alls—den kan vara ett konkret, självrefererande objekt som existerar utan annan anledning än att uttrycka sina egna egenskaper. Så excentriska och individualistiska är de skulpturer Winsor skapar att de helt upplöser debatten om abstraktion. De existerar utanför samtalet, vilket gör det irrelevant. Ändå är de så övertygande på en visceral nivå—så sublimt deklarativa av något väsentligt, men bortom vår intellekt—att jag inte kan låta bli att tänka att de är avgörande för vår förståelse av abstraktion. Liksom två andra visionärer från hennes generation—Richard Serra och Eva Hesse—representerar Winsor löftet att abstrakt konst samtidigt kan vara ofattbart esoterisk och obestridligt mänsklig.

Att Envist existera

År 1979, vid 37 års ålder, fick Winsor en separatutställning på Museum of Modern Art i New York. Utställningen innehöll 24 verk. I katalogessän för utställningen beskrevs Winsor som "en av dagens mest framstående yngre skulptörer." Essän ger dock inte mycket klarhet i vad det är som fick kuratorerna att tycka att det arbete Winsor gör är så viktigt. Utan att använda hyperboler påpekar den helt enkelt om verket "dess objektivitet eller, som Ellen Johnson, som citerar Rilke, uttrycker det, dess 'envetna existens.'" Verken i MoMA-utställningen delade en universell kvalitet som bäst beskrivs som kommunikativ av noggrant, utdraget arbete: de var bevis på arbete. "Bound Square" (1972) ser så grundläggande ut som en enkel träram, men de mil av snöre som är lindade runt hörnen döljer faktumet att Winsor satt i otaliga timmar och metodiskt band ihop verket. "Four Corners" (1972) är en enkel arrangemang av fyra runda former på golvet, men hur många timmar gick det åt att rulla bollarna i form? På samma sätt antyder de otaliga spikarna som drivits in i den träiga toppen av "Nail Piece" (1970) en manisk kvalitet, medan den självrefererande titeln "30 to 1 Bound Trees" (1971-72) verkar ifrågasätta värdet av allt mänskligt arbete i förhållande till naturen.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Trä och snöre. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191.8 x 193 x 36.8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., tillägnad James Thrall Soby och Grace M. Mayer Fund tillägnad Alfred H. Barr, Jr. MoMA-samlingen. © 2019 Jackie Winsor

Den första reaktionen man kan ha när man stöter på skulpturer som "Bound Square", "Four Corners", "Nail Piece" och "30 to 1 Bound Trees" är att beundra den abstrakta enkelheten i formerna. Kanske känner man för det andra en visceral dragning till de råa fysiska egenskaperna hos materialen—träet, hampa och metallen. Men det är i processen att slutligen föreställa sig ansträngningen som gick in i skapandet av skulpturerna som vår mänskliga koppling till dessa former och dessa material når sin höjdpunkt. Det är då vi inser att de enkla geometriska formerna inte valdes enbart för sina formella abstrakta kvaliteter, utan för att de bäst lånar sig till repetitivt, monotont arbete. Att föreställa sig känslan av att hålla träet och hampan och hammaren och spikarna i våra händer timme efter timme kopplar skulpturerna till vår köttsliga mänsklighet. Verken existerar faktiskt envist trots vår förmåga att beskriva dem, validera dem eller tilldela dem mening; de ockuperar också envist intellektuell terräng, och firar med sin existens den inneboende vackra men förvirrande naturen av all ansträngning.

Jackie Winsor - Bränd stycke, 1977-78. Cement, bränd trä och trådnät. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Gåva av Agnes Gund. MoMA-samlingen. © 2019 Jackie Winsor

Slutet på etiketter

En av de mer tvivelaktiga etiketter som ofta har tilldelats Winsor är "Processkonst", vilket är ett sätt att beskriva estetiska fenomen där slutobjektet inte är viktigt – det är skapelseprocessen som betyder mest. Vad som förvirrar människor, utan tvekan, om Winsor är att processen uppenbarligen är avgörande för hennes skapelser. Faktum är att ingenting hon gör skulle kunna komma till stånd utan att hon ofta uppfinner helt nya processer, som inkorporerar nya metoder och tekniker som kanske är specifika endast för skapandet av en viss skulptur. Så viktiga som hennes processer är, förblir dock slutobjektet avgörande. Ja, det är resultatet av processen, och valideringen av processen, men det är också processens raison d'être. Utan den vision Winsor hade för ett objekt, envist existerande i verklig tid och rum, skulle processen inte ha någon anledning att existera.

Jackie Winsor - Laminatplywood, 1973. Plywood. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Gåva från Gilman Foundation till minne av J. Frederic Byers III. MoMA-samlingen. © 2019 Jackie Winsor

En annan etikett som ofta tillskrivs Winsor är Post-Minimalism. Denna etikett har också liten betydelse för hennes arbete. Post-minimalistisk konst använder minimalism som en utgångspunkt, eller en referenspunkt, men omfamnar inte alla dess konceptuella övertygelser. Winsor står ut från denna förvirrade beskrivning och alla andra halvmessyrer. Liksom Marcel Duchamp är hon en en-kvinnas konstnärlig rörelse. Hon skapar skulpturer som talar med självförtroende om vad det innebär att ha en närvaro; att innehålla textur; att ockupera utrymme; att vara resultatet av arbete. Hon gör konst som deklarerar att den har lika mycket rätt att vara här som vilken sten, träd eller varelse som helst. Hennes skulpturer behöver inte valideras av teori, eller förklaras akademiskt, för att kunna hävda sin egen agens. De befriar oss från att behöva kategorisera, eller ens förstå. Allt vi behöver göra för att uppskatta hennes arbete är helt enkelt att uppskatta det för vad det obestridligt är: konkret; abstrakt; esoteriskt; excentriskt; och mänskligt.

Utvald bild: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Hamp. 36 x 38 tum. (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Phillip Barcio