Orla Kielys liv i mönster

Om du har besökt London under den senaste månaden eller två kan du ha lagt märke till att den ikoniska fasaden på Fashion and Textile Museum (FTM) har fått en make-over. Den nya designen kommer från den irländskfödda mode- och textildesignern Orla Kiely. FTM designades av den berömda mexikanska arkitekten Ricardo Legorreta Vilchis – det var det enda europeiska uppdrag han genomförde. Dess distinkta utseende epitomiserar hans talang för att blanda brut Modernism med Pueblo-arkitekturstil. Byggnaden sticker särskilt ut på grund av sin livfulla färgskala av rosa, gult, blått och bränt orange. I samband med hennes mittkarriärretrospektiv, Orla Kiely: A Life in Pattern, har Kiely täckt en del av den berömda exteriören med sitt mest kända mönster: “Stem,” som liknar en djungel av spända bönskott som sträcker sig uppåt mot himlen och har bulbösa, regnbågsfärgade blad. “Stem” ger en extra gnista av spänning till strukturen. Men det är inuti museet som den verkliga energin ligger. Utställningen utforskar det breda spektrum av arbete som Kiely har gjort under de senaste 20 åren. Sättet som objekten visas på läser dock inte bara som en designutställning. Det känns ibland mer som en abstrakt konstinstallation. Sättet som mönstren och objekten interagerar med rummet och ljuset skapar en kuslig, och ibland respektlös känsla. Den känslan erbjuder en perfekt utgångspunkt för en större fråga: “Vilka är barriärerna mellan samtida konst och design, och är det dags att dessa barriärer glöms bort?”

Anledningarna till varför vi gör det vi gör

När man debatterar huruvida man ska kalla någon för konstnär eller designer, är ett begrepp som oundvikligen kommer upp avsikt: varför gör denna person det de gör? Enligt traditionella tankesätt förväntas konstnärer ha högre skäl än designers för att göra saker. Conceiten säger i princip: "Designers skapar produkter som har ett syfte, men konst har inget syfte, eller om den har det, är det ett högt pretentiöst syfte som endast de invigda och sofistikerade kan förstå." Orla Kiely är ett exempel på varför den uppfattningen är fel. Tänk till exempel på verket av någon annan, vars namn är ganska likt hennes: den abstrakta konstnären Ellsworth Kelly. Under hela sin karriär hämtade Kelly inspiration från växtformer. Många av hans mest minnesvärda verk är inget annat än nedskurna avledningar av blad och blomblad. Även om hon anses vara en designer, och inte en konstnär, hämtar Kiely också inspiration från naturen, med referenser till de biomorfa formerna av blad, blomblad och stjälkar. Ellsworth Kelly var inte intresserad av mönster - han var mer intresserad av individuella former och konturer. Kiely, å sin sida, använder ofta mönster som ett visuellt verktyg. Oavsett, är verken av både Kelly och Kiely kapabla att påverka stämningen och attityden hos betraktarna.

Orla Kiely - Muggar arkiv 2007-2018. © Orla Kiely

Så varför är det så att även om Kiely och Kelly är kända för att skapa visuella fenomen som ser likadana ut och har samma känslomässiga kraft, så anses de vara fundamentalt olika? Är det för att designers skapar verk för massmarknaden? Är det för att designer ses mer som dekoration eller utsmyckning, eller som användbara saker? Kan konst inte också göras för massmarknaden? Kan konst inte fungera som utsmyckning eller dekoration? Även de mest framstående konstnärerna gör konsumentprodukter—de kan bara vara överkomliga för rika samlare eller institutioner, inte massorna, men de är ändå varor. Vad denna utställning visar är att avsikten bakom en visuell upplevelse inte har något att göra med dess förmåga att påverka mänsklig perception. Färg är färg, form är form, textur är textur, och linje är linje—vår hjärna kan uppfatta och reagera på estetiska element oberoende av de metoder varifrån sådana element härstammar, eller de skäl de skapades.

Orla Kiely - Höst/Vinter 2017-kampanj. © Orla Kiely

Vår utvecklande nutida miljö

Kuratorerna för Orla Kiely: A Life in Pattern kallar utställningen "ett måste för alla som är intresserade av det föränderliga utseendet på 2000-talets miljö." Det finns en del överdrift i det uttalandet, men det finns också något djupt i det. Utseendet på vår värld förändras, och på dramatiskt olika sätt beroende på var vi bor, vad vår ekonomiska situation är, och huruvida vår kultur råkar vara i krig eller i fred. Att vara omgiven av skönhet och ordning blir mer av en privilegium än en rättighet. Designer och konstnärers roll i denna transformation utvecklas. Kiely är en designer vars arbete har omfamnats av kändisar, men hennes sortiment inkluderar också extremt prisvärda delar, och sträcker sig över en mängd vardagsföremål. Om hon och hennes kollegor kan hitta fler sätt att nå över sociala och kulturella klyftor, kan skönhet och ordning bli mer allestädes närvarande.

Orla Kiely - Vår/Sommar 2016 Tyg. © Orla Kiely

För många av oss är "den föränderliga utseendet av 21:a århundradets miljö" inte vad vi skulle föredra att det skulle vara. En subtil sak som ligger inom vår makt att förändra är föreställningen att på något sätt kan konst inte vara en del av vardagen. Om en målning kan skapa en transformativ känslomässig upplevelse i betraktarens sinne, varför skulle då den visuella upplevelsen av ett par gardiner, en täcke eller en kaffemugg inte kunna låsa upp liknande perceptuella dörrar? Genom den enkla handlingen att betrakta ornamentik, dekoration och design inte som separata från konsten, utan som integrerade i konsten, kan vi utvidga skönhet och ordning till alla, oavsett deras bakgrund eller nivå av sofistikering. Det kanske inte är en positiv sak för konstskolor, akademiker, kritiker och institutioner som definierar sitt värde med artificiella kulturella separationer, men det skulle vara en positiv sak för den mänskliga kulturen i stort. Denna utställning är inte obligatorisk för att förstå denna idé, men den är ett vältaligt tillskott till samtalet. Orla Kiely: A Life in Pattern visas på Fashion and Textile Museum i London fram till 23 september 2018.

Utvald bild: Orla Kiely - Vår/Sommar 2017, New York Fashion Week. © Orla Kiely

Av Philip Barcio