Orla Kielys liv i mönster

Om du har besökt London under den senaste månaden eller två kanske du har märkt att den ikoniska fasaden på Fashion and Textile Museum (FTM) har fått en ansiktslyftning. Omgestaltningen är signerad den irländskfödda mode- och textildesignern Orla Kiely. FTM ritades av den berömde mexikanske arkitekten Ricardo Legorreta Vilchis—det var det enda europeiska uppdrag han fullföljde. Dess särpräglade utseende är ett uttryck för hans talang att blanda rå modernism med Pueblo-arkitekturens stil. Byggnaden utmärker sig särskilt tack vare sin livfulla färgskala i rosa, gult, blått och bränt orange. I samband med hennes retrospektiv mitt i karriären, Orla Kiely: A Life in Pattern, har Kiely täckt en del av den berömda exteriören med sitt mest kända mönster: ”Stem,” som liknar en djungel av spända böngroddar som sträcker sig upp mot himlen och bär knubbiga, regnbågsfärgade blad. ”Stem” tillför en extra gnista till byggnaden. Men det är inne i museet den verkliga energin finns. Utställningen utforskar det breda spektrum av verk som Kiely har skapat under de senaste 20 åren. Sättet objekten visas på känns dock inte bara som en designutställning. Det känns ibland mer som en abstrakt konstinstallation. Hur mönstren och objekten samspelar med rummet och ljuset skapar en kuslig och ibland respektlös känsla. Den känslan erbjuder en perfekt utgångspunkt för en större fråga: ”Vilka är gränserna mellan samtida konst och design, och är det dags att glömma dessa gränser?”

Anledningarna till att vi gör det vi gör

När man diskuterar om någon ska kallas konstnär eller formgivare dyker ofta begreppet avsikt upp: varför gör denna person det hen gör? Enligt traditionella tankesätt ska konstnärer ha högre skäl än formgivare för sina handlingar. Föreställningen säger i princip: ”Formgivare skapar produkter med ett syfte, men konst har inget syfte, eller om det har det, är det ett högtflygande syfte som bara de invigda och sofistikerade kan förstå.” Orla Kiely är ett exempel på varför den uppfattningen är fel. Tänk till exempel på en annan person med ett namn som liknar hennes: den abstrakte konstnären Ellsworth Kelly. Under hela sin karriär hämtade Kelly inspiration från växtformer. Många av hans mest minnesvärda verk är inget annat än avskalade avbildningar av blad och blomblad. Även om Kiely betraktas som formgivare och inte konstnär, hämtar hon också inspiration från naturen och refererar till biomorfa former som blad, blomblad och stjälkar. Ellsworth Kelly var inte intresserad av mönster—han var mer intresserad av enskilda former och gestaltningar. Kiely använder däremot ofta mönster som ett visuellt verktyg. Oavsett detta kan både Kellys och Kielys verk påverka betraktarens sinnesstämning och inställning.

Orla Kiely - Muggsamling 2007-2018. © Orla Kiely

Så varför är det då så att även om Kiely och Kelly är kända för att skapa visuella fenomen som ser lika ut och har samma känslomässiga kraft, betraktas de som fundamentalt olika? Är det för att formgivare skapar verk för massmarknaden? Är det för att formgivning ses mer som prydnad eller utsmyckning, eller som användbara ting? Kan inte konst också skapas för massmarknaden? Kan inte konst fungera som prydnad eller inredning? Även de mest framstående bildkonstnärerna skapar konsumentprodukter—de kanske bara är överkomliga för rika samlare eller institutioner, inte för massorna, men de är ändå varor. Vad denna utställning visar är att avsikten bakom en visuell upplevelse inte har något att göra med dess förmåga att påverka människans uppfattning. Färg är färg, form är form, yta är yta och linje är linje—vår hjärna kan uppfatta och reagera på estetiska element oberoende av hur dessa element uppstod eller varför de skapades.

Orla Kiely - Höst/Vinter 2017 Kampanj. © Orla Kiely

Vår föränderliga samtida miljö

Kuratorerna för Orla Kiely: A Life in Pattern kallar utställningen ”ett måste för alla som är intresserade av det föränderliga utseendet på 2000-talets miljö.” Det finns en viss överdrift i det påståendet, men också något djupt i det. Världens utseende förändras, och på dramatiskt olika sätt beroende på var vi bor, vår ekonomiska situation och om vår kultur råkar vara i krig eller fred. Att vara omgiven av skönhet och ordning blir mer av en förmån än en rättighet. Formgivares och konstnärers roll i denna förändring utvecklas. Kiely är en formgivare vars verk har omfamnats av kändisar, men hennes sortiment inkluderar också mycket prisvärda föremål och sträcker sig över en mängd vardagliga ting. Om hon och hennes kollegor kan hitta fler sätt att överbrygga sociala och kulturella klyftor kan skönhet och ordning bli mer allestädes närvarande.

Orla Kiely - Vår/Sommar 2016 Tyg. © Orla Kiely

För många av oss är det ”föränderliga utseendet på 2000-talets miljö” inte vad vi skulle önska. En subtil sak som ligger inom vår makt att förändra är föreställningen att konst på något sätt inte kan vara en del av vardagslivet. Om en målning kan skapa en omvälvande känslomässig upplevelse i en betraktares sinne, varför skulle då inte den visuella upplevelsen av ett par gardiner, ett täcke eller en kaffemugg kunna låsa upp liknande sinnesintryck? Genom den enkla handlingen att betrakta utsmyckning, prydnad och formgivning inte som skilda från konsten, utan som en integrerad del av konsten, kan vi sprida skönhet och ordning till vem som helst, oavsett bakgrund eller sofistikeringsgrad. Det kanske inte är något positivt för konstskolor, akademiker, kritiker och institutioner som definierar sitt värde med konstlade kulturella skiljelinjer, men det vore positivt för människans kultur i stort. Denna utställning är inte obligatorisk för att förstå denna idé, men den är ett vältaligt tillskott till samtalet. Orla Kiely: A Life in Pattern visas på Fashion and Textile Museum i London fram till 23 september 2018.

Bild ovan: Orla Kiely - Vår/Sommar 2017, New York Fashion Week. © Orla Kiely

Av Phillip Barcio