Robert Morris - En konstnär och skulptör utan like

Robert Morris definierade konst genom att knappt definiera den alls. Han sade, ”Konst är främst en situation.” Omformulerat i mänskliga termer, föreställ dig att du mötte Morris på en fest och han presenterades för dig som ”Robert Morris, konstnär.” Din reaktion på den presentationen skulle vara mycket annorlunda än om han presenterades som, säg, ”Robert Morris, vetenskapsman,” eller ”Robert Morris, rörmokare.” Varje etikett har sina egna associationer. Hur du skulle reagera på varje beror på många saker, som vilken typ av fest det är, vilka de andra gästerna är, och vilka dina egna personliga antaganden är om konstnärer, vetenskapsmän och rörmokare. Applicera nu samma tankesätt på konst. Till exempel, betrakta det ikoniska Morris-verket Untitled (Pink Felt) (1970). Detta verk består i princip av en hög med rosa filt remsor slängda på golvet. Om du mötte det för första gången skulle du naturligtvis omedelbart börja interagera med det intellektuellt. Men den riktning ditt intellekt skulle ta dig i skulle vara mycket annorlunda om du fick veta att högen med filt är konst än om du fick veta att det är skrot kvar från ett byggprojekt. Precis som allt annat i livet definieras inte konst av sin fysiska beskrivning, dess formella egenskaper eller ens dess konceptuella grund. Omständigheterna är allt. Något kan vara konst eller inte vara konst – allt beror på situationen.

Vad som får konst att fungera

Robert Morris började sin högskolekarriär som ingenjörsstudent, så kanske är det inte förvånande att han drev sin konstnärliga bana genom att visa en grundläggande medvetenhet om de underliggande processer som får saker att fungera. Han hade inte bara alltid visat intresse för de processer som leder till skapandet av ett konstverk, utan han hade också visat en pågående fascination för den grundläggande frågan om vad ett konstverk är i en nyttomässig mening – vad dess syfte är, vad dess mening är och vilken nytta det har för mänskligheten. Som en del av sin strävan att finna svar på dessa frågor utforskade han många olika former av konstnärligt uttryck. Förutom målning, teckning och skulptur arbetade han inom dans, koreografi, teater och musik. Tidigt i sin konstnärliga karriär blev han intresserad av den roll rörelse spelar i scenkonst, och på hur rörelse också relaterar till de plastiska konsterna. Han kom inte bara att se estetiska föremål som reliker av performativa gester, utan också att se deras slutgiltiga form som irrelevant, eftersom de underliggande processerna i deras skapande var det sanna uttrycket för den kreativa gnistan.

Robert Morris - Untitled, 1974, Mörkgrå filt, metallringar, 107 × 220 × 43 tum, 271,8 × 558,8 × 109,2 cm, Castelli Gallery, New York, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Två tidiga verk som Morris skapade 1969 förmedlade tydligt hans känslor kring den kreativa processen. Det ena kallades Untitled (Scatter Piece), och det andra kallades Continuous Project Altered Daily. Båda visades på Leo Castelli Gallery Warehouse på West 108th Street i New York City. Scatter Piece var precis vad det låter som – en hög med föremål utspridda i ett rum. Hälften av föremålen var gjorda av mjuk filt, och den andra hälften av metall. Föremålens dimensioner och utseende bestämdes av en blandning av slump och godtyckliga val. Samtidigt var Continuous Project en samling jord och skräp insamlat runt om i staden. Varje dag kom Morris in och gjorde förändringar i Continuous Project, lade till, tog bort eller flyttade delar av det. Utseendet eller arrangemanget av föremålen var irrelevant. Poängen med båda verken var bara att låta människor komma in och röra vid de olika delarna, så att de kunde känna sig närvarande bland sakerna och bli en del av situationen.

Robert Morris - Untitled (Scatter Piece), 1968-69, filt, stål, bly, zink, koppar, aluminium, mässing, mått varierande, installationsvy på Leo Castelli Gallery, New York. Foto Genevieve Hanson. © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Medvetenhet om föremål i rummet

Morris fortsatte att utforska tanken att formella överväganden är irrelevanta genom att skapa verk för gallerier och museer som använde de enklaste geometriska formerna. Han gjorde stora kuber, ”L”-former, fyrkantiga valv och lådor. Varje föremål var avsett att endast interageras med av människor i rummet. Och förutom att göra verk för gallerier och museer var Morris också en pionjär inom Land Art-rörelsen. Land Art är konst som finns utomhus och använder den naturliga miljön. Den tenderar att vara eterisk och icke-arkivmässig i sin natur. Morris använde Land Art för att eliminera en barriär mellan människor och platser avsedda för så kallad konst. Ett av hans mest monumentala Land Art-verk är The Observatory. Beläget i Flevoland, Nederländerna, består det av två koncentriska jordcirklar, på vilka gräs nu växer. Fyra ingångar i den yttre cirkeln är i linje med soluppgången vid vår- och höstdagjämningarna, vilket gör verket till en slags modern Stonehenge.

Robert Morris - Observatory, 1997, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

En av de mest slående nyare skulpturerna Morris gjort är hans Glaslabyrint, permanent installerad på området vid Nelson-Atkins Museum of Art i Kansas City, Missouri (staden där han föddes). Sedd ovanifrån är labyrinten en triangel korsad av en geometrisk labyrint. Människor går in i labyrinten och tar sig fram genom gångarna tills de hittar en utgång. Väggarna är sju fot höga och gjorda av en tum tjockt glas. Det är det klaraste glaset på jorden, så medan människor går genom labyrinten kan de inte avgöra hur många glasrutor som finns mellan dem och omvärlden. Verket sammanfattar mycket av vad Morris står för. Det är gjort av enkla geometriska former, och ändå ger det en djup fysisk upplevelse; dess närvaro bestäms av omständigheterna i dess omgivning; det är tätt knutet till naturen; det är flyktigt, ständigt föränderligt eftersom den ständigt föränderliga världen syns inom det; och viktigast av allt, dess status som konst är beroende av dess situation – en situation som aldrig är fullständig förrän någon av oss dyker upp för att interagera med det och göra det helt.

Robert Morris - Glass Labyrinth, 2013, Glas, stål, brons och sten, 50 x 50 x 50 fot, 15,24 x 15,24 x 15,24 meter, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York

Omslagsbild: Robert Morris - Untitled (Pink Felt), 1970, Filtdelar i olika storlekar, totala mått varierande, Solomon R. Guggenheim Museum, New York Panza Collection, 1991, © 2018 Robert Morris / Artists Rights Society (ARS), New York
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio