Den skyddande modern av abstrakt expressionism - Betty Parsons

Betty Parsons dog för 35 år sedan, när jag var 13 år. Jag kände henne aldrig. I teorin antar jag att jag hade kunnat träffa henne, om jag hade vetat att jag skulle försöka. Men jag hade ingen aning om att hon existerade förrän det var alldeles för sent. Jag föreställer mig att många ångrar att de aldrig lärde känna Parsons. Hon var en revolutionär inom modern konst. Även om jag misstänker att hon inte hade någon aning om att det skulle bli så, inspirerade hennes exempel mig, och jag tror även många i min generation, att sträva efter nya modeller för autenticitet och särprägel inom konsten. Från ideella konstkollektiv till konstnärsdrivna projektrum och experimentella museer vimlar konstvärlden i dag av människor och platser som värdesätter stor konst högre än stora vinster. Det är Parsons jag tackar för det arvet. Men det har skrivits utförligt om henne i de mest prestigefyllda konsttidskrifterna, av betydligt mer meriterade skribenter än jag. Jag har inget nytt att berätta om henne. Men eftersom hon var unik på ett sätt som min själ uppskattar, känner jag mig ändå benägen att försöka. Hennes smeknamn, ”den abstrakta expressionismens fostermor”, förekom i en artikel i ARTnews från 1979, skriven av Grace Lichtenstein. Smeknamnet syftade på att Parsons trodde på, vårdade och visade verk av Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still och Barnett Newman när ingen annan i Amerika ville göra det. Artikeln avslöjar också den komplexitet och det djup som Parsons besatt som konstnär, konstkännare och affärskvinna. Samtidigt bidrar en intervju som konstnären Helène Aylon spelade in med Parsons 1977 och som Judith Stein publicerade i sin helhet i Art in America Magazine 2013 långt till att avslöja vad som var extraordinärt hos Parsons som människa. Det bästa sättet jag kan visa min respekt för Parsons är att fokusera på dessa två porträtt, skapade av personer som faktiskt kände henne under hennes livstid. Här följer, hämtade ur dem, tio citat som har gjort Parsons till en personlig hjälte för mig, eftersom de påminner mig om vad som är viktigt när det gäller att skapa och uppskatta konst.

”Tack och lov verkar det inte finnas några ’ismer’ i dag. Jag hatar moden.”

Ofta försöker vi namnge dagens rörelser. Varför gör vi det? För att etiketter gör produkter lättare att sälja, särskilt till människor utan särskilt mycket utbildning eller verklig uppskattning. I stället för att tro på trender prioriterade Parsons det som var bra och fann glädje i det som var annorlunda.

”Jag har alltid fascinerats av det jag kallar ’den osynliga närvaron’. Det mest beständiga i den här världen är det osynliga; man kommer aldrig undan det”

Vissa konstnärer tror att de bara kan lyckas om de har en säljbar identitet eller om de skapar konst specifikt om ett visst ämne som är populärt bland dagens publik. Parsons fokuserade på det okända. I stället för att främja det uppenbaras konst drogs hon till konst som avslöjade det dolda.

”Jag tror på spänning. Om du målar en bild och den saknar spänning, saknar den också upphetsning.”

Spänningen i ett konstverk kan komma från något i verket som betraktaren inte kan känna igen. Eller så kan den komma från något som anses vulgärt eller rått. Ibland uppstår spänningen genom något som vi helt enkelt inte tycker är vackert. I stället för att vända bort blicken från sådant omfamnade Parsons det och såg möjligheter att utmana sig själv och utvecklas.

Betty Parsons - Green #1, 1971, akryl på duk, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

”Jag är intresserad av viktiga målningar, inte av hemmet.”

Parsons visade verk i rum med kala vita väggar och nakna golv. Hon gjorde inga extra ansträngningar för att övertyga samlare att köpa. Hon såg sitt arbete som tvådelat: att främja konstnärens integritet och att övertyga allmänheten om att verket var värdefullt av skäl som inte hade något att göra med hur bra det kunde se ut ovanför deras soffor.

”Jag vill inte överhopas av alla dessa rikedomar - de skulle tråka ihjäl mig.”

Parsons föddes in i societeten men avvisade rikedomens attribut. Efter att ha förlorat allt under den stora depressionen började hon om från början. Under de följande femtio åren hade hon ofta svårt att betala räkningarna. Hon sålde tillräckligt med verk, både sina egna och de konstnärers hon representerade, för att hålla lamporna tända och betraktade det som definitionen av ekonomisk framgång.

”Den abstrakta världen betraktades som kall eftersom den saknade figurer. Men den hade eld, energi, natur, ljus, rymd - den koncentrerade sig på alla dessa värden.”

Parsons hade självförtroendet att tro på sin egen smak. Hon förstod abstraktionen långt innan de flesta amerikaner gjorde det. Hon litade på sin egen vision, oavsett vad resten av konstvärlden sade eller gjorde.

”Jag låg alltid tio år före min tid. Det är berättelsen om mitt liv.”

När man inte lyckas ekonomiskt är det frestande att tro att det beror på att det man gör saknar värde. Parsons insåg att anledningen till att ingen köper ens verk ibland är att de inte känner igen det, eftersom det tillhör framtiden.

Betty Parsons - Challenge, 1976, akryl på duk (vänster) / Sputnik, 1961, akryl på duk (höger), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

”Identifiera dig alltid med konsten; identifiera dig aldrig med konstnären.”

Parsons avskydde vissa konstnärer men älskade deras verk. Hon förstod att konstnärer inte behöver vara trevliga, sociala eller charmiga. Konstnärer är inte försäljare eller politiker. Deras verk talar för sig själva.

”[De konstnärer jag representerar] blir friare och mer kreativa ju längre de håller på. Det har jag alltid uppmuntrat.”

Vissa gallerister uppmuntrar konstnärer att hitta en stil som säljer och sedan hålla fast vid den. Parsons utmanade de konstnärer hon visade. Hon trodde att dynamik och utveckling är avgörande för att bli bättre och att försäljning är den minst viktiga aspekten av en konstnärlig karriär.

”Vi är alla en del av allt.”

Parsons fick ofta frågor om sina åsikter i sociala frågor. Detta citat var hennes svar på en sådan fråga. Hon visste att konsten har förmågan att avslöja att det som förenar oss alla vida överträffar det som skiljer oss åt. Detta citat har påverkat mig mest. Det tål att upprepas ständigt, eftersom det är så lätt att glömma.

Betty Parsons - Requiem, 1963, akryl på duk, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Utvald bild: Betty Parsons - Orange, 1956, akryl på duk, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio 2018
Redigerad av IdeelArt (2026)