Den skyddande modern av abstrakt expressionism - Betty Parsons

Betty Parsons dog för 35 år sedan, när jag var 13 år gammal. Jag kände henne aldrig. Teoretiskt sett, antar jag att jag kunde ha träffat henne, om jag hade vetat att jag skulle försöka. Men jag hade ingen aning om att hon existerade förrän det var alldeles för sent. Jag föreställer mig att många människor ångrar att de inte lärde känna Parsons. Hon var en revolutionär inom Modern konst. Även om jag misstänker att hon inte hade någon aning om det, inspirerade hennes exempel mig, och jag tror många medlemmar av min generation, att sträva efter nya modeller av äkthet och exceptionellhet inom konsten. Från ideella konstkollektiv, till konstnärsdrivna projektutrymmen, till experimentella museer, svämmar konstvärlden idag över av människor och platser som värderar stor konst över stor vinst. Parsons är den jag tackar för det arvet. Men hon har skrivits om omfattande, i de mest prestigefyllda konstmagasinen, av långt mer framstående skribenter än jag. Det finns inget nytt jag kan rapportera om henne. Men eftersom hon var unik på ett sätt som min själ uppskattar, är jag ändå benägen att försöka. Hennes smeknamn, "den moderliga figuren inom Abstract Expressionism," dök upp i en artikel i ARTnews från 1979, skriven av Grace Lichtenstein. Benämningen syftade på hur Parsons trodde på, vårdade och visade arbetet av Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still och Barnett Newman när ingen annan i Amerika skulle. Den artikeln avslöjar också den komplexitet och djup som Parsons hade som konstnär, en entusiast och som affärsman. Under tiden, en intervju inspelad med Parsons 1977 av konstnären Helène Aylon och publicerad i sin helhet av Judith Stein i Art in America Magazine 2013 går långt för att avslöja vad som var extraordinärt med Parsons som människa. Det bästa sättet jag känner att jag kan hedra Parsons är att fokusera på dessa två profiler, skapade av dem som faktiskt kände henne i livet. Här, utdragna från dem, är tio citat som har gjort Parsons till en personlig hjälte för mig för hur de påminner mig om vad som är viktigt när det kommer till skapandet och uppskattningen av konst.

"Tack Gud, det verkar inte finnas några 'ismer' idag. Jag hatar mode."

Ofta försöker vi namnge dagens rörelser. Varför gör vi detta? För att etiketter gör produkter lättare att sälja, särskilt till människor utan mycket utbildning eller verklig uppskattning. Istället för att tro på trender, prioriterade Parsons det som var bra och fann glädje i det som var annorlunda.

"Jag har alltid varit fascinerad av det jag kallar 'den osynliga närvaron.' Det mest beständiga i denna värld är det osynliga; du kommer aldrig undan det."

Vissa konstnärer tror att de bara kan lyckas om de har en säljbar identitet, eller om de gör konst specifikt om ett visst ämne som är populärt bland samtida publik. Parsons fokuserade på det okända. Istället för att främja konsten av det uppenbara, drogs hon till konst som avslöjade det som är dolt.

"Jag tror på spänning. Om du målar en bild, och den har ingen spänning, så har den ingen spänning."

Spänning i ett konstverk kan ha sitt ursprung i något inom det som är oigenkännbart för en betraktare. Eller så kan det ha sitt ursprung i något som anses vulgärt eller grovt. Ibland kommer spänning från något vi helt enkelt inte finner vackert. Istället för att vända bort blicken från dessa saker, omfamnade Parsons dem och såg i dem möjligheter att utmana sig själv att växa.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Jag är intresserad av viktiga målningar, inte av hemmet."

Parsons visade verk i rum med nakna vita väggar och nakna golv. Hon gjorde ingen extra ansträngning för att övertyga samlare att köpa. Hon såg sitt jobb som bestående av två delar: att främja konstnärens integritet och att övertyga allmänheten om att verket var giltigt av skäl som inte hade att göra med hur bra det kunde se ut ovanför deras soffor.

"Jag vill inte bli lastad med alla dessa rikedomar—de skulle tråka ut mig till döds."

Parsons föddes in i högsta samhälle, men avvisade rikedomens fällor. Efter att ha förlorat allt under den stora depressionen började hon från början. Under de följande femtio åren hade hon ofta svårt att betala räkningarna. Hon sålde tillräckligt med arbete (både sitt eget och av de konstnärer hon representerade) för att hålla lamporna tända, och ansåg att det var definitionen av ekonomisk framgång.

"Den abstrakta världen ansågs kall eftersom den inte hade figurer. Men den hade eld, energi, natur, ljus, rymd – den koncentrerade sig på alla dessa värden."

Parsons hade självförtroendet att tro på sin egen smak. Hon förstod abstraktion långt innan de flesta amerikaner. Hon litade på sin egen vision, oavsett vad resten av konstvärlden sa eller gjorde.

"Jag har alltid legat tio år före min tid. Det är berättelsen om mitt liv."

När du inte lyckas ekonomiskt är det frestande att tro att det beror på att det du gör inte har något värde. Parsons insåg att ibland är anledningen till att ingen köper ditt arbete att de inte känner igen det, för att det är av framtiden.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylic on canvas (Left) / Sputnik, 1961, acrylic on canvas (Right), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Identifiera dig alltid med konsten; identifiera dig aldrig med konstnären."

Parsons föraktar vissa konstnärer men älskade deras arbete. Hon förstod att konstnärer inte behöver vara omtyckta, sociala eller charmiga. Konstnärer är inte försäljare eller politiker. Deras arbete talar för sig självt.

"[De konstnärer jag representerar] blir friare och mer kreativa ju längre de kommer. Jag har alltid uppmuntrat det."

Vissa gallerister uppmuntrar konstnärer att hitta en stil som säljer och sedan hålla sig till den. Parsons utmanade de konstnärer hon visade. Hon trodde att dynamik och tillväxt är nyckeln till att bli bättre, och att försäljning är den minst viktiga aspekten av en konstkarriär.

"Vi är alla en del av allt."

Parsons blev ofta tillfrågad om sina åsikter om sociala frågor. Detta citat var hennes svar på en sådan fråga. Hon visste att konsten har förmågan att avslöja verkligheten att våra gemensamma drag långt överväger de saker som driver oss isär. Detta citat har påverkat mig mest. Det bör upprepas ständigt, eftersom det är så lätt att glömma.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Utvald bild: Betty Parsons - Orange, 1956, akryl på duk, © 2018 Betty Parsons egendom, i samarbete med Alexander Gray Associates, New York
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio