Den skyddande modern av abstrakt expressionism - Betty Parsons

Betty Parsons dog för 35 år sedan, när jag var 13 år gammal. Jag kände henne aldrig. Teoretiskt sett antar jag att jag kunde ha träffat henne, om jag vetat att försöka. Men jag hade ingen aning om att hon fanns förrän det var alldeles för sent. Jag föreställer mig att många ångrar att de inte lärde känna Parsons. Hon var en revolutionär inom modern konst. Även om jag misstänker att hon inte hade någon aning om det, inspirerade hennes exempel mig, och jag tror många i min generation, att sträva efter nya modeller av äkthet och särart inom konsten. Från ideella konstkollektiv, till konstnärsdrivna projektutrymmen, till experimentella museer, myllrar konstvärlden idag av människor och platser som värderar stor konst framför stor vinst. Parsons är den jag tackar för det arvet. Men hon har skrivits om utförligt, i de mest ansedda konsttidskrifterna, av långt mer meriterade skribenter än jag. Det finns inget nytt jag kan berätta om henne. Men eftersom hon var unik på ett sätt som min själ uppskattar, känner jag mig ändå benägen att försöka. Hennes smeknamn, ”den abstrakta expressionismens modersfigur,” dök upp i en artikel i ARTnews från 1979, skriven av Grace Lichtenstein. Smeknamnet syftade på hur Parsons trodde på, vårdade och visade verk av Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still och Barnett Newman när ingen annan i Amerika ville. Den artikeln avslöjar också den komplexitet och djup Parsons hade som konstnär, entusiast och affärskvinna. Samtidigt går en intervju inspelad med Parsons 1977 av konstnären Helène Aylon och publicerad i sin helhet av Judith Stein i Art in America Magazine 2013 långt i att visa vad som var extraordinärt med Parsons som människa. Det bästa sätt jag känner att visa min respekt för Parsons är att fokusera på dessa två porträtt, skapade av dem som faktiskt kände henne i livet. Här, utdragna från dem, är tio citat som gjort Parsons till en personlig hjälte för mig eftersom de påminner mig om vad som är viktigt när det gäller skapandet och uppskattningen av konst.

"Tack och lov verkar det inte finnas några ’ismer’ idag. Jag hatar modenycker."

Ofta försöker vi namnge dagens rörelser. Varför gör vi det? För att etiketter gör produkter lättare att sälja, särskilt till människor utan mycket utbildning eller verklig uppskattning. Istället för att tro på trender prioriterade Parsons det som var gott, och fann glädje i det som var annorlunda.

"Jag har alltid fascinerats av det jag kallar ’den osynliga närvaron.’ Det mest bestående i denna värld är det osynliga; man kommer aldrig ifrån det."

Vissa konstnärer tror att de bara kan lyckas om de har en säljbar identitet, eller om de gör konst som specifikt handlar om ett visst ämne som är populärt bland samtida publik. Parsons fokuserade på det okända. Istället för att främja det uppenbara konsten drogs hon till konst som avslöjar det dolda.

"Jag tror på spänning. Om du målar en bild, och den saknar spänning, saknar den också spänning."

Spänning i ett konstverk kan komma från något inom det som är oigenkännbart för en betraktare. Eller det kan komma från något som anses vulgärt eller grovt. Andra gånger kommer spänningen från något vi helt enkelt inte finner vackert. Istället för att vända bort blicken från dessa saker, omfamnade Parsons dem, och såg i dem möjligheter att utmana sig själv att växa.

Betty Parsons - Grön #1, 1971, akryl på duk, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Jag är intresserad av viktiga målningar, inte för hemmet."

Parsons visade verk i rum med kala vita väggar och kala golv. Hon gjorde inget extra för att övertyga samlare att köpa. Hon såg sin uppgift som tvådelad: att främja konstnärens integritet och att övertyga allmänheten om att verket var giltigt av skäl som inte hade med hur bra det kunde se ut ovanför deras soffor att göra.

"Jag vill inte vara lastad med alla dessa rikedomar – de skulle göra mig uttråkad till döds."

Parsons föddes i högadeln, men avvisade rikedomens attribut. Efter att ha förlorat allt under den stora depressionen började hon om från början. Under de följande femtio åren hade hon ofta svårt att betala räkningarna. Hon sålde tillräckligt med verk (av sig själv och av de konstnärer hon representerade) för att hålla lamporna tända, och ansåg det vara definitionen av ekonomisk framgång.

"Den abstrakta världen ansågs kall eftersom den inte hade figurer. Men den hade eld, energi, natur, ljus, rymd – den koncentrerade sig på alla dessa värden."

Parsons hade förtroende att tro på sin egen smak. Hon förstod abstraktion långt före de flesta amerikaner. Hon litade på sin egen syn, oavsett vad resten av konstvärlden sade eller gjorde.

"Jag var alltid tio år före min tid. Det är historien om mitt liv."

När man inte lyckas ekonomiskt är det frestande att tro att det beror på att det man gör saknar värde. Parsons insåg att ibland är anledningen till att ingen köper ditt verk att de inte känner igen det, för det är av framtiden.

Betty Parsons - Utmaning, 1976, akryl på duk (vänster) / Sputnik, 1961, akryl på duk (höger), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Identifiera dig alltid med konsten; identifiera dig aldrig med konstnären."

Parsons avskydde vissa konstnärer men älskade deras verk. Hon förstod att konstnärer inte behöver vara sympatiska, sällskapliga eller charmiga. Konstnärer är inte försäljare eller politiker. Deras verk talar för sig själva.

"[De konstnärer jag representerar] blir friare och mer kreativa ju längre de håller på. Jag har alltid uppmuntrat det."

Vissa gallerister uppmuntrar konstnärer att hitta en stil som säljer och sedan hålla sig till den. Parsons utmanade de konstnärer hon visade. Hon trodde att dynamik och utveckling är nyckeln till att bli bättre, och att försäljning är den minst viktiga delen av en konstnärskarriär.

"Vi är alla en del av allt."

Parsons fick ofta frågor om sina åsikter i samhällsfrågor. Detta citat var hennes svar på en sådan fråga. Hon visste att konsten har förmågan att avslöja verkligheten att våra gemensamma drag vida överstiger de saker som skiljer oss åt. Detta citat har påverkat mig mest. Det bör upprepas ständigt, för det är så lätt att glömma.

Betty Parsons - Requiem, 1963, akryl på duk, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Framträdande bild: Betty Parsons - Orange, 1956, akryl på duk, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio