Vikten av Adolph Gottliebs Burst-serie

Adolph Gottlieb sade en gång, ”Konstnärens roll har förstås alltid varit att skapa bilder. Olika tider kräver olika bilder.” Gottlieb bevittnade flera tydligt skilda tider och ändrade tre gånger sin metod för att svara på kulturens utveckling. Hans verk nådde sin höjdpunkt med hans Burst-målningar, en serie som han började med 1957 och fortsatte att utveckla fram till sin död 1974. Burst-målningarnas bildspråk är enkelt och direkt – duken är delad i två zoner: övre och nedre. Den övre zonen bebos av en eller flera cirkulära former i ett begränsat färgomfång; den nedre zonen bebos av ett frenest, gestikulerande utbrott av kakofonisk, virvlande energi, vanligtvis målad i svart. För Gottlieb symboliserade Burst-målningarna det yttersta uttrycket för hans stora idé: att det samtidigt finns existerande polariteter i universum, såsom mörker och ljus. Konventionell visdom tenderar att beskriva sådana krafter som om de vore dikotoma – som om ljus är fundamentalt motsatt mörker. Gottlieb förstod att ljus och mörker är punkter på ett spektrum, och består av samma materia spridd i olika mängd. Han ansåg att polariteter är så lika att den ena kan bli den andra med bara en liten knuff från de styrande krafterna, och de två zonerna i hans Burst-målningar fungerar på liknande sätt. De cirkulära formerna verkar ha kontroll, svävande självsäkert ovanför vad som tycks vara en strid. Men båda är delar av samma bild, och ingen är i ett fast tillstånd. Det som är upp kan komma ner, och det som verkar kaotiskt kan, under rätt omständigheter, samlas och bli ett.

De stora Burst-målningarna

Exempel på Burst-målningar pryder några av världens mest vördnadsfulla konstsamlingar. Den enorma ”Blast I” (1957), som mäter 228,7 x 114,4 cm, hänger på MoMA i New York. På den svävar en gigantisk röd orb stoisk ovanför en lika hotfull hop av svarta, gestikulerande märken. Denna ikoniska bild inledde serien, och en poetiskt laddad återblick på dess ikonografi dök upp igen 1973, bara ett år innan Gottlieb dog. I ”Burst” (1973), en av de sista målningarna konstnären skapade innan han gick bort, har den röda orben mjuknat och börjat lösas upp, och skickar ut rosa solutbrott i etern. Samtidigt har den kaotiska hopen av gestikulerande märken brutits upp i en slags familj av former, som sjunker under horisontlinjen och tycks sända ut tentakler och frön ut i rymden.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Olja på duk. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson-fonden. © Adolph och Esther Gottlieb-stiftelsen/Licensierad av VAGA, New York, NY. MoMA-samlingen.

Bland andra berömda Burst-målningar finns ”Blues” (1962), nu i Smithsonian American Art Museum. Dess blå och svarta palett är dämpad och lugn, mörkret liknar en förmörkelse eller en solifierad efterbild. ”Trinity” (1962), en annan monumental Burst, hänger i den permanenta samlingen på Crystal Bridges Museum of American Art. Denna 203,2 x 469,9 cm stora duk sträcker ut det visuella fältet horisontellt. Tre solida orber – en blå, en röd och en svart – svävar i rymden ovanför en elegant samling kalligrafiska penseldrag. Märkena tycks kasta en grå skugga medan en mild gul orb svävar i mellanplanet mellan övre och nedre zonen. Variationsrikedomen som exemplifieras av ”Blues” och ”Trinity” visar den enorma variation Gottlieb utforskade i sitt relativt enkla tema, och ger varje verk i Burst-serien en egenartad känsla av mening.

Adolph Gottlieb-Icon, 1964. Olja på duk. 144 x 100". ©Adolph och Esther Gottlieb-stiftelsen.

Förberedelse för utbrott

Även om han började måla på 1920-talet, började resan som ledde Gottlieb till den enkla genialiteten i hans Burst-målningar på 1930-talet. Det var då han tog till sig surrealismens omfamning av det undermedvetna. Han insåg att de mest väsentliga estetiska uttrycken är tidlösa eftersom de relaterar till grundläggande existentiella verkligheter som makt, rädsla, födelse och död: myternas stoff. Hans forskning inom detta tankespår ledde honom till att utveckla sin första stora serie målningar, som han kallade Pictographs. Baserade på ett symboliskt, intuitivt språk av abstrakta former, var hans Pictographs strukturerade inom rutnät – ett försök att förmedla uppdelade uttryck av verkligheten. Även om de ofta betraktas som abstrakta, beskrev Gottlieb sina Pictographs som realistiska eftersom de uttryckte det sanna, oroliga, mystiska mänskliga tillståndet. Han målade dem fram till 1951, då han bestämde att tiden krävde något nytt. I sökandet efter en förenklad metod övergav han rutnätet och delade duken i två – en övre och en nedre del med en horisontlinje mellan dem. Han kallade denna nya serie Imaginary Landscapes, eftersom de förmedlade det inre landskapet av tillvaron, inklusive känslomässiga, intellektuella, intuitiva och undermedvetna tillstånd.

Adolph Gottlieb - Man Looking at Woman, 1949. Olja på duk. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Gåva från konstnären. © Adolph och Esther Gottlieb-stiftelsen/Licensierad av VAGA, New York, NY. MoMA-samlingen.

Burst-serien utvecklades ur Imaginary Landscapes och representerar destillationen av samma idé. Gottlieb förenklade vad som hände i de övre och nedre delarna av Imaginary Landscapes och slutade förlita sig på en faktisk horisontlinje för att dela duken i två delar. Men Burst-målningarna representerar också en slags tillägg – tillägget av rymd. Enkelt uttryckt insåg Gottlieb att när horisontlinjen togs bort, var det enda mellan de övre och nedre formerna på duken rymden, och ju större duken var, desto mer utbredda och episka blev formerna, och desto mer rymd tycktes finnas. Men han tänkte inte på rymd bara i termer av avstånd som kan mätas. Det handlade mer om hela den visuella och känslomässiga världen i målningen. Former delar samma rymd, men upptar ändå särskilda områden inom rymden. Deras färgrymd är distinkt; deras formella rymd är distinkt; deras linjära rymd är unik; och deras intellektuella rymd är unik. Slutligen är detta den uppfattning om rymd som var avgörande för hur Gottlieb såg på sina Burst-målningar, eftersom han förstod den som ett förhöjt uttryck för helheten av tillvaron och myten om dess till synes individuella delar.

Framträdande bild: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Olja på duk. 80 x 185". ©Adolph och Esther Gottlieb-stiftelsen.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio