Artikel: Det mörka, abstrakta konsten av Adolph Gottlieb
Det mörka, abstrakta konsten av Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb var en av de centrala gestalterna inom abstraktionen under mitten av 1900-talet. Hans målningar är känslosamma, sparsamma och primitiva, och många människor anser att de är mörka. Men Gottlieb såg sig själv som motsatsen till mörker. Han kände sig energisk, komplex, passionerat modern och som någon som lyste upp, ledde vägen med sin konst mot något bättre för mänskligheten. Född i New York City i början av en av de mest tumultartade perioderna i mänsklighetens historia, kom Gottlieb definitivt till mognad i ett mörker: en tid av social, politisk och ekonomisk nöd, när samhällets framtid var ifrågasatt på ett verkligt, konkret sätt. Det är tydligt inte bara från hans konst utan också från hans skrifter att oron och tvetydigheterna under första världskriget, den stora depressionen och andra världskriget absolut bidrog till utvecklingen av hans estetiska vision. Men den estetiska visionen var inte bara en av sorg eller undergång, som så många kritiker har föreslagit. Det var faktiskt en genom vilken Gottlieb helt enkelt strävade efter att kommunicera sanningen om det mänskliga hjärtat och sinnet, på ett hoppfullt sätt. Kanske är det oundvikligt att en sådan sanning som Gottlieb uppfattade måste inkludera en viss grad av galenskap och kaos. Men den omfattande kropp av verk som Gottlieb lämnade efter sig när han dog 1974 inkluderade också det vackra, det lugna, det fredliga och det sublima. Dessa paradoxala komplexiteter, som definierade hans ibland kontroversiella världsbild, ledde slutligen Adolph Gottlieb till att omdefiniera abstrakt konst, och resulterade i skapandet av ett verk som först nu börjar erkännas för sin sanna briljans och ljus.
En konstnär i hjärtat
Adolph Gottlieb föddes in i en arbetarklass, invandrarfamilj i New York 1904. Jämfört med många av de andra barnen som växte upp på Lower East Side vid den tiden fick han en fantastisk start i livet, eftersom hans föräldrar byggde upp en framgångsrik pappersvaruhandel och hoppades kunna överlämna den till honom en dag. Men redan som ung visste han med säkerhet att allt han ville vara var en konstnär. Han var så säker på den saken att han hoppade av skolan vid 15 års ålder för att helt ägna sig åt sin konst. Han deltog i föreläsningar på Art Students League, en konstnärsdriven institution där många konstnärer som så småningom blev en del av Abstract Expressionist-rörelsen deltog i kurser. Och sedan, vid bara 17 års ålder, lämnade Gottlieb för Europa, och tjänade sin biljett genom att arbeta ombord på ett fartyg som gick till Frankrike.
Hans ungdomliga tro på sina förmågor betalade sig utomlands, då han snabbt blev bekant med den europeiska modernismens värld. I kontrast till amerikansk konst på 1920-talet var europeisk konst vid den tiden fantastiskt uppfinningsrik. Han blev exponerad för Fauvism, Kubism, Suprematism, Futurism och Geometrisk Abstraktion. Han besökte museer och deltog i alla gratis konstkurser han kunde hitta. Och när hans visum gick ut, tillbringade han nästan ett år till med att resa runt i Europa. Under resan blev han övertygad om att europeiska konstnärer var kopplade till något viktigt. Särskilt blev han fascinerad av den spridande influensen av tribal konst, en trend som inspirerade honom att avvisa det vardagliga i figurativ amerikansk konst till förmån för att söka universaliteter inom antika symboler och århundraden gamla visuella traditioner.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Färgsilkscreen, 31 1/8 × 23 1/8 tum, 79.1 × 58.7 cm (Vänster) och Flying Lines, 1967, Färgsilkscreen, 30 × 22 tum, 76.2 × 55.9 cm, foto kredit Marlborough Gallery
Den Filosofiska Konstnären
När Gottlieb återvände till New York 1922, tog han med sig en känsla av sitt eget ansvar som konstnär. Han såg sig själv som en moderniserande kraft för sin kultur och omfamnade tanken att konstnärer borde vara filosofer och agenter för social förändring. Han avslutade sin konstutbildning och under de kommande åren blev han vän med en grupp andra konstnär/filosofer, såsom Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith och Milton Avery, varav några så småningom skulle bli de mest kända amerikanska konstnärerna i sin generation. Gottlieb och hans kamrater var anomalier. De var abstrakta konstnärer, eller åtminstone konstnärer som gjorde konst som tolkades som abstrakt, men de var också ivriga att offentligt diskutera betydelsen av sitt arbete.
Vid den tiden var avantgardekonstnärer, och särskilt abstrakta konstnärer, inte förstådda i USA, och var definitivt inte allmänt respekterade – inte ens i New York. Många hade svårt att förespråka för sig själva och sitt värde, och särskilt för värdet av modernistiska estetiska ideal. Men Gottlieb var en naturlig förespråkare och en född kommunikatör. Han var politiskt och socialt engagerad, och var snabb att tala för det han ansåg vara viktigt. År 1935 satte Gottlieb och hans vän Mark Rothko (då känd som Marcus Rothkowitz) sina övertygelser i handling genom att bilda en grupp kallad The Ten. Den inkluderade Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg och Yankel Kufeld. I öppen protest mot de rådande trenderna i den New York-baserade kuratoriska scenen ställde The Ten ut sina abstrakta verk tillsammans, och avvisade vad de kallade "den påstådda ekvivalenten mellan amerikansk målning och bokstavlig målning."
Adolph Gottlieb - Röd grund, olja på papper monterat på duk
Piktogrammen
En av de första framstegen mot den mogna abstrakta stil som Gottlieb så småningom utvecklade kom i början av 1940-talet, i form av hans Pictograph-målningar. Dessa verk var i huvudsak försök att skapa ett nytt symboliskt språk av bilder som kunde kommunicera universella känslor och känslor. Gottlieb konceptualiserade sina Pictograph-målningar på ett sätt som gjorde att deras yta var plattad, vilket eliminerade djup och någon känsla av illusion som kunde kopplas till deras figurativa element. Han demokratiserade också alla områden av duken i en förutseende referens till vad som snart skulle kallas "all-over"-målning. Hans Pictographs använde en råhet som påminde om barnsliga tecken, och väckte de estetiska tendenserna hos stam samhällen.
I en mening försökte Gottlieb skapa ett nytt bildalfabet i traditionen av hieroglyfer eller kinesiska kanji. Men istället för att försöka kommunicera specifika berättelser, försökte han destillera sina uttalanden ner till de mest grundläggande elementen. Istället för att stava ut de myter han refererade till, försökte han kommunicera de kollektiva mänskliga känslor som finns i deras kärna. För att uppnå detta mål skapade han noggrant bilder som var helt originella och fria från externa associationer, i hopp om att deras universella natur skulle övervinna de små kulturella skillnader som höll människor åtskilda.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, Olja på konstnärsplatta, 29 1/4 × 23 1/4 tum, 74,3 × 59,1 cm, foto kredit Hollis Taggart Galleries, New York (Vänster) och Utan titel, 1949, Pastell på papper, 24 × 18 tum, 61 × 45,7 cm, foto kredit Berggruen Gallery, San Francisco (Höger)
Fiktiva Landskap
När Gottlieb utvecklade sina Piktogram, engagerade han sig i en förenklingsprocess. Genom den processen kom han fram till en serie verk som han kallade Imaginary Landscapes. Till skillnad från Piktogrammen, som inte lade någon tydlig betoning på någon del av bilden, separerade Gottlieb bildplanet i dessa målningar i två distinkta områden genom införandet av en horisontlinje. Under linjen lade Gottlieb till piktografiska klotter. Ovanför linjen lade han till färgade geometriska former. Imaginary Landscapes föreslog en hierarkisk relation mellan de två typerna av bilder. Avbildad som underordnad är ett klottrande, känslomässigt, komplicerat uttryck för mänsklig ångest. Svävande ovanför är ett enkelt, direkt uttryck för universell renhet.
Imaginary Landscape blev sedan ytterligare förenklad till vad Gottlieb kallade Burst-målningar. I dessa verk eliminerade han horisontlinjen, men behöll klottret längst ner och den enade formen högst upp. Bursts använde stora färgfält och förenade färgelementet med form. De inbjöd till kontemplation på en nästan helig nivå och verkade kommunicera konceptet av en symbiotisk relation mellan någon högre och lägre medvetenhet.
Adolph Gottlieb - Imaginärt landskap, 1971, akvatint i färger, på Fabriano-papper, med fulla marginaler, 26 3/10 × 32 1/2 tum, 66,7 × 82,6 cm
Arvet efter Adolph Gottlieb
År 1970 fick Gottlieb en stroke och förlorade användningen av vänster sida av sin kropp. Han fortsatte ändå att skapa verk och skapade några av de mest djupgående och extrema uttrycken i sin Burst-serie bara ett år innan han dog. Vid tidpunkten för hans livs slut var han känd inte bara för den unika kropp av verk han skapade, utan också för sitt inflytande på andras arbete. Hans filosofier var avgörande för idéerna hos de abstrakta expressionisterna. Och hans estetiska vision anses ha varit inflytelserik i uppkomsten av Color Field Painting och Minimalism.
Men lika viktigt som den estetiska arvet av de målningar, skulpturer och tryck som Adolph Gottlieb skapade under sina 70 år är det bidrag han gjorde till den större konstnärliga gemenskap han tillhörde—den som transcenderar formella framsteg, generationer och rörelser. Gottlieb hade en vision av konstnären som någon som inte är separerad från resten av samhället, utan intrikat kopplad till det. Han trodde på konstens potential att transformera civilisationen, och att det var viktigt att diskutera estetiska idéer öppet och på ett enkelt språk så att de kunde förstås av alla. Han uppfattade att konstnärer är avgörande för en kulturs förmåga att förstå sig själv, och genom sitt arbete visade han det ansvar som alla konstnärer har att uttrycka galenskapen, kaoset, briljansen, skönheten, mörkret och ljuset i sin tid.
Utvald bild: Adolph Gottlieb -
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio
