Artikel: Det mörka, abstrakta konsten av Adolph Gottlieb
Det mörka, abstrakta konsten av Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb var en av de viktigaste gestalterna inom abstraktion under mitten av 1900-talet. Hans målningar är känslosamma, sparsamma och primitiva, och många anser dem vara mörka. Men Gottlieb såg sig själv som motsatsen till mörker. Han kände sig energisk, komplex, passionerat modern och som någon som lyste upp vägen med sin konst mot något bättre för mänskligheten. Född i New York City i början av en av de mest oroliga tiderna i mänsklighetens historia, växte Gottlieb definitivt upp i ett mörker: en tid av social, politisk och ekonomisk oro, då samhällets framtid stod på spel i en verklig, konkret mening. Det är tydligt inte bara från hans konst utan också från hans skrifter att oron och tvetydigheterna under första världskriget, den stora depressionen och andra världskriget absolut bidrog till utvecklingen av hans estetiska vision. Men den estetiska visionen var inte bara en av sorg eller undergång, som så många kritiker har föreslagit. Den var faktiskt en genom vilken Gottlieb helt enkelt strävade efter att kommunicera sanningen om det mänskliga hjärtat och sinnet, på ett hoppfullt sätt. Kanske är det oundvikligt att en sådan sanning som Gottlieb uppfattade måste innefatta en viss grad av galenskap och kaos. Men den omfattande samling verk som Gottlieb lämnade efter sig när han dog 1974 inkluderade också det vackra, det fridfulla, det lugna och det upphöjda. Dessa paradoxala komplexiteter, som definierade hans ibland kontroversiella världsbild, ledde slutligen Adolph Gottlieb till att omdefiniera abstrakt konst och resulterade i skapandet av ett konstnärskap som först nu börjar erkännas för sin verkliga briljans och ljus.
En konstnär i hjärtat
Adolph Gottlieb föddes i en arbetarklassfamilj av invandrare i New York 1904. Jämfört med många andra barn som växte upp på Lower East Side vid den tiden fick han en fantastisk start i livet, då hans föräldrar byggde upp en framgångsrik pappershandel och hoppades en dag kunna överlämna den till honom. Men redan som ung visste han med säkerhet att allt han ville vara var en konstnär. Han var så säker på det att han hoppade av skolan vid 15 års ålder för att helt ägna sig åt sin konst. Han deltog i föreläsningar vid Art Students League, en konstnärsdriven institution där många konstnärer som senare blev en del av den abstrakta expressionistiska rörelsen gick i skola. Och sedan, vid bara 17 års ålder, reste Gottlieb till Europa och tjänade sin biljett genom att arbeta ombord på ett fartyg på väg till Frankrike.
Hans ungdomliga tro på sina förmågor gav utdelning utomlands, då han snabbt blev bekant med den europeiska modernismens värld. I kontrast till amerikansk konst på 1920-talet var europeisk konst vid den tiden fantastiskt uppfinningsrik. Han exponerades för fauvism, kubism, suprematism, futurism och geometrisk abstraktion. Han besökte museer ofta och deltog i alla gratis konstkurser han kunde hitta. När hans visum gick ut tillbringade han nästan ytterligare ett år med att resa runt i Europa. Under resans gång blev han övertygad om att europeiska konstnärer var kopplade till något viktigt. Särskilt fascinerades han av den spridande influensen från stamkonst, en trend som inspirerade honom att förkasta den vardagliga figurationen i amerikansk konst till förmån för att söka universella uttryck i urgamla symboler och århundraden gamla visuella traditioner.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Färgsilkscreentryck, 31 1/8 × 23 1/8 tum, 79,1 × 58,7 cm (vänster) och Flying Lines, 1967, Färgsilkscreentryck, 30 × 22 tum, 76,2 × 55,9 cm, fotokrediter Marlborough Gallery
Den filosofiska konstnären
När Gottlieb återvände till New York 1922 hade han med sig en känsla av sitt eget ansvar som konstnär. Han såg sig själv som en moderniserande kraft för sin kultur och omfamnade tanken att konstnärer borde vara filosofer och agenter för samhällsförändring. Han avslutade sin konstutbildning och blev under de följande åren vän med en grupp andra konstnärsfilosofer, såsom Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith och Milton Avery, några av vilka så småningom blev de mest berömda amerikanska konstnärerna i sin generation. Gottlieb och hans kamrater var avvikare. De var abstrakta konstnärer, eller åtminstone konstnärer som skapade konst som tolkades som abstrakt, men de var också ivriga att offentligt diskutera betydelsen av sitt arbete.
Vid den tiden var avantgardekonstnärer, särskilt abstrakta konstnärer, inte förstådda i USA och definitivt inte allmänt respekterade – inte ens i New York. Många hade svårt att förespråka för sig själva och sitt värde, särskilt för värdet av modernistiska estetiska ideal. Men Gottlieb var en naturlig förespråkare och en född kommunikatör. Han var politiskt och socialt engagerad och talade snabbt till förmån för det han ansåg vara viktigt. 1935 satte Gottlieb och hans vän Mark Rothko (då känd som Marcus Rothkowitz) sina övertygelser i handling genom att bilda en grupp kallad The Ten. Den inkluderade Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg och Yankel Kufeld. I öppen protest mot de rådande trenderna inom New Yorks kuratorsscen ställde The Ten ut sina abstrakta verk tillsammans och förkastade det de kallade ”den påstådda likvärdigheten mellan amerikansk målning och bokstavlig målning.”
Adolph Gottlieb - Red Ground, Olja på papper monterat på duk
Piktograferna
Ett av de första framstegen mot den mogna abstrakta stil som Gottlieb så småningom utvecklade kom i början av 1940-talet, i form av hans Pictograph-målningar. Dessa verk var i huvudsak försök att skapa ett nytt symboliskt bildspråk som kunde förmedla universella känslor och stämningar. Gottlieb utformade sina Pictograph-målningar så att deras yta var tillplattad, vilket eliminerade djup och all illusion som kunde kopplas till deras figurativa element. Han demokratiserade också alla delar av duken i en förutseende hänvisning till det som snart skulle kallas ”all-over”-målning. Hans Pictographs använde en råhet som påminde om barnsliga markeringar och väckte estetiska tendenser från stamkulturer.
På ett sätt försökte Gottlieb skapa ett nytt bildalfabet i hieroglyfers eller kinesiska kanjis tradition. Men istället för att försöka förmedla specifika berättelser försökte han destillera sina budskap till det allra nödvändigaste. Istället för att stava ut de myter han refererade till försökte han kommunicera de kollektiva mänskliga känslor som bor i deras kärna. För att uppnå detta mål skapade han noggrant bilder som var helt originella och fria från yttre associationer, i hopp om att deras universella natur skulle överskrida de små kulturella skillnader som höll människor isär.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, Olja på konstnärsboard, 29 1/4 × 23 1/4 tum, 74,3 × 59,1 cm, fotokrediter Hollis Taggart Galleries, New York (vänster) och Untitled, 1949, Pastell på papper, 24 × 18 tum, 61 × 45,7 cm, fotokrediter Berggruen Gallery, San Francisco (höger)
Fiktiva landskap
När Gottlieb utvecklade sina Pictographs ägnade han sig åt en förenklingsprocess. Genom den processen kom han fram till en serie verk som han kallade Imaginary Landscapes. Till skillnad från Pictographs, som inte lade någon tydlig betoning på någon del av bilden, delade Gottlieb upp bildplanet i dessa målningar i två distinkta områden genom införandet av en horisontlinje. Under linjen lade Gottlieb till piktografiska klotter. Ovanför linjen lade han till färgade geometriska former. Imaginary Landscapes antydde en hierarkisk relation mellan de två typerna av bilder. Som underordnad framställdes en klottrande, känslosam, komplicerad uttryck för mänsklig ångest. Svävande ovanför fanns ett enkelt, direkt uttryck för universell renhet.
Imaginary Landscape förenklades sedan ytterligare till vad Gottlieb kallade Burst-målningar. I dessa verk eliminerade han horisontlinjen men behöll klottret längst ner och den enhetliga formen högst upp. Bursts använde stora färgfält och förenade färgelementet med formelementet. De inbjöd till eftertanke på nästan helig nivå och verkade förmedla begreppet om ett symbiotiskt förhållande mellan ett högre och ett lägre medvetande.
Adolph Gottlieb - Imaginary Landscape, 1971, Akvatint i färger, på Fabriano-papper, med fulla marginaler, 26 3/10 × 32 1/2 tum, 66,7 × 82,6 cm
Arvet efter Adolph Gottlieb
1970 drabbades Gottlieb av en stroke och förlorade användningen av vänstra sidan av kroppen. Han fortsatte ändå att skapa verk och gjorde några av de mest djupgående och extrema uttrycken i sin Burst-serie bara ett år innan han dog. När hans liv tog slut var han känd inte bara för den unika samling verk han skapat, utan också för sitt inflytande på andras arbete. Hans filosofier var en integrerad del av idéerna hos de abstrakta expressionisterna. Och hans estetiska vision anses ha varit inflytelserik i uppkomsten av färgfältsmåleri och minimalism.
Men lika viktigt för det estetiska arvet från de målningar, skulpturer och tryck som Adolph Gottlieb skapade under sina 70 år är det bidrag han gav till den större konstnärsgemenskap han tillhörde – det som överskrider formella framsteg, generationer och rörelser. Gottlieb hade en vision av konstnären som någon som inte är skild från resten av samhället, utan intrikat sammanlänkad med det. Han trodde på konstens potential att förändra civilisationen och att det var viktigt att diskutera estetiska idéer öppet och på enkelt språk så att alla kunde förstå. Han uppfattade att konstnärer är avgörande för en kulturs förmåga att förstå sig själv, och genom sitt arbete visade han det ansvar alla konstnärer har att uttrycka galenskapen, kaoset, briljansen, skönheten, mörkret och ljuset i sin tid.
Framträdande bild: Adolph Gottlieb -
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio
