Klarhet i Ton och Form i Barnett Newman Målningar

De ikoniska zip-målningarna av Barnett Newman, som har tunna, lysande vertikala band omgivna av immersiva färgfält, anses vara några av de mest känslosamma och kraftfulla verken från 1900-talet. Men Newman uppskattades inte under sin tid. Han var i fyrtioårsåldern innan han nådde sin mogna stil, och när han först ställde ut sina zip-målningar avskydde kritiker och samlare dem universellt. Ändå förblev Newman singulart fokuserad på vad han ville kommunicera med sin konst. Hans långa och svåra väg till framgång gav honom ett unikt perspektiv och en möjlighet att själv sammanfatta meningen och syftet med livet och konsten. När historien till slut kom ikapp Newman hade hans unika perspektiv resulterat i ett konstverk som med perfekt klarhet kommunicerar det universella, det individuella och det sublima.

Barnett Newman författaren

Barnett Newman föddes med en passion för att kommunicera, både genom ord och bilder. Som barn som växte upp i Bronx vann han en gång en talartävling i skolan. Vid tiden han var sistaårselev i gymnasiet tog han lektioner nästan varje dag i veckan på Art Students League. På college använde han sina passioner, studerade konst, hade filosofi som huvudämne och bidrog med artiklar till skolpublikationer. Men trots sin enorma talang och drivkraft, fann Newman efter college att han saknade en tydlig riktning för hur han exakt skulle använda sina passioner i en karriär.

Efter att ha tagit examen med en filosofi-examen 1927 började Newman arbeta i familjeföretaget, i ett försök att spara pengar innan han skulle leva livet som konstnär. Men när börsen kraschade två år senare, förstördes nästan alla framtidsutsikter för honom och hans familj. Konfronterad med hårda verkligheter, satte Newman igång på allvar för att överleva på vilket sätt han kunde. Han försökte som vikarie och skrev för ett antal publikationer om ämnen som politik och konsthistoria. Medan han kämpade och sökte fortsatte han att måla och knöt kontakter med andra likasinnade själar som också kämpade för att hitta sin väg. Dessa kontakter inkluderade hans fru Annalee, målarna Mark Rothko och Adolph Gottlieb, samt galleristen Betty Parsons.

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Köln, Tyskland. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman filosofen

Under hela 1930-talet och tidigt 1940-tal var Newman oändligt missnöjd med sina egna insatser som målare. Han hade hjärtat av en poet och filosof och sökte ett sätt att kommunicera sin inre natur genom sin konst. Han fann tröst i att skriva om konst, då han skrev utställningskatalogessäer för olika andra konstnärer, tack vare sin koppling till Betty Parsons. Dessa skrifter, tillsammans med hans varierade livserfarenheter och personliga kamper, ledde honom gradvis till att utveckla en djupgående teori om mänsklighetens natur och konstens syfte.

Han förklarade den filosofin i två uppsatser som han skrev 1947 och 1948, respektive. Den första uppsatsen hette Den Första Människan Var en Konstnär. I den hävdade Newman att den poetiska, eller konstnärliga instinkten alltid har föregått den utilitaristiska instinkten hos människor, sedan tidens början. Han hävdade att lerskulpturer av gudar hade föregått keramik, och att poetiska grymtningar och skrik som uttrycker de mest primitiva känslorna föregick så kallade civiliserade yttranden. “Keramik är produkten av civilisationen,” skrev Newman. “Den konstnärliga handlingen är människans personliga arvsrätt.”

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Olja på duk. Totalt: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 tum). Gåva från Annalee Newman, till minne av 50-årsjubileet av National Gallery of Art. 1988.57.2. National Gallery of Art-samlingen. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman målaren

Det andra viktiga essä som Newman skrev hette The Sublime Is Now. I detta verk kritiserade han alla tidigare konstnärer för att bara jaga skönhet. Även modernistiska konstnärer, hävdade han, återtolkade bara det som var vackert och skapade en “överföring av värden istället för att skapa en ny vision.” Han hävdade att han och hans samtida strävade efter något helt nytt, “genom att helt förneka att konsten har något att göra med problemet av skönhet och var man kan hitta den.” Han hävdade att det arbete han och de gjorde inte hade någon koppling till något historiskt, nostalgiskt eller mytiskt, utan var “självklart” och gjort “utifrån våra egna känslor.”

Resultatet av all denna filosofiska reflektion manifesterade sig för Newman konstnärligt 1948, när han skapade sitt ikoniska mästerverk Onement, den första av hans zipmålningar. Titeln på verket är ett ordspel. Det hänvisar till ordet försoning, som kan betyda att reparera något men som också är en kristen referens till sammanslagningen av mänsklighet och gudomlighet som representeras av Kristusgestalten. Men genom att utelämna de två första bokstäverna i ordet gjorde Newman också en referens till individens totalitet, det ena, och hans övergripande idé att hela den sublima förståelsen kan vara självförsörjande inom en person, eller för den delen, en målning.

Barnett Newman - Onement I, 1948. Olja på duk och olja på maskeringstejp på duk. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Gåva av Annalee Newman. 390.1992. MoMA-samlingen. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Ett Enkelt Uttryck för Syfte

Efter att ha målat Onement förstörde Barnett Newman alla sina tidigare verk. Han hade uppnått den estetiska röst han hade sökt, och från det ögonblicket fortsatte han att förstöra alla verk som inte passade in i hans specifika vision. Ironiskt nog var han inte den enda som kände behovet av att förstöra sitt arbete. Han lärde sig den olyckliga läxan 1950 när han började representeras av sin vän Betty Parsons. Under de kommande två åren höll han två separata utställningar på hennes galleri. Vid båda utställningarna blev hans målningar slaktade, och i recensionerna fördömde kritikerna universellt verken.

Skakad av det hat han upplevde drog Newman tillbaka sitt arbete från Betty Parsons och slutade helt att ställa ut sina verk under de kommande fyra åren. Han köpte till och med tillbaka en av sina målningar som hade sålts, och skrev till samlaren: “Villkoren existerar ännu inte . . . som kan möjliggöra en direkt, oskyldig attityd gentemot ett isolerat stycke av mitt arbete.” Men han fortsatte att måla sina zip-målningar, och trodde innerligt att de kommunicerade renheten och storheten av det sublima, individuella ande. När han slutligen bestämde sig för att ställa ut sitt arbete igen, blev det dock fortfarande hånat, med en kritiker av en utställning 1957 av målningen Vir Heroicus Sublimis som gick så långt som att förbanna verket och endast uppmärksamma dess storlek och det faktum att det är rött.

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Olja på duk. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Gåva från Mr. och Mrs. Ben Heller. 240.1969. MoMA-samlingen. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Nästa generation

Trots den offentliga missuppfattningen av hans insatser, fortsatte Newman, och befäste sitt uttryck genom att förenkla det. Hans mest framgångsrika verk bestod endast av två element: ton och form. Zipsen själva var inte så mycket former som de var former. Men målningarna var former i sin helhet. Zipsen var egentligen bara uttryck för tonala kvaliteter, en förändring i färg som särskilde dem från deras omgivande färgfält. Och han uttryckte också ton i musikalisk mening, som i ett klart, precist, förlängt uttryck av en röst. Genom sitt klara uttryck av ton och form definierade Newman sin orubbliga tro på värdet av egenmakt, egenart och den universella essensen av individen.

Trots sin uppriktighet och passion, fick Barnett Newman under 1950-talet endast stöd av en kritiker, och det var Clement Greenberg. Även om hans stöd gjorde lite för att övertyga konstetablissemanget om värdet av verket, speglade det den växande förståelsen den yngre generationen hade för vad Barnett Newman representerade. För de unga målarna, snarare än att binda dem till det förflutna, hade Newman befriat dem att omfamna sin unika individualitet. Han hade visat att betraktare kunde närma sig vilket av hans målningar som helst och möta dem på exakt samma sätt som de skulle möta en annan människa: bara en väsentlig enhet som möter en annan. Han bevisade att målningar inte behövde relatera till varandra, och de behövde inte relatera till historien. Han visade att varje konstverk var ett universum i sig själv.

Barnett Newman - The Third, 1964. Olja på duk. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Ett fördröjt men bestående inflytande

Även om det tog tills Newman var i sextioårsåldern innan en ny generation kunde koppla samman med hans idéer, så fick han så småningom den respekt och erkännande han förtjänade. Idag kan inflytandet från Barnett Newman ses hos ett antal samtida abstrakta konstnärer som har skapat idiosynkratiska estetiska visioner baserade på ton och form. Tänk till exempel på Tom McGlynn, som har skapat en sublim och idiosynkratisk vision baserad på ton och form; eller verken av Richard Caldicott, som utforskar seriell upprepning och strukturer i skapandet av unikt singulara estetiska rum.

Trots den initiala missuppfattningen kring hans arbete, inkluderas Barnett Newman nu rutinmässigt bland de bästa abstrakta expressionisterna, Color Field-konstnärerna och till och med minimalisterna. Men han ansåg sig själv vara oansluten till någon av dessa grupper. Han ansåg sig själv mer som en rörelse helt på egen hand. Ändå, även om han inte var som de abstrakta expressionisterna i stil, var han en standardbärare för värdet av personlig uttryck. Även om han inte var en Color Field-konstnär, visade han förmågan hos tonala kvaliteter att skapa meditativa och kontemplativa estetiska former. Och även om han inte var en minimalist, uttryckte han förutseende värdet av att förenkla och reducera det visuella språket.

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Olja på duk. 114 x 84 tum. (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Utvald bild: Barnett Newman - Onement I (detalj), 1948. Olja på duk och olja på maskeringstejp på duk. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Gåva av Annalee Newman. 390.1992. MoMA-samling. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio