Klarhet i Ton och Form i Barnett Newman Målningar

De ikoniska dragkedjemålningarna av Barnett Newman, med tunna, lysande vertikala band omgivna av omslutande färgfält, anses vara några av de mest känslosamma och kraftfulla verken från 1900-talet. Men Newman uppskattades inte under sin tid. Han var i fyrtioårsåldern innan han nådde sin mogna stil, och när han först ställde ut sina dragkedjemålningar föraktade kritiker och samlare dem enhälligt. Trots detta förblev Newman helt fokuserad på vad han ville förmedla med sin konst. Hans långa och svåra väg till framgång gav honom ett unikt perspektiv och en möjlighet att själv dra slutsatser om livets och konstens mening och syfte. När historien väl hann ikapp Newman hade hans unika perspektiv resulterat i ett konstnärligt verk som med perfekt klarhet förmedlar det universella, det individuella och det sublima.

Barnett Newman författaren

Barnett Newman föddes med en passion för att kommunicera, både genom ord och bilder. Som barn i Bronx vann han en gång en talartävling i skolan. När han gick sista året på gymnasiet tog han nästan dagligen lektioner vid Art Students League. På högskolan använde han sina passioner, studerade konst, hade filosofi som huvudämne och skrev artiklar till skolans publikationer. Men trots sin enorma talang och drivkraft saknade Newman efter högskolan en tydlig riktning för hur han skulle använda sina passioner i en karriär.

Efter att ha tagit filosofieexamen 1927 började Newman arbeta i familjeföretaget och försökte spara pengar innan han skulle leva konstnärslivet. Men när börskraschen kom två år senare förstördes nästan alla utsikter för honom och hans familj. Konfronterad med hårda realiteter gav sig Newman iväg på allvar för att överleva på vilket sätt han kunde. Han provade på vikarieundervisning och skrev för flera publikationer om ämnen som politik och konsthistoria. Under sin kamp och sökande fortsatte han att måla och knöt kontakter med andra likasinnade själar som också kämpade för att hitta sin väg. Dessa kontakter inkluderade hans hustru Annalee, målarna Mark Rothko och Adolph Gottlieb, samt galleristen Betty Parsons.

 

Barnett Newman - Midnattsblå, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Köln, Tyskland. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman filosofen

Under 1930-talet och tidigt 1940-tal var Newman ständigt missnöjd med sina egna insatser som målare. Han hade hjärtat av en poet och filosof och sökte ett sätt att förmedla sin inre natur genom sin konst. Han fann tröst i att skriva om konst, då han skrev essäer till utställningskataloger för olika andra konstnärer, tack vare sin koppling till Betty Parsons. Dessa skrifter, tillsammans med hans varierade livserfarenheter och personliga svårigheter, ledde honom gradvis till att utveckla en djupgående teori om människans natur och konstens syfte.

Han formulerade denna filosofi i två essäer som han skrev 1947 respektive 1948. Den första essän hette The First Man Was an Artist. Där hävdade Newman att den poetiska, eller konstnärliga, instinkten alltid föregått den nyttomässiga instinkten hos människan, ända sedan tidernas begynnelse. Han menade att lerfigurer av gudar föregick keramiken, och att poetiska grymtningar och skrik som uttrycker de mest grundläggande känslorna föregick så kallade civiliserade yttranden. ”Keramik är civilisationens produkt,” skrev Newman. ”Den konstnärliga handlingen är människans personliga födslorätt.”

 

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Olja på duk. Totalt: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 tum). Gåva från Annalee Newman, till minne av National Gallery of Arts 50-årsjubileum. 1988.57.2. National Gallery of Art Collection. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman målaren

Den andra viktiga essän Newman skrev hette The Sublime Is Now. I denna kritiserade han alla tidigare konstnärer för att de bara jagade skönhet. Även modernistiska konstnärer, hävdade han, återtolkade bara det vackra och skapade en ”överföring av värden istället för att skapa en ny vision.” Han hävdade att han och hans samtida sökte något helt nytt, ”genom att fullständigt förneka att konsten har något att göra med problemet skönhet och var man hittar den.” Han menade att det verk han och de skapade inte hade någon koppling till något historiskt, nostalgiskt eller mytiskt, utan var ”självklart” och gjort ”av våra egna känslor.”

Resultatet av all denna filosofiska reflektion manifesterades konstnärligt för Newman 1948, när han skapade sitt ikoniska mästerverk Onement, den första av hans zip paintings. Titeln är ett ordspel. Den anspelar på ordet atonement, som kan betyda att reparera något men också är en kristen hänvisning till föreningen av mänsklighet och gudomlighet som representeras av Kristusgestalten. Men genom att ta bort de två första bokstäverna i ordet gjorde Newman också en hänvisning till individens helhet, den ene, och hans övergripande idé att all sublima förståelse kan vara självförsörjande inom en person, eller för den delen, en målning.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948. Olja på duk och olja på maskeringstejp på duk. 27 1/4 x 16 1/4 tum (69,2 x 41,2 cm). Gåva från Annalee Newman. 390.1992. MoMA Collection. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Ett enskilt uttryck för syfte

Efter att ha målat Onement förstörde Barnett Newman alla sina tidigare verk. Han hade funnit den estetiska röst han sökt, och från och med då fortsatte han att förstöra alla verk som inte passade hans specifika vision. Ironiskt nog var han inte den enda som kände behovet av att förstöra sitt arbete. Den lärdomen fick han 1950 när han började representeras av sin vän Betty Parsons. Under de följande två åren hade han två separatutställningar i hennes galleri. Vid båda visningarna blev hans målningar sönderskurna, och kritikerna hånade verken enhälligt i sina recensioner.

Skakad av det hat han mötte drog Newman tillbaka sina verk från Betty Parsons och slutade helt att ställa ut under de följande fyra åren. Han köpte till och med tillbaka en av sina målningar som sålts, och skrev till samlaren: ”Förutsättningarna finns ännu inte . . . för att möjliggöra en direkt, oskyldig inställning till ett isolerat verk av mitt arbete.” Men han fortsatte att måla sina dragkedjemålningar, i grunden övertygad om att de förmedlade den rena och storslagna sublima, individuella anden. När han slutligen bestämde sig för att ställa ut igen hånades verken fortfarande, och en kritiker vid en utställning 1957 av målningen Vir Heroicus Sublimis gick så långt att han förbannade verket och bara uppmärksammade dess storlek och att det var rött.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Olja på duk. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Gåva från herr och fru Ben Heller. 240.1969. MoMA Collection. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Nästa generation

Trots den allmänna missförståelsen av hans insatser fortsatte Newman och befäste sitt uttryck genom att förenkla det. Hans mest framgångsrika verk bestod endast av två element: ton och form. Själva dragkedjorna var inte så mycket former som de var skepnader. Men målningarna var former i sin helhet. Dragkedjorna var egentligen bara uttryck för tonala kvaliteter, en färgförskjutning som skiljde dem från deras omgivande färgfält. Han uttryckte också ton i musikalisk mening, som i ett klart, precist, utdraget uttryck av en röst. Genom sitt klara uttryck av ton och form definierade Newman sin bestämda tro på värdet av egenmakt, egenart och individens universella väsen.

Trots sin uppriktighet och passion var det under 1950-talet bara en kritiker som stödde Barnett Newman, och det var Clement Greenberg. Även om hans stöd inte övertygade konstetablissemanget om verkens värde, speglade det den växande förståelsen den yngre generationen hade för vad Barnett Newman stod för. För de unga målarna hade Newman, snarare än att binda dem till det förflutna, frigjort dem att omfamna sin unika individualitet. Han hade visat att betraktare kunde närma sig vilken av hans målningar som helst och möta dem på samma sätt som de skulle möta en annan människa: bara en väsentlig enhet möter en annan. Han bevisade att målningar inte behövde relatera till varandra, och de behövde inte relatera till historien. Han visade att varje konstverk var ett universum i sig.

 

Barnett Newman - Den tredje, 1964. Olja på duk. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

En fördröjd men bestående påverkan

Även om det dröjde tills Newman var i sextioårsåldern innan en ny generation kunde knyta an till hans idéer, fick han till slut den respekt och erkännande han förtjänade. Idag kan Barnett Newmans inflytande ses hos många samtida abstrakta konstnärer som skapat egenartade estetiska visioner baserade på ton och form. Tänk till exempel på Tom McGlynn, som skapat en sublima och egenartad vision baserad på ton och form; eller verken av Richard Caldicott, som utforskar serierepetition och strukturer i skapandet av unikt enskilda estetiska rum.

Trots det initiala missförståndet kring hans verk räknas Barnett Newman nu rutinmässigt bland de främsta abstrakta expressionisterna, färgfältskonstnärerna och till och med minimalisterna. Men han ansåg sig inte tillhöra någon av dessa grupper. Han såg sig mer som en rörelse för sig själv. Trots att han inte var lik abstrakta expressionister i stil var han en fanbärare för värdet av personlig uttrycksfrihet. Trots att han inte var en färgfältskonstnär visade han hur tonala kvaliteter ensamma kan skapa meditativa och eftertänksamma estetiska former. Och även om han inte var minimalist uttryckte han förutseende värdet av att förenkla och minska det visuella språket.

 

Barnett Newman - Svart eld I, 1963. Olja på duk. 114 x 84 tum (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Framträdande bild: Barnett Newman - Onement I (detalj), 1948. Olja på duk och olja på maskeringstejp på duk. 27 1/4 x 16 1/4 tum (69,2 x 41,2 cm). Gåva från Annalee Newman. 390.1992. MoMA Collection. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio