Vad var dematerialiseringen av konstobjekt?

Lucy Lippard—en gigant inom amerikansk konstkritik, författare till mer än 20 böcker och medgrundare av Printed Matter, den självklara försäljaren av böcker skapade av konstnärer—fyllde 80 år i år. Trots hennes många andra bedrifter är Lippard mest känd för ”Konstens avmaterialisering,” en essä hon skrev tillsammans med John Chandler 1968 (tillgänglig online här). I essän presenterade Lippard bevis för att konsten kunde vara på väg in i en fas av ren intellektualism, vilket kunde leda till att det traditionella konstobjektet helt försvann. Texten växte fram ur, och hjälpte till att sätta i kontext, det föregående decenniet av vilt uppfinningsrik konceptuell konst, som ofta lämnade efter sig endast flyktiga, icke-arkiverbara lämningar, eller inga lämningar alls förutom kanske inspelningar av upplevelser. Konceptkonstnärer ägnade sig åt att göra idéerna till det centrala i sitt arbete, och många hävdade övertygande att de objekt konstnärer skapar för att uttrycka sina idéer bara är avfallsprodukter, och att idéerna själva är det enda som är värt att beakta. Essän var enormt inflytelserik vid den tiden: så pass att Lippard följde upp med en bok kallad Sex år, där hon ingående analyserade bevis för trenden. Men uppenbarligen var hennes föraning felaktig i längden, eftersom konstobjekten ännu inte har avmaterialiserats. Ändå, som en hyllning till den kommande 50-årsdagen av den ursprungliga publiceringen av Konstens avmaterialisering, tänkte vi ta en stund för att fördjupa oss i denna inflytelserika essä och lyfta fram vad som är relevant för vår tid.

Konstens vetenskap

Lippard baserade de centrala begrepp hon diskuterade i Konstens avmaterialisering på en idé som först presenterades i en bok kallad Konstens matematiska grund, skriven av den amerikanske målaren Joseph Schillinger. I den boken delade Schillinger in hela konsthistorien i fem kategorier av estetiska fenomen. Först, förklarade han, kom den ”pre-estetiska” fasen av efterhärmning. Därefter kom ritualistisk eller religiös konst. Sedan kom känslomässig konst. Därefter rationell, empiriskt baserad konst. Och den femte, och enligt Schillinger ”slutgiltiga” estetiska fasen var ”vetenskaplig,” eller vad han kallade ”post-estetisk.” Denna sista fas, förutspådde han, skulle kulminera i ”idéns frigörelse” och leda till ”konstens upplösning.”

När hon betraktade konstens utveckling under 1950- och 60-talen trodde Lippard att det hon bevittnade var framväxten av denna femte fas av konsten. Och hon var entusiastisk över tanken. Hon ansåg avmaterialisering vara en positiv, livsviktig förändring. Om det estetiska objektet kunde upphöra att vara konstens centrala fokus, kunde konsten frigöras från varufiering, det ofta förkastliga system som utövar så mycket destruktiv kraft över många konstnärers liv och verk.

Joseph Schillinger - Gröna rutor, från serien Konstens matematiska grund, ca 1934, tempera på papper, Smithsonian, foto via rendaan.com

Varornas vetenskap

Som bevis för att avmaterialiseringen hade börjat nämnde Lippard rörelser som Light and Space, vilka var visuella till sin natur men inte objektbaserade, och minimalism, som drastiskt reducerade det estetiska objektet. Sådana rörelser, menade hon, minskade vikten av det visuella i ett konstverk och definierade det visuella mer som en utgångspunkt för en immateriell, intellektuell upplevelse. Men en av de tidiga och uppenbara kritikerna av Konstens avmaterialisering var att även om dessa flyktiga, konceptuella idéer var mindre objektbaserade, resulterade de ändå i fysiska fenomen. Även en performancekonstnär skapar något—en föreställning—som kan säljas som en upplevelse eller spelas in.

Oavsett hur liten en lämning en konstnär skapar kan den bli föremål för dyrkan och handlas som en vara. Det enda sättet att helt undvika risken för varufiering är att aldrig dela en idé: då kan kanske vördnaden och heligheten i den intellektuella upplevelsen bevaras. Men bara delade idéer kan verkligen kallas konst. Och så snart en idé delas kan den ägas, manipuleras och uttryckas på andra sätt, eller med andra ord, materialiseras. Och så snart något materialiseras kan det köpas och säljas som en vara.

Joseph Schillinger - Oavslutad studie i rytm, serie utvecklad från Konstens matematiska grund, ca 1934, krita och blyerts på illustratörskiva, ark: 37,78 x 50,48 cm, samling Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

De fem faserna

När man läser om Konstens avmaterialisering idag är det enda verkliga misstaget som framstår hur den presenterar de fem faserna av konst, som Schillinger förklarade, som något linjärt. Det är alltid frestande för varje generation att se sig själv som stående i modernitetens framkant. Schillinger trodde att konsten historiskt hade utvecklats genom faser, och Lippard trodde att hon tillhörde den generation som förde konsten mot dess evolutionära höjdpunkt. Men tiden går inte framåt; den bara passerar. Kulturen är inte linjär; den upprepar sig. Mänskligheten försämras lika snabbt som den utvecklas. Och sanningen var på 1960- och 70-talen, och är fortfarande idag, att konstnärer hittar sätt att avmaterialisera lika snabbt som andra återupptäcker hur man materialiserar.

Slutligen måste Lippard också ha insett detta även när hon skrev om avmaterialisering, eftersom hennes essä avslutas med frågan om den så kallade nollpunkten i konsten sannolikt kommer att nås snart. Svaret, säger hon, är: ”Det verkar knappast troligt.” Även idag, när konstnärer säljer virtuella skapelser som bara existerar i digitalt rum, kan vi fortfarande hävda att avmaterialisering är en fantasi. Allt som kan ses är per definition materiellt, även om det bara kan ses genom virtuella verklighetsglasögon. Men enligt vår mening bevisar det bara att kanske var det aldrig själva poängen att uppnå avmaterialisering. Poängen Lippard verkligen gjorde var helt enkelt att en viktig aspekt av bildkonst är att outtröttligt söka efter hur man kan uttrycka mer med mindre. Varje konstnär som arbetar mot avmaterialisering arbetar också mot enkelhet. Och enkelhet leder till upptäckten av vad som verkligen är oumbärligt, och därmed verkligen meningsfullt. Det är definitivt inte konstens slutgiltiga fas. Men det är en som kan påminna oss om vad konstens verkliga värde är.

Framträdande bild: Joseph Schillinger - Röd rytm (detalj), serie utvecklad från Konstens matematiska grund, ca 1934, gouache på papper, bildyta: 20,32 x 30,32 cm; ark: 26,67 x 35,24 cm, samling Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio