Vad var dematerialiseringen av konstobjekt?

Lucy Lippard—en jätte inom amerikansk konstkritik, författare till mer än 20 böcker och medgrundare av Printed Matter, den typiska försäljaren av böcker skapade av konstnärer—fyllde 80 år i år. Trots hennes många andra prestationer är Lippard mest känd för "The Dematerialization of Art", en essä som hon skrev tillsammans med John Chandler 1968 (tillgänglig online här). I essän presenterade Lippard bevis för att konsten kan vara på väg in i en fas av ren intellektualism, vars resultat skulle kunna bli den fullständiga försvinnandet av det traditionella konstobjektet. Texten växte fram ur, och hjälpte till att kontextualisera, det föregående decenniet av vilt uppfinningsrik konceptkonst, som ofta lämnade efter sig endast flyktiga, icke-arkiverade reliker, eller inga reliker alls förutom kanske inspelningar av upplevelser. Konceptkonstnärer var hängivna att göra idéer till det centrala fokuset i sitt arbete, och många argumenterade övertygande för att de objekt som konstnärer skapar för att uttrycka sina idéer inte är annat än avfallsprodukter, och att idéerna själva är de enda sakerna värda att beakta. Essän var enormt inflytelserik vid den tiden: så mycket att Lippard följde upp den med en bok kallad Six Years, där hon noggrant analyserade bevis på trenden. Men uppenbarligen var hennes föraning felaktig på lång sikt, eftersom konstobjekt fortfarande inte har dematerialiserats. Ändå, i firandet av det kommande 50-årsjubileet av den ursprungliga publiceringen av The Dematerialization of Art, tänkte vi att vi skulle ta ett ögonblick för att fördjupa oss i denna inflytelserika essä och lyfta fram vad som är relevant för vår tid.

Vetenskapen om konst

Lippard baserade de centrala begrepp hon diskuterade i The Dematerialization of Art på en idé som först presenterades i en bok kallad The Mathematical Basis of the Arts, skriven av den amerikanske målaren Joseph Schillinger. I den boken delade Schillinger upp hela konsthistorien i fem kategorier av estetiska fenomen. Först, förklarade han, kom den "pre-estetiska" fasen av imitation. Nästa kom ritualistisk eller religiös konst. Sedan kom känslomässig konst. Därefter rationell, empiriskt baserad konst. Och den femte, och påstått "slutgiltiga" estetiska fasen som Schillinger beskrev var "vetenskaplig", eller vad han kallade "post-estetisk". Denna sista fas, förutspådde han, skulle kulminera i "befrielsen av idén" och leda till "desintegration av konsten."

När Lippard reflekterade över konstens utveckling under 1950- och 60-talen trodde hon att det hon bevittnade var framväxten av denna femte fas av konsten. Och hon var entusiastisk över tanken. Hon ansåg att dematerialisering var en positiv, livsviktig förändring. I slutändan, om det estetiska objektet kunde upphöra att existera som det centrala fokuset för konsten, då skulle konsten kunna befrias från kommersialisering, det ofta avskyvärda system som utövar så mycket destruktiv kraft på livet och arbetet hos många konstnärer.

Joseph Schillinger - Gröna Fyrkanter, från serien, Den Matematiska Grunden för Konsten, ca 1934, tempera på papp, Smithsonian, foto via rendaan.com

Vetenskapen om råvaror

Som bevis på att dematerialisering hade börjat, nämnde Lippard rörelser som Light and Space, som var visuella till sin natur men inte objektbaserade, och Minimalism, som drastiskt skar ner det estetiska objektet. Sådana rörelser trodde hon minskade betydelsen av den visuella aspekten av ett konstverk, och definierade det visuella som mer av en utgångspunkt för en immateriell, intellektuell upplevelse. Men en av de tidiga, och uppenbara, kritikerna av The Dematerialization of Art var att även om dessa flyktiga, konceptuella begrepp var mindre objektbaserade, så resulterade de ändå i fysiska fenomen. Även en performancekonstnär skapar en sak—en performance—som kan säljas som en upplevelse, eller spelas in.

Oavsett hur liten en relik en konstnär skapar, kan den bli fetischiserad och handlas som en vara. Det enda sättet att helt undvika möjligheten till kommersialisering är att aldrig dela en idé: då kanske vördnaden och heligheten av den intellektuella upplevelsen kan bevaras. Men endast delade idéer kan verkligen kallas konst. Och så snart en idé delas kan den ägas, manipuleras och uttryckas på andra sätt, eller med andra ord, materialiseras. Och så snart något materialiseras kan det köpas och säljas som en vara.

Joseph Schillinger - Ofullbordad studie i rytm, serie utvecklad från De matematiska grunderna för konsten, ca 1934, krita och blyertspenna på illustreringsbräda, ark: 14 7/8 x 19 7/8 tum (37,78 x 50,48 cm), Samling Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

De fem faserna

Att läsa om Konstens dematerialisering idag, den enda verkliga felet som verkar uppenbart är hur den presenterar de fem faserna av konst, som förklarats av Schillinger, som något linjärt. Det är alltid frestande för varje generation att se sig själv som stående i framkant av moderniteten. Schillinger trodde att konsten hade utvecklats historiskt genom faser, och Lippard trodde att hon var en del av den generation som drev konsten mot sin evolutionära topp. Men tiden rör sig inte framåt; den passerar bara. Kulturen är inte linjär; den upprepar sig själv. Mänskligheten avvecklas lika snabbt som den utvecklas. Och sanningen var på 1960- och 70-talen, och är fortfarande idag, att konstnärer hittar sätt att dematerialisera lika snabbt som andra återupptäckte hur man materialiserar det.

I slutändan måste Lippard också ha insett detta även när hon skrev om ämnet dematerialisering, eftersom hennes essä avslutas med att fråga om den så kallade nollpunkten inom konsten sannolikt kommer att nås snart. Svaret, säger hon, är: "Det verkar knappast troligt." Även idag, när konstnärer säljer virtuella skapelser som endast existerar i digitalt utrymme, kan vi fortfarande hävda att dematerialisering är en fantasi. Allt som kan ses är per definition materiellt, även om det endast kan ses genom virtuella verklighetsglasögon. Men enligt vår åsikt bevisar det bara att kanske var det aldrig riktigt poängen att uppnå dematerialisering. Poängen som Lippard verkligen gjorde var helt enkelt att en viktig aspekt av visuell konst är att outtröttligt engagera sig i sökandet efter hur man kan uttrycka mer med mindre. Varje konstnär som arbetar mot dematerialisering arbetar också mot enkelhet. Och enkelhet leder till upptäckten av vad som verkligen är oumbärligt, och därmed verkligen meningsfullt. Det är definitivt inte den sista fasen av konsten. Men det är en som kan påminna oss om vad värdet av konst verkligen är.

Utvald bild: Joseph Schillinger - Red Rhythm (detalj), serie utvecklad från The Mathematical Basis of Ars, ca 1934, gouache på papper, bildområde: 8 x 11 15/16 tum (20,32 x 30,32 cm); ark: 10 1/2 x 13 7/8 tum (26,67 x 35,24 cm), Samling Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York

Alla bilder används endast för illustrativa ändamål

Av Philip Barcio