Varför Laura Owens sätt att måla är så innovativt

Mer än en gång har jag hört en konstnär säga att Laura Owens räddade måleriet. Det är ett märkligt påstående. Det antyder att måleriet var i fara att förstöras vid någon tidpunkt, förmodligen under de senaste fyrtio åren eller så eftersom det är så länge Laura Owens har levt – och att det därför behövde en räddare. Sådana akademiska teorier som de som säger att måleriet är dött eller håller på att dö eller aldrig har levt är omöjliga att bevisa, och kan därför ibland vara både komiska och plågsamma att lyssna på. Men de har en poäng. De är avsedda att förmedla inställningen att konsten måste förbli relevant. Att säga att måleriet behöver räddas betyder bara att måleriet är i fara att bli irrelevant. Och att säga att Laura Owens räddade måleriet betyder bara att hon på något sätt fick den faran att avta, åtminstone tillfälligt. Men en fråga värd att ställa är: Vad ska måleriet vara relevant för? Samhället? Kanske. Men viktigare är att måleriet alltid måste förbli relevant för målarna. Varje ny målare som funderar på att plocka upp en pensel – det är den personen som måste övertygas om meningen och potentialen i det de är på väg att göra. När folk säger att Laura Owens räddade måleriet, är det det de oftast menar. De menar att denna konstnär, genom sitt exempel, är ett bevis på varför det är viktigt att människor fortsätter att plocka upp penslar, fortsätter att spänna upp dukar och fortsätter att göra sina avtryck. Det är därför hon nämns av målare i alla åldrar som en inspiration. Det är också därför hon 2003, bara nio år efter examen, blev den yngsta konstnären att få en retrospektiv utställning på Museum of Contemporary Art i Los Angeles sedan museet öppnade 1979. Och det är därför hon i år valdes till att vara ämnet för den första retrospektiva utställningen mitt i karriären för någon konstnär på den nya platsen för Whitney Museum of American Art i New York.

Var Inte Rädd För Något

I samband med sin nuvarande retrospektiva utställning av Laura Owens (öppen till 4 februari 2018) publicerade Whitney en monumental bok som detaljerat beskriver varje aspekt av det bidrag Owens hittills har gjort till konsten. Det är bokstavligen en av de största konstböcker som någonsin gjorts. Den består av mer än 600 sidor med historiska och akademiska texter om hennes liv och konst, och innehåller hundratals fotografier av hennes verk. Men det finns en post i den som för mig framstår som avgörande, inte bara för att förstå Laura Owens som person eller Laura Owens som målare, utan också för att förstå dem som ser henne som en personlig hjälte. Den posten är en kopia av en lista som Owens skrev i sin dagbok när hon var i tjugoårsåldern med titeln ”Hur man blir världens bästa konstnär.”

Listan, som snabbt sprids i sociala medier tack vare en nämning i en nyligen publicerad New Yorker-profil av Owens skriven av Peter Schjeldahl, innehåller råd så enkla som ”Tänk stort” och ”Säg väldigt lite” och så komplicerade som ”Vet att om du inte valt att bli konstnär, skulle du säkert ha underhållit tanken på världsherravälde eller massmord eller helgonstatus.” Men den viktigaste punkten på den listan enligt min mening är ”Var inte rädd för något.” Denna enda uppmaning har präglat allt det arbete Owens hittills har gjort, och har också präglat den kritik hon har stått ut med, de misstag hon har lärt sig av och de strider hon har vägrat att dra sig ur. Det är kännetecknet för hennes framgång och anledningen till att folk säger att hon räddade måleriet.

Laura Owens - Untitled, 1997. Olja, akryl och airbrushed olja på duk, 96 × 120 tum (243,8 × 304,8 cm). Whitney Museum of American Art, New York; lovat gåva från Thea Westreich Wagner och Ethan Wagner P.2011.274, © konstnären

Vad Det Finns Att Frukta

Det första skrämmande som lätt kunde ha avskräckt Owens från hennes karriär som målare var den inneboende partiskheten i det som egentligen borde kallas Konstakademins Industriella Komplex. Som student vid Rhode Island School of Design (RISD) mötte hon sexism från en måleriprofessor som bara uppmuntrade de manliga målarna i klassen att arbeta abstrakt. Som student i masterprogrammet vid California Institute of the Arts (CalArts) mötte hon en kritisk massa av lärare och medstudenter som predikade att måleriet var omodernt och att endast ”postkonceptualism” kunde ta itu med de komplexa sätt på vilka formalism, konsthistoria och samhällsfrågor konvergerade i samtidslivet.

Owens ignorerade all denna partiskhet, om inte alltid orädd så åtminstone trots sin rädsla – och det är den sanna definitionen av mod. Hon bildade en klubb med andra kvinnliga abstrakta konstnärer vid RISD. Och hon trotsade sina lärare och medstudenter vid CalArts och omfamnade måleriet som sin främsta estetiska angelägenhet. Hon gjorde målningar som uttryckte det enda som verkligen aldrig tidigare uttryckts i måleriet: Laura Owens. När du ser på utbudet av verk i den nuvarande retrospektiva utställningen på Whitney, ser du vad som verkar vara ett fantastiskt spektrum av stilar och motiv. Allt är annorlunda men allt är detsamma, för allt är personligt. Som Walt Whitman sa om sig själv, innehåller Laura Owens mångfald. Det gör vi alla. Owens räddade måleriet eftersom hon påminner oss om det. Hon påminner oss om att sättet att inte vara rädd inför en duk helt enkelt är att frigöra sig för att måla det som är unikt ditt eget. Uttryck dig själv. Det är vad hon gör. Och att förstå hennes verk är verkligen så enkelt.

Laura Owens - Untitled, 2000. Akryl, olja och grafit på duk, 72 x 66 1/2 tum (182,9 x 168,9 cm). Collezione Giuseppe Iannaccone, Milano (vänster) och Untitled, 2006. Akryl och olja på linne, 56 x 40 tum (142,2 x 101,6 cm). Charlotte Feng Ford Collection (höger), © konstnären

356 Mission

Det är särskilt passande att denna, den första stora retrospektiva Laura Owens-utställningen på 14 år, arrangeras av Whitney Museum of American Art. Det finns något unikt amerikanskt med Owens, bortom hennes medborgarskap. Dels har det att göra med hennes verk, som är modiga och fria – två fasta, grundläggande egenskaper som är inpräntade i själen hos alla amerikanska människor, oavsett om de är födda i eller bor i Amerika eller inte. Men det mest innerligt amerikanska som för närvarande definierar Owens är vad hon har gjort förutom att måla på sistone i sin bokhandel/galleri/allmän samlingsplats på 356 South Mission Road i Los Angeles.

År 2012 sökte Owens runt i Los Angeles, staden som då hade varit hennes hem i årtionden, efter en lokal som var tillräckligt stor för att visa en ny samling verk – en serie målningar så gigantiska att de skulle byggas på plats, eftersom de skulle vara orimligt svåra att transportera. Hon hittade ett tomt lager i Boyle Heights-området i LA, vilket var perfekt. Med hjälp av två partners hyrde hon lokalen och 2013 arrangerade hon sin planerade utställning. Jag hade nöjet att besöka den utställningen och gick därifrån med känslan av att jag just sett den mest kraftfulla målningsexponeringen i mitt liv. Galleriet var enormt, industriellt, och ändå blev det överskuggat av verken. Framför lokalen fanns en bokhandel, och bakom serverades mat, musik spelades och folk pratade och skrattade.

Laura Owens - Untitled (detalj), 2012. Akryl, olja, vinylfärg, kol, garn och snöre på handfärgat linne, 33 paneler, 35 1/2 x 33 1/4 tum (90,2 x 84,5 cm) vardera. Samling av Maja Hoffmann/LUMA Foundation (vänster) och Untitled (detalj), 2012. Akryl, olja, vinylfärg, kol, garn och snöre på handfärgat linne, 33 paneler, 35 1/2 x 33 1/4 tum (90,2 x 84,5 cm) vardera. Samling av Maja Hoffmann/LUMA Foundation (höger), © konstnären

Det Amerikanska Sättet

Efter den invigningsutställningen bestämde sig Owens för att fortsätta hyra lokalen. Hon arrangerade utställningar med andra konstnärer, höll kurser och föreläsningar och visade filmvisningar. Och varför inte? Lokalen stod tom. Det här är Amerika. Varför skulle inte någon kunna hyra vilken lokal de vill? Men hennes närvaro i området har sedan dess utlöst en storm bland vissa boende i grannskapet. Owens ses som en ovälkommen ockupant och en förebud om förfining. Demonstranter som representerar Boyle Heights anti-gentrifieringsinsatser samlades vid Whitney Museum för att protestera mot Owens retrospektiva utställning. De protesterar också regelbundet utanför hennes lokal i Boyle Heights.

Owens har träffat representanter för protestgrupperna i ett försök att nå förståelse, men de har krävt att hon ska lämna och accepterar inget annat. De vill också att hon offentligt ska erkänna att hon hade fel att komma dit och att hon har lärt sig sin läxa. Men Owens tänker inte lämna. Inte än. Hon är modig. Hon har rätt att vara där. Denna skrämseltaktik från anti-gentrifieringsprotestanter skiljer sig inte från de handlingar som historien visat oss från dem som skrämmer färgade människor, religiösa minoriteter eller flyktingar för att tvinga dem att inte öppna företag eller köpa hem i ”deras områden.” Amerika har en lång historia av denna typ av trams. Men det har också en lång tradition av mångfald och motstånd mot splittrande makter. Om du har möjlighet att se hennes nuvarande retrospektiva utställning på Whitney, gör det gärna, inte bara för att upptäcka varför Laura Owens räddade måleriet. Men också för att visa ditt stöd för någon som exemplifierar mod, uppfinningsrikedom, originalitet och individualitet – fyra egenskaper som definierar vad det innebär att vara konstnär, amerikan och en fri människa.

Framträdande bild: Laura Owens - Untitled, 1997. Akryl och olja på duk, 78 x 84 tum (198,1 x 213,4 cm). Samling av Mima och César Reyes. © konstnären

Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio