Mary Corses konst i rampljuset – äntligen

Det är lite av en ordlek att säga att Mary Corse har sin stund i rampljuset. Denna mångsidiga konstnär har arbetat med ljus som konstnärligt medium sedan 1960-talet. Men medan Corse i årtionden har uppmärksammat oss på ljuset och dess mysterier, är det först relativt nyligen som den institutionella konstvärlden har satt hennes idéer och prestationer i blickfånget. En retrospektiv utställning som täcker de senaste 50 åren av hennes karriär avslutades nyligen på Kayne Griffin Corcoran-galleriet i Los Angeles. Den inkluderade ett monumentalt verk kallat ”Cold Room” — ett rum i form av en kub på 12 fot x 12 fot x 12 fot, kylt till 40 grader Fahrenheit. Inuti rummet fann besökarna en fyrkantig, vit, neonskyltslåda hängande på väggen. Neonljuset är avsett att dra in betraktaren mot något gåtfullt och potentiellt översinnligt. Den kalla luften, tror Corse, höjer betraktarens medvetenhet. Corse formgav ”Cold Room” första gången 1967, men detta var första gången hon faktiskt byggde ett sådant. Hon fokuserade istället sin energi på sina många andra ljusbaserade verk, samtidigt som hon fann otaliga andra sätt att utforska hur ljus, rum och tid förändrar människans uppfattning. Om du missade hennes retrospektiv, behöver du inte oroa dig. Mer är på väg. I maj 2018 kommer ett nytt galleri med fyra av hennes verk att invigas på Dia:Beacon, och månaden därpå öppnar en stor översikt av hennes verk på Whitney Museum i New York. Denna erkänsla har dröjt länge, men kanske är det passande att Corse äntligen uppmärksammas nu. Vi befinner oss i en tid i mänsklighetens historia då verkligheten tycks vara till för omförhandling, och då verk som hennes kan hjälpa oss att hantera logikens och förnuftets begränsningar.

Retroreflektivitet är gatukonst

Mary Corse föddes i Berkeley, Kalifornien 1945. Som tonåring hade hon förmånen att tillhöra en liten grupp elever på en privatskola som fick studera konst under en lärare som hade examen från Chouinard Art Institute (numera känt som CalArts), en progressiv konsthögskola strax norr om Los Angeles. Medan de flesta elever i hennes ålder lärde sig grundläggande hantverk, studerade Corse teorierna om Hans Hofmann och måleriteknikerna hos de abstrakta expressionisterna. Den läraren gjorde ett djupt intryck på Corse, som snart själv flyttade till Los Angeles och hyrde en konststudio i stadens centrum. Sedan, 1968, tog hon också sin magisterexamen i bildkonst från Chouinard.

Det var i Los Angeles som Corse började arbeta med ljus. Hon var inte bara intresserad av hur ljus belyser ytor eller uttrycker färg, utan också av hur ljus spelar en roll i uppfattningen. Hennes undersökningar av detta ämne ledde henne till något som kallas retroreflektivitet — att rikta ljuset tillbaka till dess ursprungliga källa. Retroreflektivitet är det huvudsakliga hjälpmedlet som kommunala trafikavdelningar använder för att göra vägmärken synliga på natten. Istället för att sätta lampor i skyltarna, sätter de in små, reflekterande pärlor i dem. Dessa pärlor förstorar ljuset som träffar dem och skickar tillbaka det i samma riktning som det kom ifrån. Det är därför även små mängder omgivande ljus får vägmärken att verka lysa. Corse upptäckte att hon kunde uppnå liknande effekter genom att blanda sin färg med små, prismatiska pärlor liknande dem som används på vägmärken. Hennes retroreflektiva målningar skickar utställningsljus direkt tillbaka till källan, vilket gör hennes målningar till rörliga objekt som förändras med varje rörelse betraktaren gör.

Mary Corse - Untitled, 2017, glas-mikrosfärer i akryl på duk, 198,1 x 594,4 cm, Foto: Ron Amstutz. Med tillstånd av konstnären, Lehmann Maupin, New York och Hongkong, samt Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles

Måleri med ljus

Förutom sina retroreflektiva målningar har Corse också länge experimenterat med direkt ljus som medium. Hon bygger ljuslådor som ibland hängs direkt på väggen, ibland från taket, och andra gånger hänger hon ljusen på en sekundär yta som en skiva eller en duk och hänger sedan den ytan på väggen. Sådana verk, som ”Untitled (White Light Series)” från 1966, förvirrar estetiska förväntningar och generaliseringar. De hänger på väggen som målningar men är också skulpturala. Samtidigt verkar motivet vara ljuset, så verket handlar egentligen inte alls om dess yta eller dess stöd — det handlar om det tomma utrymmet runt omkring som belyses. Och något perceptuellt och begreppsligt händer också. Ljuset är en dragande kraft, men det är också bländande. Motsägelser hopar sig i dessa verk. De är mer än enkla estetiska föremål: de är inbjudningar att begrunda de många dimensioner som finns inom det vi uppfattar som verklighet.

Det som skiljer Corse från hennes samtida är att hon är engagerad i en metafysisk såväl som materiell process. Hon har förblivit öppen, och på något sätt blivit ännu mer öppen, med tiden. Hon är nyfiken, försiktig med ord och misstror sina egna uppfattningar om vad som är verkligt. När hon en gång tillfrågades om människans existens sade hon: ”Vi lever i ett abstrakt perceptuellt multiversum.” Och när hon en gång beskrev sitt arbete sade hon att hon hoppas att människor interagerar med det som om det vore ”en abstrakt perceptuell upplevelse bortom tanken.” Det är detta som slutligen har lockat institutioner som Whitney och Dia:Beacon till Corse. Det är inte bara att hon skapar verk som är vackra, perfekt utförda och konceptuellt obestridliga; fascinationen kommer också från hennes sinne. De estetiska lämningarna hon skapar är utskott av hennes mentala process. De är sekundära i förhållande till de effekter de framkallar. Och det är just dessa effekter som kan visa sig vara tröstande för människor som funnit att logik och förnuft har begränsningar. Dessa verk påminner oss om att verkligheten är subjektiv, och att flera sanningar kan samexistera i samma rum och tid.

Mary Corse - Untitled (White Light Series), 1966, trä, plexiglas, lysrör (vänster) och Untitled (Space + Electric Light), 1968, plexiglas, lysrör (höger), © Mary Corse

Framträdande bild: Mary Corse - Untitled (White Inner Band, Beveled), 2008, glas-mikrosfärer i akryl på duk, 243,8 x 365,8 cm, Med tillstånd av konstnären och Lehmann Maupin, New York och Hongkong

Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio