Sam Gilliam’s Music of Color in Basel

เนื่องในโอกาสเริ่มต้นงานอาร์ตบาเซิล 2018 พิพิธภัณฑ์ศิลปะ Kunstmuseum Basel ได้เปิดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกในยุโรปของผลงานศิลปินนามธรรมชาวอเมริกัน Sam Gilliam นิทรรศการนี้มีชื่อว่า The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 โดยรวบรวมผลงานทั้งหมด 45 ชิ้นจากคอลเลกชันส่วนตัวและสถาบันต่าง ๆ ในสหรัฐอเมริกาและยุโรป ในความเห็นของศิลปินหลายคนในยุคปัจจุบัน Gilliam ถือเป็นจิตรกรอเมริกันที่สำคัญที่สุดคนหนึ่ง ไม่ใช่เพียงเพราะผลงานของเขาสวยงามเท่านั้น แต่ยังเพราะผลงานของเขามีส่วนช่วยพัฒนาทฤษฎีศิลปะร่วมสมัย นวัตกรรมของเขาได้ทำลายความเชื่อเดิมในช่วงเวลาสำคัญ และท้าทายเสียงที่ดังที่สุดในยุคของเขา ความคิดของเขาสำคัญจนแทบไม่น่าเชื่อว่า Gilliam ไม่เคยมีนิทรรศการเดี่ยวในยุโรปมาก่อน แต่ถ้าพิจารณาเส้นทางอาชีพของเขาอย่างละเอียด ก็อาจไม่ใช่เรื่องน่าประหลาดใจนัก Gilliam มักทำสิ่งต่าง ๆ ในแบบของตัวเอง แม้ว่าผลงานของเขาจะช่วยสร้างตลาดศิลปะที่หลากหลายอย่างที่เรารู้จักในปัจจุบัน แต่เขาก็ไม่เคยทำตามความคาดหวังของตลาดนั้น ด้วยคำเดียวคือ Gilliam เป็นผู้ท้าทาย แม้ว่าเขาจะเป็นตัวแทนสหรัฐอเมริกาในงาน Venice Biennale ถึงสองครั้งในปี 1972 และ 2017 แต่เพิ่งเซ็นสัญญากับแกลเลอรีเป็นครั้งแรกในชีวิตการทำงานที่ผ่านมา แม้ในช่วงที่เขาเป็นที่รู้จัก เขาก็มักขายผลงานด้วยตัวเองจากสตูดิโอของเขา อย่างไรก็ตาม ผู้ซื้อผลงานของเขารวมถึงพิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียงระดับโลกหลายแห่ง เช่น Tate Modern, พิพิธภัณฑ์กุกเกนไฮม์ในนิวยอร์ก, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน, MoMA และ National Gallery of Art ในวอชิงตัน ดี.ซี. ซึ่งทั้งหมดนี้มีผลงานของเขา ความเต็มใจที่จะไม่ทำตามที่คาดหวังอาจเป็นเหตุผลที่ทำให้ Gilliam ไม่เคยเป็นหัวข้อของนิทรรศการเดี่ยวในยุโรปจนถึงตอนนี้ แต่ก็เป็นสิ่งที่นำไปสู่ความก้าวหน้าครั้งใหญ่ที่สุดของเขา ความมั่นใจในวิสัยทัศน์ของตัวเองทำให้ Gilliam เป็นตัวแทนที่สมบูรณ์แบบของความเป็นอิสระในโลกศิลปะ และทำให้เขากลายเป็นตำนานที่ยังมีชีวิตในโลกศิลปะนามธรรมร่วมสมัย

บนขอบเอียง

เกิดในปี 1933 Gilliam เริ่มต้นอาชีพในช่วงที่แนวโน้มศิลปะมุ่งไปทางมินิมัลลิสม์ ศิลปะนามธรรมเรขาคณิต และ ศิลปะนามธรรมหลังยุคจิตรกร เช่นเดียวกับจิตรกรรุ่นเดียวกันหลายคน เขาเริ่มต้นด้วยการวาดภาพในแนวทางนั้น ผลงานนามธรรมเรขาคณิตขอบคมของเขาในช่วงต้นทศวรรษ 1960 มีลักษณะคล้ายกับผลงานของศิลปินอย่าง Frank Stella, Max Bill หรือ Carmen Herrera ปีที่เปลี่ยนแปลงทุกอย่างสำหรับ Gilliam คือปี 1967 นั่นคือปีที่เขานำวิธีการใหม่โดยการเทสีอะคริลิกลงบนผืนผ้าใบที่ยังไม่ทารองพื้นโดยตรง จากนั้นพับผืนผ้าใบขณะที่สียังเปียก จากนั้นปล่อยให้ผ้าใบแห้งเพื่อให้รอยยับติดอยู่ในวัสดุตลอดไป ก่อนจะนำผ้าใบไปตึงบนโครงไม้

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. สีอะคริลิกบนผ้าใบ, ขนาด 282.6 x 293.4 x 5.1 ซม. ภาพถ่าย: Fredrik Nilsen, โดยความอนุเคราะห์ของศิลปิน, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก และ David Kordansky Gallery, ลอสแอนเจลิส ©2018, ProLitteris, ซูริก

เส้นที่เกิดจากวิธีนี้เป็นร่องรอยของมือศิลปิน และเพิ่มโครงสร้างและมิติให้กับวัตถุศิลปะ นวัตกรรมนี้ถือเป็นก้าวสำคัญ แต่ Gilliam ไม่หยุดเพียงเท่านั้น เขายังทำขอบโครงไม้ให้เอียง ซึ่งทำให้ขอบภาพได้รับความสนใจเท่ากับผิวภาพ ขอบเอียงทำให้ภาพดูเหมือนกำลังโผล่ออกมาจากผนัง แทนที่จะเป็นแค่แขวนอยู่บนผนังเท่านั้น ทำให้ภาพมีลักษณะคล้ายประติมากรรม เขาเรียกผลงานเหล่านี้ว่า “ภาพตัด” คำว่า “ตัด” มีความหมายหลายอย่าง โครงไม้ถูกตัดเป็นขอบเอียง และรอยพับบนผ้าใบก็เหมือนการตัดเข้าไปในภาพ สร้างการผสมสีที่ไม่คาดคิดและความแปรผันของโครงสร้างในงานที่คล้ายกับลำน้ำที่กัดเซาะผิวโลก

Sam Gilliam - Rondo, 1971. สีอะคริลิกบนผ้าใบ, โครงไม้โอ๊ก ขนาด 261 x 366 x 198 ซม. ภาพถ่าย: Lee Thompson, โดยความอนุเคราะห์ของศิลปิน, Kunstmuseum Basel และ David Kordansky Gallery, ลอสแอนเจลิส ©2018, ProLitteris, ซูริก

ไม่เหมือนกันสองครั้ง

นวัตกรรมถัดมาที่ Gilliam เป็นที่รู้จักเกิดขึ้นในปี 1968 เมื่อเขาสร้าง “ภาพผ้าห้อย” ชุดแรก ผลงานชุดนี้อยู่ในพื้นที่ทฤษฎีระหว่างภาพวาด ประติมากรรม และงานติดตั้ง เพราะตัดโครงไม้ทึบออกไป ทำให้ขยายความหมายของภาพวาดได้มากขึ้น Gilliam วาด “ภาพผ้าห้อย” ด้วยวิธีเดียวกับ “ภาพตัด” คือเทสีอะคริลิกลงบนผ้าใบที่ยังไม่ทารองพื้น แต่เมื่อเสร็จแล้วแทนที่จะพับและตึงผ้าใบ เขาก็แค่ห้อยผ้าใบลงบนผนังเหมือนผ้าม่านหรือเสื้อผ้า “ภาพผ้าห้อย” ของเขายกระดับแนวคิดผ้าใบรูปทรงใหม่ ทำให้งานสามารถเปลี่ยนรูปร่างได้ทุกครั้งที่นำเสนอ Gilliam กล่าวอย่างมีความสุขว่าภาพผ้าห้อยของเขาไม่เคยแสดงในรูปแบบเดิมสองครั้ง

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, สีอะคริลิกบนผ้าใบ, ขนาด 203 x 144 x 30 ซม. ภาพถ่าย: Cathy Carver, โดยความอนุเคราะห์ของศิลปินและพิพิธภัณฑ์และสวนประติมากรรม Hirshhorn, สถาบันสมิธโซเนียน วอชิงตัน ดี.ซี. ©2018, ProLitteris, ซูริก

ตั้งแต่ความก้าวหน้าครั้งใหญ่ในปลายทศวรรษ 1960 Gilliam ยังคงทดลองและพัฒนาในฐานะศิลปิน เขาขยายพื้นผิวการวาดไปยังกระดาษและไม้ เขายังสำรวจขอบเขตของการตัดปะภาพ โดยหาวิธีผสมผสานวัสดุ สื่อ และเทคนิคต่าง ๆ มากขึ้น แม้ว่าผลงานของเขาจะดูแตกต่างกันในหลายชุด แต่มีสิ่งหนึ่งที่นิยามการมีส่วนร่วมเฉพาะตัวของเขาต่อศิลปะร่วมสมัย นั่นคือการช่วยให้เราเข้าใจว่าภาพวาดและประติมากรรมแท้จริงแล้วคือสิ่งเดียวกัน ผู้คนมักพูดว่าศิลปินคนหนึ่งทำให้เส้นแบ่งระหว่างภาพวาดและประติมากรรมเลือนราง อาจเพราะภาพวาดมีมิติ หรือแขวนจากเพดานหรือตั้งบนพื้น แต่ Gilliam ทำได้มากกว่านั้น เขาปฏิบัติต่อพื้นผิวภาพวาดเหมือนที่ประติมากรปฏิบัติต่อโลหะ หินอ่อน หรือดินเหนียว เขาพิสูจน์ว่าพื้นผิวของภาพวาดมีความสามารถในการสื่ออารมณ์ เล่าเรื่อง หรือสื่อสารเนื้อหาทางรูปแบบ เขานิยามพื้นผิวว่าไม่ใช่แค่ฐานรองรับ แต่เป็นสื่อกลางในตัวเอง The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 จัดแสดงถึงวันที่ 30 กันยายน ที่ พิพิธภัณฑ์ศิลปะ Kunstmuseum Basel

ภาพเด่น: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. สีอะคริลิกบนผ้าใบ, ขนาด 304.8 x 2269 ซม. คอลเลกชัน Corcoran, วอชิงตัน ดี.ซี. © 2018, ProLitteris, ซูริก

โดย Phillip Barcio