Sam Gilliam’s Music of Color in Basel

ในโอกาสการเริ่มต้นของ Art Basel 2018, Kunstmuseum Basel ได้เปิดนิทรรศการเดี่ยวครั้งแรกในยุโรปของผลงานของศิลปินนามธรรมชาวอเมริกัน Sam Gilliam ซึ่งถูกเรียกว่า นิทรรศการนี้มีชื่อว่า The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 โดยมีผลงานทั้งหมด 45 ชิ้นที่คัดสรรมาจากคอลเล็กชันส่วนตัวและสถาบันจากสหรัฐอเมริกาและยุโรป ในความเห็นของศิลปินหลายคนที่ทำงานอยู่ในปัจจุบัน, Gilliam เป็นหนึ่งในจิตรกรชาวอเมริกันที่สำคัญที่สุด, ไม่เพียงเพราะผลงานของเขาสวยงาม, แต่ยังเพราะการมีส่วนร่วมที่เขาได้ทำต่อทฤษฎีศิลปะร่วมสมัย นวัตกรรมของเขาได้ทำลายแนวคิดเดิมในช่วงเวลาที่สำคัญ และท้าทายเสียงที่ดังที่สุดบางเสียงในรุ่นของเขา ความคิดของเขามีความสำคัญมากจนอาจฟังดูยากที่จะเชื่อว่า Gilliam ไม่เคยมีนิทรรศการเดี่ยวในยุโรปมาก่อน แต่ถ้าคุณพิจารณาอาชีพของเขาอย่างแท้จริง, อาจไม่ใช่เรื่องน่าแปลกใจนัก Gilliam มักทำสิ่งต่าง ๆ ในแบบของเขาเอง แม้ว่าเขาจะช่วยสร้างตลาดศิลปะที่หลากหลายที่เรารู้จักในปัจจุบัน, เขาก็ไม่เคยทำตามความคาดหวังของตลาดนั้น ในคำเดียว, Gilliam เป็นคนกบฏ แม้ว่าเขาจะเป็นตัวแทนของสหรัฐอเมริกาใน Venice Biennale สองครั้ง—ในปี 1972 และ 2017—เขาเพิ่งเซ็นสัญญากับแกลเลอรีเป็นครั้งแรกในอาชีพของเขา ในอดีต, แม้ว่าเขาจะอยู่ในจุดสนใจ, เขาก็ขายผลงานของเขาเองจากสตูดิโอของเขาเป็นส่วนใหญ่ อย่างไรก็ตาม, ผู้ซื้อของเขารวมถึงพิพิธภัณฑ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในโลกหลายสิบแห่ง, รวมถึง Tate Modern, Guggenheim Museum ใน New York, Metropolitan Museum of Art, MoMA, และ National Gallery of Art ใน Washington, DC, ซึ่งทั้งหมดนี้มีผลงานของเขา ความเต็มใจของเขาที่จะไม่ทำในสิ่งที่คาดหวังอาจเป็นสิ่งที่ทำให้ Gilliam ไม่เคยเป็นหัวข้อของนิทรรศการเดี่ยวในยุโรปจนถึงตอนนี้ แต่ก็เป็นสิ่งที่นำไปสู่การค้นพบที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของเขา ความมั่นใจในวิสัยทัศน์ของเขาทำให้ Gilliam เป็นตัวแทนที่สมบูรณ์แบบของความเป็นอิสระในโลกศิลปะ, และเป็นสิ่งที่ทำให้เขากลายเป็นตำนานที่มีชีวิตในโลกของศิลปะนามธรรมร่วมสมัย.

บนขอบเฉียง

เกิดเมื่อปี 1933 กิลเลียมเริ่มต้นอาชีพของเขาในช่วงเวลาที่แนวโน้มกำลังมุ่งไปสู่ลัทธิขั้นต่ำ, การนามธรรมเชิงเรขาคณิต, และ การนามธรรมหลังการวาดภาพ เช่นเดียวกับจิตรกรคนอื่น ๆ ในรุ่นของเขา เขาเริ่มต้นด้วยการวาดภาพประเภทนั้น งานนามธรรมเชิงเรขาคณิตที่มีขอบแข็งของเขาจากต้นทศวรรษ 1960 มีลักษณะคล้ายกับผลงานของศิลปินอย่าง แฟรงค์ สเตลล่า, แม็กซ์ บิล, หรือคาร์เมน เฮอร์เรรา ปีที่ทุกอย่างเปลี่ยนไปสำหรับกิลเลียมคือปี 1967 นั่นคือเมื่อเขาเริ่มใช้วิธีการที่แตกต่างออกไปโดยการเทสีอะคริลิกลงบนผ้าใบที่ยังไม่ได้เคลือบโดยตรงและจากนั้นพับผ้าใบขึ้นในขณะที่สียังเปียกอยู่ เขาจะปล่อยให้ผ้าใบแห้งเพื่อให้เส้นที่ยับย่นถูกผสมรวมเข้าไปในวัสดุตลอดไป จากนั้นเขาจะยืดผ้าใบไปยังบาร์ยืด.

แซม กิลเลียม - Whirlirama, 1970. อะคริลิคบนผ้าใบ, 282.6 x 293.4 x 5.1 ซม. รูปถ่าย: เฟรดริก นิลเซน, ขอบคุณศิลปิน, พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน, นิวยอร์ก, และแกลเลอรีเดวิด คอร์ดานสกี้, ลอสแองเจลิส. ©2018, ProLitteris, ซูริค

เส้นที่เกิดจากวิธีนี้ทำหน้าที่เป็นเศษซากของฝีมือของศิลปิน และเพิ่มโครงสร้างและมิติให้กับวัตถุศิลปะ นวัตกรรมนี้เพียงอย่างเดียวถือเป็นการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญ อย่างไรก็ตาม Gilliam ไม่หยุดเพียงแค่นั้น เขาได้ทำการเฉียงขอบของบาร์ยืด ซึ่งทำให้เกิดความสนใจใหม่ต่อด้านข้างของภาพวาด ทำให้มีความสำคัญเท่าเทียมกับพื้นผิว ขอบเฉียงทำให้ภาพวาดดูเหมือนกำลังโผล่ออกมาจากผนัง แทนที่จะเพียงแค่แขวนอยู่บนมัน สิ่งนี้ทำให้ภาพวาดมีความเป็นรูปเป็นร่างเกือบจะเหมือนประติมากรรม เขาเรียกผลงานเหล่านี้ว่า "Slice Paintings" คำว่า slice มีความหมายหลายอย่าง บาร์ยืดถูกตัดเป็นชิ้น ๆ สร้างเอฟเฟกต์เฉียง นอกจากนี้ รอยพับในผ้าใบยังทำหน้าที่เป็นการตัดเข้าสู่ภาพ สร้างการรวมกันของสีที่ไม่คาดคิดและความแปรปรวนทางโครงสร้างที่ไม่คาดคิดในงานที่ทำให้นึกถึงลำน้ำที่ถูกแกะสลักลงบนพื้นผิวของโลก.

แซม กิลเลียม - รอนโด, 1971. อะคริลิคบนผ้าใบ, คานไม้โอ๊ค. 261 x 366 x 198 ซม. ภาพ: ลี ธอมป์สัน, ขอบคุณศิลปิน, พิพิธภัณฑ์ศิลปะบาเซิล และแกลเลอรีเดวิด คอร์ดานสกี้, ลอสแองเจลิส ©2018, ProLitteris, ซูริค

ไม่เคยเหมือนเดิมสองครั้ง

นวัตกรรมถัดไปที่กิลเลียมเป็นที่รู้จักเกิดขึ้นในปี 1968 เมื่อเขาสร้าง "Drape Painting" ชุดงานนี้อาศัยอยู่ในพื้นที่ทฤษฎีที่อยู่ระหว่างการวาดภาพ ประติมากรรม และการติดตั้ง เนื่องจากมันตัดแถบยึดออกไป ทำให้ขยายความหมายของสิ่งที่สามารถเป็นภาพวาดได้ กิลเลียมวาด "Drape Paintings" โดยใช้วิธีเดียวกับที่เขาใช้กับ "Slice Paintings" โดยการเทสีอะคริลิกลงบนผ้าใบที่ยังไม่ได้เคลือบ แต่เมื่อภาพวาดเสร็จสิ้น แทนที่จะยับแล้วขึงมัน เขาก็แค่ห่มผ้าใบลงบนผนังโดยตรง เหมือนกับม่านหรือเสื้อผ้า "Drape Paintings" ของเขาได้นำแนวคิดของผ้าใบที่มีรูปทรงไปสู่ระดับใหม่ ทำให้ผลงานสามารถปรับเปลี่ยนรูปแบบใหม่ได้ทุกครั้งที่นำเสนอ กิลเลียมได้กล่าวอย่างมีความสุขว่าผลงาน "Drape Paintings" ของเขาไม่เคยถูกแสดงในลักษณะเดียวกันเป็นครั้งที่สอง.

แซม กิลเลียม - แสงรูบี้, 1972, อะคริลิคบนผ้าใบ, 203 x 144 x 30 ซม. ภาพ: แคธี่ คาร์เวอร์, ขอบคุณศิลปินและพิพิธภัณฑ์ฮิชฮอร์นและสวนประติมากรรม, สถาบันสมิธโซเนียน, วอชิงตัน ดี.ซี. ©2018, ProLitteris, ซูริค

ตั้งแต่การค้นพบที่สำคัญในช่วงปลายทศวรรษ 1960 กิลเลียมได้ทดลองและพัฒนาในฐานะศิลปินอย่างต่อเนื่อง เขาได้ขยายขอบเขตของพื้นผิว โดยการวาดภาพบนกระดาษและไม้ เขายังได้สำรวจขีดจำกัดของการปะติด โดยค้นหาวิธีการผสมผสานวัสดุ สื่อ และเทคนิคต่างๆ อย่างต่อเนื่อง แม้ว่าจะมีความแตกต่างที่ชัดเจนในผลงานต่างๆ ของเขา แต่มีแง่มุมหนึ่งที่กำหนดการมีส่วนร่วมที่ไม่เหมือนใครของกิลเลียมต่อศิลปะร่วมสมัย ซึ่งเกี่ยวข้องกับวิธีที่เขาช่วยให้เราเข้าใจว่าการวาดภาพและประติมากรรมจริงๆ แล้วคือสิ่งเดียวกัน ผู้คนมักจะพูดว่าศิลปินได้เบลอขอบเขตระหว่างการวาดภาพและประติมากรรม อาจเป็นเพราะภาพวาดของพวกเขามีมิติ หรือเพราะพวกเขาห้อยจากเพดานหรือวางอยู่บนพื้น กิลเลียมทำได้มากกว่านั้น เขาจริงจังในการปฏิบัติต่อพื้นผิวของเขาในลักษณะเดียวกับที่ช่างประติมากรรมอาจปฏิบัติต่อโลหะ หินอ่อน หรือดิน เขาพิสูจน์ว่าพื้นผิวของภาพวาดมีความสามารถในการถ่ายทอดอารมณ์ เล่าเรื่อง หรือสื่อสารเนื้อหาทางรูปแบบ เขากำหนดให้พื้นผิวเป็นมากกว่าการสนับสนุน—เขาทำให้มันเป็นสื่อในตัวของมันเอง The Music of Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 จัดแสดงตั้งแต่วันนี้ถึง 30 กันยายนที่ The Kunstmuseum Basel.

ภาพเด่น: แซม กิลเลียม - Light Depth, 1969. อะคริลิคบนผ้าใบ, 304.8 x 2269 ซม. คอลเลกชันคอร์โคแรน, วอชิงตัน ดี.ซี. © 2018, ProLitteris, ซูริค

โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ