มรดกอันยั่งยืนของแจ็ค วิทเทน
แจ็ค วิทเทน—จิตรกรนามธรรมที่มีชื่อเสียง นักปรัชญาสังคม และผู้นำทางวัฒนธรรม—เสียชีวิตในวัย 78 ปี ในอาชีพการแสดงงานที่ยาวนานกว่า 50 ปี วิทเทนได้สร้างมรดกทางศิลปะที่อิงตามหลักการเดียวกับที่เขาใช้ชีวิตอยู่ นั่นคือการเปลี่ยนแปลงการรับรู้ของเรา เราสามารถสร้างวัฒนธรรมที่สงบสุขมากขึ้น ในสตูดิโอ เขามีความเข้มงวดในเชิงแนวคิด มีความมีชีวิตชีวาในเชิงสุนทรียศาสตร์ และเป็นผู้ทดลองที่ไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย ศิลปินส่วนใหญ่โชคดีที่พัฒนาตำแหน่งทางสายตาเฉพาะตัวเพียงตำแหน่งเดียวในช่วงอาชีพของพวกเขา วิทเทนพัฒนาหลายตำแหน่ง วิธีการของเขานั้นมีนวัตกรรมและทดลองมาก จนทำให้เขามักถูกเข้าใจผิด แม้กระทั่งโดยผู้สนับสนุนของเขา ความจริงข้อนี้ทำให้วิทเทนไม่ได้รับการชื่นชมจากตลาดในช่วงชีวิตส่วนใหญ่ของเขา และไม่ได้รับการยอมรับในบทสนทนาทางประวัติศาสตร์ศิลปะ แต่แนวคิดของพ่อค้าและผู้ซื้อศิลปะเริ่มตามทันวิทเทนในช่วงทศวรรษและครึ่งที่ผ่านมา ซึ่งในช่วงเวลานั้น ผลงานของเขาได้ปรากฏในนิทรรศการมากกว่า 40 ครั้ง ผู้คนเริ่มชื่นชมว่าแม้จะมีสไตล์ที่แตกต่างกันมากมายที่วิทเทนใช้ แต่ก็มีหลายแง่มุมที่เป็นเอกภาพในผลงานของเขา ตัวอย่างเช่น แนวคิดเกี่ยวกับชั้นเป็นสิ่งสำคัญต่อทุกสิ่งที่วิทเทนผลิต เช่นเดียวกับแนวคิดเกี่ยวกับการรับรู้ แสงก็สำคัญเช่นกัน และลวดลายก็เช่นกัน สี่องค์ประกอบเหล่านี้เกี่ยวข้องกับสิ่งที่วิทเทนอธิบายอย่างหลวมๆ ว่า "มุมมองโลก" ของเขา เขาอธิบายว่า "มุมมองโลกคือการประกาศแห่งการมีอยู่ในจักรวาล" มุมมองโลกของเขาคือแสงคือสิ่งที่ช่วยให้เรารับรู้ และการรับรู้คือสิ่งที่ช่วยให้เราจดจำลวดลาย ลวดลายคือสิ่งที่นำเราไปสู่การสร้างความเชื่อของเรา และความเชื่อของเรากำหนดว่าเราจะจัดโครงสร้างสังคมอย่างไร วิทเทนยืนยันว่าศิลปะสามารถเป็นตัวแทนของการเปลี่ยนแปลงที่ทรงพลัง เพราะมันเกี่ยวข้องกับการรับรู้ของเรา และสามารถช่วยให้เราสร้างโลกที่มีจริยธรรมและมีความเห็นอกเห็นใจมากขึ้นได้.
ศิลปะคือความหวังเดียวของเรา
วิทเทนเริ่มยอมรับศักยภาพในการเปลี่ยนแปลงของศิลปะในช่วงอายุ 20 ปีต้น ๆ เขามองว่ามันเป็นวิธีการรับมือกับสิ่งที่จนถึงตอนนั้นเป็นประสบการณ์ที่น่าสยดสยองสำหรับเขา เขาอธิบายการเติบโตในภาคใต้ของอเมริกาในคำที่ชัดเจน—การเหยียดเชื้อชาติและความรุนแรงที่ไม่หยุดยั้งซึ่งมุ่งเป้าไปที่เขาและคนผิวสีคนอื่น ๆ เขาออกจากรัฐบ้านเกิดของเขาคืออลาบามาในปี 1960 เมื่ออายุ 21 ปี และไม่เคยกลับมาอีก เขาย้ายไปที่นครนิวยอร์กและลงทะเบียนเรียนที่คูเปอร์ยูเนียน สิบสี่ปีต่อมา ผลงานของเขาได้รับการเฉลิมฉลองในนิทรรศการเดี่ยวที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกันวิทนีย์ ผลงานหลายชิ้นในนิทรรศการนั้นเป็นของสิ่งที่ถือว่าเป็นตำแหน่งภาพที่มีชื่อเสียงครั้งแรกของเขา—ผลงานที่เรียกว่า "ภาพวาดแผ่น" ของเขา เพื่อสร้างผลงานเหล่านี้ วิทเทนวางผ้าใบของเขาไว้บนพื้นและดันสีไปตามผ้าใบด้วยเครื่องกดสี ทันทีที่สีชั้นหนึ่งแห้ง เขาจะทาสีอีกชั้นหนึ่ง และต่อไปเรื่อย ๆ เขาสร้างชั้นขึ้นจนพื้นผิวหนาแน่นและมีมิติ สีพื้นฐานแต่ละสีจะปรากฏผ่านออกมาในที่สุด.
Jack Whitten - Untitled, 1968, Pastel on paper, 11 3/8 × 19 3/4 in, 28.9 × 50.2 cm, photo credits Allan Stone Projects, New York
สำหรับวิทเทน ภาพวาดเหล่านี้เป็นความพยายามทางปรัชญาในการก้าวข้ามไปสู่ทางเลือกอื่นที่อยู่เหนืออดีตที่รุนแรงของเขา มันไม่ใช่ความพยายามในการค้นหาสิ่งที่เป็นสากล แต่เป็นการค้นหาสิ่งที่มีอยู่เหนือจากตัวตน เขาเชื่อว่าวัฒนธรรมเต็มไปด้วยภาพลักษณ์ที่เป็นแบบแผน และกระบวนการทำงานนี้ การปล่อยให้สีและชั้นต่างๆ โผล่ขึ้นมาในองค์ประกอบนามธรรมสุดท้าย เป็นวิธีการทำลายความคาดหวังที่เป็นพื้นฐานของภาพลักษณ์เหล่านั้น ภาพวาด "แผ่น" ของเขาเป็นการเชิญชวนให้ตั้งคำถามว่าเกิดอะไรขึ้น; ตั้งคำถามว่าบางสิ่งถูกสร้างขึ้นมาอย่างไร; วิเคราะห์สมมติฐานที่มีอยู่ก่อนแล้ว; และคิดเกี่ยวกับสิ่งอื่นนอกเหนือจากสิ่งที่รู้ เขามองว่ามันเป็นความพยายามโดยตรงในการทำให้ความคิดที่แข็งกร้าวสับสน ดังที่เขาเคยกล่าวไว้ว่า "ศิลปะมีพลังในการทำลายอุปสรรคที่ถูกสร้างขึ้นโดยนักคิดที่มีความคิดพื้นฐานที่เรียบง่ายซึ่งพยายามรักษาอำนาจ หากนักคิดพื้นฐานกลัวสีแดง สีเหลือง และสีน้ำเงิน ก็แล้วสีแดง สีดำ และสีเขียว หรือสีชมพูและสีลาเวนเดอร์จะต้องทำให้พวกเขาฝันร้าย!"
Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York
ไม่มีจุดหมาย มีแต่โครงสร้าง
เมื่อ Whitten เริ่มเป็นที่รู้จักจากภาพวาด "slab" เขาก็เลิกใช้เทคนิคนี้และเริ่มทำงานในสไตล์คอลลาจ โดยใช้ชิ้นสีอะคริลิกที่แห้งแล้วเป็นกระเบื้อง โดยใช้กระเบื้องเหล่านี้เขาสร้างสิ่งที่ดูเหมือนโมเสก เขาตระหนักว่าการไม่วางชิ้นสีเหล่านี้ให้เรียบ จะทำให้มันสะท้อนแสงแตกต่างออกไป เพิ่มมิติและชีวิตชีวาให้กับผลงาน นี่กลายเป็นตำแหน่งภาพที่เป็นเอกลักษณ์ถัดไปของเขา เขายังคงพัฒนามันต่อไปในช่วงหลายปีที่ผ่านมา สุดท้ายเขาก็มาถึงเทคนิคการทำแม่พิมพ์สำหรับกระเบื้องสีของเขา แทนที่จะพึ่งพาชิ้นสี เขาเรียกกระเบื้องสีที่ทำจากแม่พิมพ์เหล่านี้ว่า "ready nows" และใช้มันในการสร้างองค์ประกอบทางสถาปัตยกรรมที่คล้ายกับกำแพงอิฐ เขาใช้เทคนิคนี้ในการสร้างภาพวาด "memorial" ของเขา เช่น 9-11-01, ซึ่งเป็นการระลึกถึงการโจมตีที่เกิดขึ้นที่ศูนย์การค้าโลก ซึ่งเขาได้เห็นจากอพาร์ตเมนต์ของเขาใน Tribeca แต่แม้ว่าเทคนิคนี้จะได้รับความนิยมมากที่สุดจากนักสะสมและสถาบันต่างๆ แต่ก็ไม่ใช่จุดหมายทางสุนทรียศาสตร์สุดท้ายของเขา เขายังคงทดลองและพัฒนาไปตลอดชีวิตของเขา.
Jack Whitten - solo show at Hauser & Wirth, New York, Jan 26th – Apr 8th 2017, installation view, photo credits Hauser & Wirth, New York
มีหลายคลาสสิกที่ใช้ในการตอบคำถามเชิงอภิปรัชญาว่าอะไรสำคัญกว่ากันในชีวิต: การเดินทางหรือจุดหมายปลายทาง วิตเทนมีคำพูดที่เขาชอบ ซึ่งเขาได้ยินจากดีลเลอร์เก่าของเขา อัลลัน สโตน มันกล่าวว่า "ไม่มีจุดหมายปลายทาง" สำหรับวิตเทน ชีวิตมีอยู่ในลักษณะต่อเนื่อง—ถนนที่ไม่มีที่สิ้นสุด สิ่งที่สำคัญสำหรับเขาคือกระบวนการ—กระบวนการในการมองเห็น; ในการคิด; ในการทดลอง; ในการสร้าง Throughout อาชีพของเขา เขายึดมั่นในแนวคิดที่ว่ามักจะมีสิ่งใหม่รออยู่ที่มุมถนน เหมือนนักดนตรีแจ๊สที่เล่นในคีย์เฉพาะ เขาให้โครงสร้างพื้นฐานแก่ตัวเอง—จุดเริ่มต้นทางปัญญาที่อิงจากปรัชญาหลัก และจากที่นั่น เขาก็สร้างสรรค์ขึ้นมา รูปแบบ ชั้น และแสงที่เขาทิ้งไว้ให้เราได้ชื่นชมเสนอเส้นทางสู่ระบบการรับรู้ใหม่ๆ พวกเขาแสดงให้เราเห็นถึงวิธีการก้าวไปข้างหน้าสู่สิ่งที่ลึกซึ้งและสำคัญกว่าตนเอง.
Jack Whitten - Black Monolith, II: Homage To Ralph Ellison The Invisible Man, 1994, Acrylic, molasses, copper, salt, coal, ash, chocolate, onion, herbs, rust, eggshell, razor blade on canvas, 58 × 52 in, 147.3 × 132.1 cm, © Jack Whitten/Artists Rights Society (ARS), New York
ภาพเด่น: แจ็ค วิทเทน - ห้าทศวรรษแห่งการวาดภาพ, แกลเลอรี Target และ Friedman, 13 กันยายน 2015 - 24 มกราคม 2016, จัดโดยพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย, ซานดิเอโก
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
