มรดกอันยั่งยืนของแจ็ค วิทเทน
แจ็ค วิทเทน—จิตรกรนามธรรมผู้มีชื่อเสียง นักปรัชญาสังคม และผู้นำทางวัฒนธรรม—ได้จากไปในวัย 78 ปี ในเส้นทางการจัดแสดงผลงานที่ยาวนานกว่า 50 ปี วิทเทนได้สร้างมรดกทางศิลปะโดยยึดหลักการเดียวกับที่เขาใช้ดำเนินชีวิต—ว่าด้วยการเปลี่ยนแปลงวิธีที่เรามองเห็น เราสามารถสร้างวัฒนธรรมที่สงบสุขมากขึ้น ในสตูดิโอ เขาเข้มงวดในแนวคิด มีความงดงามที่เปลี่ยนแปลงได้ และไม่หยุดนิ่งในการทดลอง ศิลปินส่วนใหญ่โชคดีที่ได้พัฒนาท่าทางภาพลักษณ์ที่เป็นเอกลักษณ์เพียงแบบเดียวตลอดอาชีพของตน วิทเทนกลับพัฒนาหลายแบบ วิธีการของเขานั้นล้ำสมัยและทดลองอย่างมาก จนบ่อยครั้งทำให้เขาถูกเข้าใจผิด แม้แต่จากผู้สนับสนุนของเขา ความจริงนี้ทำให้วิทเทนไม่ได้รับการยอมรับอย่างเต็มที่จากตลาดศิลปะตลอดชีวิต และไม่ได้รับการกล่าวถึงอย่างเพียงพอในบทสนทนาทางประวัติศาสตร์ศิลปะ แต่ทัศนคติของพ่อค้าศิลปะและผู้ซื้อในช่วงสิบห้าปีที่ผ่านมาเริ่มตามทันวิทเทน ผลงานของเขาได้ปรากฏในนิทรรศการมากกว่า 40 ครั้ง ผู้คนเริ่มเห็นคุณค่าแม้ว่าวิธีการที่วิทเทนใช้จะหลากหลาย แต่ก็มีหลายแง่มุมที่รวมกันในผลงานของเขา ตัวอย่างเช่น แนวคิดเรื่องชั้นเป็นสิ่งสำคัญในทุกสิ่งที่วิทเทนสร้างขึ้น เช่นเดียวกับแนวคิดเรื่องการรับรู้ แสงก็สำคัญ และลวดลายก็เช่นกัน สี่องค์ประกอบนี้เกี่ยวข้องกับสิ่งที่วิทเทนอธิบายอย่างคร่าวๆ ว่าเป็น “มุมมองโลก” ของเขา ดังที่เขาอธิบายไว้ว่า “มุมมองโลกคือคำประกาศจักรวาลแห่งการดำรงอยู่” มุมมองโลกของเขาคือแสงช่วยให้เราเห็น และการรับรู้ช่วยให้เราจดจำลวดลาย ลวดลายเป็นสิ่งที่นำเราไปสู่การสร้างความเชื่อ และความเชื่อของเรากำหนดวิธีที่เราจัดโครงสร้างสังคม วิทเทนยืนยันว่าศิลปะสามารถเป็นพลังแห่งการเปลี่ยนแปลง เพราะมันส่งผลต่อการรับรู้ของเรา และช่วยให้เราสร้างโลกที่มีจริยธรรมและเห็นอกเห็นใจมากขึ้น
ศิลปะคือความหวังเดียวของเรา
วิทเทนเริ่มยอมรับศักยภาพแห่งการเปลี่ยนแปลงของศิลปะตั้งแต่อายุยี่สิบต้นๆ เขามองว่าศิลปะเป็นวิธีการรับมือกับประสบการณ์ที่น่าสะพรึงกลัวของโลกที่เขาเผชิญมา เขาเล่าถึงการเติบโตในภาคใต้ของสหรัฐอเมริกาอย่างชัดเจน—การเหยียดเชื้อชาติและความรุนแรงที่ไม่หยุดหย่อนที่มุ่งเป้าไปยังเขาและคนผิวสีทุกคน เขาออกจากรัฐบ้านเกิดอลาบามาในปี 1960 ขณะอายุ 21 ปี และไม่เคยกลับไปอีก เขาย้ายไปนิวยอร์กซิตี้และเข้าเรียนที่ Cooper Union ผ่านไปสิบสี่ปี ผลงานของเขาได้รับการยกย่องในนิทรรศการเดี่ยวที่พิพิธภัณฑ์ Whitney Museum of American Art ผลงานหลายชิ้นในนิทรรศการนั้นถือเป็นท่าทางภาพลักษณ์ ikonik แรกของเขา—ภาพวาด “แผ่น” ที่เขาเรียกกัน เพื่อสร้างผลงานเหล่านี้ วิทเทนวางผืนผ้าใบบนพื้นและใช้ไม้ปาดสีดันสีไปบนผืนผ้าใบ เมื่อสีชั้นหนึ่งแห้ง เขาก็ทาสีชั้นต่อไป และทำซ้ำไปเรื่อยๆ เขาสร้างชั้นสีจนผิวงานหนาแน่นและมีมิติ สีชั้นล่างยังคงปรากฏให้เห็นในที่สุด
แจ็ค วิทเทน - ไม่มีชื่อ, 1968, สีชอล์กบนกระดาษ, 11 3/8 × 19 3/4 นิ้ว, 28.9 × 50.2 ซม., เครดิตภาพ Allan Stone Projects, นิวยอร์ก
สำหรับวิทเทน ภาพวาดเหล่านี้เป็นความพยายามทางปรัชญาเพื่อทะลุผ่านไปสู่สิ่งที่แตกต่างจากอดีตที่เต็มไปด้วยความรุนแรงของเขา พวกมันไม่ใช่ความพยายามค้นหาสิ่งที่เป็นสากล แต่เป็นการค้นหาสิ่งที่อยู่นอกเหนือตัวตน เขาเชื่อว่าวัฒนธรรมเต็มไปด้วยแบบแผน และกระบวนการทำงานนี้ ที่ปล่อยให้สีและชั้นต่างๆ โผล่ออกมาในองค์ประกอบนามธรรมสุดท้าย เป็นวิธีทำลายความคาดหวังที่แบบแผนเหล่านั้นตั้งอยู่ ภาพวาด “แผ่น” ของเขาเป็นการเชื้อเชิญให้สงสัยว่าเกิดอะไรขึ้น; ตั้งคำถามว่ามันถูกสร้างขึ้นอย่างไร; วิเคราะห์สมมติฐานที่มีอยู่ก่อน; และคิดถึงสิ่งอื่นนอกเหนือจากสิ่งที่รู้จัก เขามองว่าภาพเหล่านี้เป็นความพยายามโดยตรงที่จะทำลายความคิดที่แข็งทื่อ ดังที่เขาเคยกล่าวไว้ว่า “ศิลปะมีพลังในการทำลายกำแพงที่ถูกสร้างขึ้นโดยผู้คิดแบบพื้นฐานที่พยายามรักษาอำนาจ หากผู้คิดแบบพื้นฐานกลัวสีแดง เหลือง และน้ำเงิน สีแดง ดำ และเขียว หรือสีชมพูและลาเวนเดอร์ต้องทำให้พวกเขาฝันร้ายแน่นอน!”
แจ็ค วิทเทน - นิทรรศการเดี่ยวที่ Hauser & Wirth, นิวยอร์ก, 26 ม.ค. – 8 เม.ย. 2017, ภาพติดตั้ง, เครดิตภาพ Hauser & Wirth, นิวยอร์ก
ไม่มีจุดหมาย มีแต่โครงสร้าง
ทันทีที่วิทเทนเป็นที่รู้จักจากภาพวาด “แผ่น” เขาก็ละทิ้งเทคนิคนี้และเริ่มทำงานในสไตล์คอลลาจ โดยใช้ชิ้นสีอะคริลิกแห้งเป็นกระเบื้อง ด้วยกระเบื้องเหล่านี้เขาสร้างผลงานที่ดูเหมือนโมเสก เขาตระหนักว่าการไม่วางชิ้นสีเหล่านี้ราบไปกับพื้นทำให้สะท้อนแสงแตกต่างกัน เพิ่มมิติและชีวิตชีวาให้กับผลงาน นี่กลายเป็นท่าทางภาพลักษณ์ ikonik ถัดไปของเขา เขาพัฒนามันต่อเนื่องหลายปี จนในที่สุดก็ได้เทคนิคการทำแม่พิมพ์สำหรับกระเบื้องสีแทนที่จะใช้ชิ้นสี เขาเรียกกระเบื้องสีที่ทำเป็นแม่พิมพ์ว่า “ready nows” และใช้มันสร้างองค์ประกอบสถาปัตยกรรมที่คล้ายกำแพงอิฐ เขาใช้เทคนิคนี้สร้างภาพวาด “อนุสรณ์” เช่น 9-11-01 ที่ระลึกถึงเหตุการณ์โจมตีเวิลด์เทรดเซ็นเตอร์ ซึ่งเขาได้เห็นจากอพาร์ตเมนต์ของเขาในย่านทริเบกา แต่แม้เทคนิคนี้ซึ่งได้รับความนิยมมากที่สุดในหมู่ผู้สะสมและสถาบัน ก็ไม่ใช่จุดหมายสุดท้ายทางสุนทรียศาสตร์ของเขา เขายังคงทดลองและพัฒนาต่อไปตลอดชีวิต
แจ็ค วิทเทน - นิทรรศการเดี่ยวที่ Hauser & Wirth, นิวยอร์ก, 26 ม.ค. – 8 เม.ย. 2017, ภาพติดตั้ง, เครดิตภาพ Hauser & Wirth, นิวยอร์ก
มีคำพูดซ้ำซากหลายประการที่ใช้ตอบคำถามเชิงอภิปรัชญาว่าสิ่งใดสำคัญกว่ากันในชีวิต: การเดินทางหรือจุดหมาย วิทเทนมีคำพูดโปรดที่เขาได้มาจากพ่อค้าศิลปะเก่าของเขา Allan Stone ว่า “ไม่มีจุดหมาย” สำหรับวิทเทน ชีวิตดำรงอยู่ในเส้นต่อเนื่อง—ถนนที่ไม่มีปลายทาง สิ่งที่สำคัญสำหรับเขาคือกระบวนการ—กระบวนการมองเห็น; การคิด; การทดลอง; การสร้างสรรค์ ตลอดอาชีพของเขา เขายึดมั่นในแนวคิดที่ว่ามีสิ่งใหม่รออยู่เสมอรอบโค้ง เหมือนนักดนตรีแจ๊สที่เล่นในคีย์หนึ่ง เขาให้โครงสร้างพื้นฐานแก่ตัวเอง—จุดเริ่มต้นทางปัญญาที่อิงกับปรัชญาหลัก และจากนั้นเขาก็ประพันธ์ขึ้นใหม่ ลวดลาย ชั้นสี และแสงที่เขาทิ้งไว้ให้เราชื่นชมเป็นเส้นทางสู่ระบบการรับรู้ใหม่ๆ พวกมันแสดงทางไปสู่สิ่งที่ลึกซึ้งและสำคัญกว่าตัวตน
แจ็ค วิทเทน - Black Monolith, II: Homage To Ralph Ellison The Invisible Man, 1994, อะคริลิก, น้ำตาลดำ, ทองแดง, เกลือ, ถ่าน, ขี้เถ้า, ช็อกโกแลต, หัวหอม, สมุนไพร, สนิม, เปลือกไข่, ใบมีดโกนบนผืนผ้าใบ, 58 × 52 นิ้ว, 147.3 × 132.1 ซม., © แจ็ค วิทเทน/สมาคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก
ภาพเด่น: แจ็ค วิทเทน - ห้าทศวรรษแห่งการวาดภาพ, แกลเลอรี Target และ Friedman, 13 กันยายน 2015 - 24 มกราคม 2016, จัดโดยพิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัย ซานดิเอโก
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป Barcio
