คอลเลกชันของ MoMA ให้เกียรติการปฏิวัติของศิลปินใน "ระยะยาว"
มีการท้าทายเกิดขึ้น ซึ่งทำให้เราต้องเปลี่ยนวิธีคิดเกี่ยวกับอาชีพของศิลปิน ความท้าทายนี้มาจากเรียงความที่เขียนโดย Ann Temkin สำหรับ The Long Run ซึ่งเป็นนิทรรศการที่เพิ่งเปิดใหม่ที่เสนอการสำรวจลึกลงไปในคอลเลกชันของ MoMA เรียงความที่มีชื่อว่า Artistic Innovation in the Long Run ตั้งข้อสังเกตเกี่ยวกับความจริงที่ว่า MoMA เช่นเดียวกับพิพิธภัณฑ์ส่วนใหญ่ มักจะแสดงผลงานที่เปิดเผยความสำเร็จที่ปฏิวัติวงการของศิลปินที่สำคัญเท่านั้น กลยุทธ์นี้เน้นช่วงเวลาที่สำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะ และให้แนวทางสั้น ๆ เกี่ยวกับเส้นทางของอวองต์การ์ด มันทำให้ผู้ชมพอใจ และจึงเพิ่มจำนวนผู้เข้าชมพิพิธภัณฑ์ แต่ก็ยังบ่งบอกว่าศิลปะต้องมีความน่าตื่นเต้นเพื่อที่จะได้รับการประเมินค่า มันมองข้ามกระบวนการทดลองที่ยาวนานซึ่งนำไปสู่ผลงานชิ้นเอกที่สำคัญ และไม่สามารถตรวจสอบการพัฒนาที่การค้นพบเหล่านั้นสร้างแรงบันดาลใจให้กับผลงานที่มีความเป็นผู้ใหญ่ที่ศิลปินสร้างขึ้นในภายหลัง ที่เลวร้ายที่สุด ตามที่ Temkin กล่าวในเรียงความของเธอ มันสร้างวัฒนธรรมในโลกศิลปะที่ประเมินค่าความเยาว์วัยมากเกินไป Temkin กล่าวไว้ว่า "เราเพิ่งคำนวณอายุของศิลปินในขณะที่สร้างภาพวาดและประติมากรรมแต่ละชิ้นที่จัดแสดงในห้องแกลเลอรีชั้นห้า (ซึ่งครอบคลุมปี 1885 ถึง 1950) ผลงานมากกว่าสองในสามถูกสร้างขึ้นเมื่อศิลปินอยู่ในวัยยี่สิบหรือสามสิบ" การมีอคติทางอายุ การประเมินที่ไม่สมบูรณ์ และวิสัยทัศน์ที่บิดเบี้ยวเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะ—ไม่ใช่มรดกที่ดีสำหรับพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ แต่ถ้ามีใครสามารถเปลี่ยนวัฒนธรรมนี้ และสร้างแรงบันดาลใจให้เกิดการชื่นชมด้านความงามที่ลึกซึ้งและมีมิติที่มากขึ้น นั่นคือ Temkin เธอถือว่ามีตำแหน่งที่สูงที่สุดในโลกศิลปะอเมริกัน: หัวหน้าผู้ดูแลด้านภาพวาดและประติมากรรม Marie-Josée และ Henry Kravis ซึ่งหมายความว่าเธอช่วยตัดสินใจว่า พิพิธภัณฑ์ที่มีอิทธิพลที่สุดในประเทศจะซื้อวัตถุใด และมีอำนาจในการกำหนดวิธีการจัดแสดงคอลเลกชันทั้งหมดของมัน ไม่เกินจริงที่จะกล่าวว่า Temkin มีความสามารถในการมีอิทธิพลต่อความสัมพันธ์ระหว่างศิลปะ วัฒนธรรม และสังคมร่วมสมัย The Long Run และเรียงความที่เกี่ยวข้องเป็นการเปิดฉากที่น่าสนใจในความพยายามนั้น.
ความหลงใหลในนวัตกรรม
นอกจากลัทธิลัดดิสต์และความย้อนยุคแล้ว กิจกรรมของมนุษย์ร่วมสมัยแทบทุกอย่างมีความปรารถนาในความเป็นเอกลักษณ์อยู่ในตัว มันจะไม่ธรรมดาเลย ถ้าหากคุณหยิบวารสารวิทยาศาสตร์ฉบับล่าสุดขึ้นมาแล้วพบว่ามีบทความที่ส่งเสริมทฤษฎีการแพทย์ที่ถูกแทนที่ไปนานแล้ว แต่แนวคิดใหม่และนวัตกรรมที่น่าทึ่งไม่ได้เป็นที่นิยมเสมอไปในศิลปะ ในอดีตบ่อยครั้งที่ประเพณีมีความสำคัญมากกว่านวัตกรรม และผู้คนที่มีความซับซ้อนเคารพศิลปินตามความเป็นเวลาที่พิสูจน์แล้วของผลงานของพวกเขา บางวัฒนธรรมยังคงเป็นเช่นนั้นอยู่ แต่โดยส่วนใหญ่แล้ว โลกศิลปะในปัจจุบันมีความหมกมุ่นอยู่กับความสดใหม่ และเป็นเช่นนั้นมาตั้งแต่ทศวรรษ 1930 เมื่อเอซร่า พาวด์ ตั้งชื่อเสียงเรียกร้องของโมเดิร์นลิสม์ว่า "ทำให้มันใหม่!"
Installation view of The Long Run. The Museum of Modern Art, New York, November 11, 2017–November 4, 2018. © 2017 The Museum of Modern Art. Photo: Martin Seck
ภายใต้การสนับสนุนของคำสั่งนั้น นักวิชาการ ผู้ดูแล และนักเขียนมักจะเล่าเรื่องประวัติศาสตร์ศิลปะโมเดิร์นในลักษณะที่เหมือนกับว่ามันเป็นเพียงนวัตกรรมหนึ่งหลังจากอีกหนึ่ง นาง Temkin กล่าวไว้ว่า “เราขบวนจากอิซึมไปสู่อิซึมในขบวนแห่งความก้าวหน้าที่นำไปจากโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ไปสู่วาฟิสม์ไปสู่อับสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ เช่นเดียวกับจากซูเรียลลิสม์ไปสู่อับสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์ไปสู่วอป” สิ่งนี้ เธอกล่าว แสดงให้เห็นถึง “ความหลงใหลในนวัตกรรม” The Long Run เสนอทางแก้ไข มันไม่ได้ลดทอนอิซึมและนวัตกรรม มันเพียงแค่ตั้งคำถามว่า อะไรตามมาหลังจากนั้น? คำตอบมาพร้อมกับกลยุทธ์การจัดนิทรรศการเชิงทดลอง—เพื่อจัดแสดงส่วนของพิพิธภัณฑ์ที่เคยแสดงผลงานที่มีชื่อเสียงตั้งแต่ปี 1950 ถึง 1970 โดยมุ่งเน้นไปที่ศิลปินเดียวกัน แต่ตอนนี้แสดงผลงานที่พวกเขาสร้างขึ้นในภายหลังในอาชีพของพวกเขาเท่านั้น.
Installation view of The Long Run. The Museum of Modern Art, New York, November 11, 2017–November 4, 2018. © 2017 The Museum of Modern Art. Photo: Martin Seck
ความอยากรู้และความประณีต
สิ่งที่ฉันรักมากที่สุดเกี่ยวกับกลยุทธ์นี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งตามที่ Temkin กล่าวไว้ ในเรียงความของเธอ คือวิธีที่มันแยกความแตกต่างระหว่างการจดจำประวัติศาสตร์ศิลปะและการพัฒนาความชื่นชมสำหรับทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับมัน การรู้ว่าสิ่งไหนที่เหมาะกับปลาฮาลิบัตดีที่สุดนั้นดี แต่การพัฒนารสชาติของคุณเพื่อเพลิดเพลินกับความซับซ้อนที่ซ่อนอยู่ของรสชาติและกลิ่นในทุกขวดไวน์ที่คุณเปิดนั้นเป็นอีกเรื่องหนึ่งโดยสิ้นเชิง นิทรรศการนี้เรียกร้องให้เราพัฒนารสนิยมทางสุนทรียศาสตร์ของเรา; เพื่อพัฒนาความอยากรู้เกี่ยวกับศิลปะที่จะนำไปสู่ไม่เพียงแค่ความรู้ แต่ยังรวมถึงการกลั่นกรอง เป้าหมายสุดท้ายที่ Temkin ต้องการคือการขยายความสัมพันธ์ของเรากับศิลปะ แทนที่จะไปดูภาพวาดที่สำคัญที่สุดจากตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของขบวนการศิลปะที่มีการประชาสัมพันธ์มากที่สุด เราอาจพบว่าตัวเองกำลังมองหาศิลปินที่ไม่รู้จักหรือใหม่ซึ่งผลงานอยู่ในประเพณีเดียวกัน เราอาจเริ่มไปเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์และแกลเลอรีขนาดเล็ก หรือการลงทุนในศิลปินและผลงานศิลปะที่ไม่ชัดเจน แต่มีความงดงามไม่แพ้กัน.
Installation view of The Long Run. The Museum of Modern Art, New York, November 11, 2017–November 4, 2018. © 2017 The Museum of Modern Art. Photo: Martin Seck
การพัฒนาที่เหมือนกันนี้มาถึงเวลาแล้ว โลกศิลปะร่วมสมัยกำลังสูญเสียความลึกซึ้ง ตามที่ Temkin ชี้ให้เห็นว่า “ความคล้ายคลึงกับโลกการค้าเป็นสิ่งที่ไม่อาจปฏิเสธได้: สไตล์และชื่อใหม่ต้องเกิดขึ้นเหมือนกับโทรศัพท์และรองเท้าผ้าใบที่ล้าสมัยอย่างไม่รู้จบ” เพียงแค่ค้นหาคำว่า “ศิลปินที่กำลังมีช่วงเวลา” ใน Google และดูว่ามีการให้ความสนใจกับศิลปินหรือตลาดศิลปะที่เกิดขึ้นมากเพียงใด The Long Run ทำให้แนวคิดเกี่ยวกับช่วงเวลาแตกต่างออกไป แทนที่จะให้เราเห็นภาพวาดกริดที่มีชื่อเสียงของ Agnes Martin จากปี 1960 มันแสดงให้เราเห็นผลงานที่เธอสร้างขึ้นในปี 1990 แทนที่จะเป็นผลงานที่มีชื่อเสียงจากปี 1970 เราได้เห็นว่า Gerhard Richter ทำอะไรในปี 2000 แทนที่จะเป็นผลงานชิ้นเดียวหรือยุคเดียว เราได้เพลิดเพลินกับห้องนิทรรศการที่มีมโนทัศน์ที่พาเราไปไกลกว่าที่เราคิดว่าเป็นจุดสิ้นสุด สำหรับผู้ชมหลายคน นิทรรศการนี้จะเป็นการเปิดเผย สำหรับพวกเราทุกคน นี่เป็นโอกาสในการพัฒนาบริบทและขยายรสนิยมของเรา ที่สำคัญที่สุด มันเป็นก้าวไปสู่การเอาชนะอคติของรุ่นของเรา—เพื่อเข้าใจว่ามันหมายถึงอะไรไม่เพียงแต่สำหรับศิลปินที่จะ “มีช่วงเวลา” แต่สำหรับการสร้างชีวิตทางศิลปะด้วย.
Installation view of The Long Run. The Museum of Modern Art, New York, November 11, 2017–November 4, 2018. © 2017 The Museum of Modern Art. Photo: Martin Seck
ภาพเด่น: การจัดแสดงของ The Long Run. พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่, นิวยอร์ก, 11 พฤศจิกายน 2017–4 พฤศจิกายน 2018. © 2017 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่. ภาพถ่าย: มาร์ติน เซ็ค
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
