คอลเลกชันของ MoMA ให้เกียรติการปฏิวัติของศิลปินใน "ระยะยาว"

มีการท้าทายให้เราปรับเปลี่ยนวิธีคิดเกี่ยวกับเส้นทางอาชีพของศิลปิน บทท้าทายนี้มาจากบทความที่เขียนโดยแอน เทมกิน สำหรับ The Long Run นิทรรศการที่เพิ่งเปิดใหม่ซึ่งนำเสนอการสำรวจลึกลงไปในคอลเลกชันของ MoMA บทความชื่อ นวัตกรรมทางศิลปะในระยะยาว ตั้งคำถามกับข้อเท็จจริงที่ว่า MoMA เช่นเดียวกับพิพิธภัณฑ์ส่วนใหญ่ มักจะแสดงผลงานที่เผยให้เห็นความสำเร็จที่ปฏิวัติวงการของศิลปินสำคัญเท่านั้น กลยุทธ์นี้เน้นช่วงเวลาสำคัญในประวัติศาสตร์ศิลปะ และให้แนวทางย่อสำหรับเส้นทางของแนวหน้า มันทำให้ผู้ชมพึงพอใจ และจึงเพิ่มจำนวนผู้เข้าชมพิพิธภัณฑ์ แต่ก็ยังสื่อว่าศิลปะต้องโดดเด่นจึงจะได้รับการยอมรับ มันมองข้ามกระบวนการทดลองยาวนานที่นำไปสู่ผลงานชิ้นเอกที่ก้าวหน้า และไม่พิจารณาการเปลี่ยนแปลงที่ผลงานเหล่านั้นสร้างแรงบันดาลใจในผลงานที่ศิลปินสร้างขึ้นในช่วงบั้นปลายของชีวิต ที่แย่ที่สุด เทมกินกล่าวในบทความของเธอว่ามันสร้างวัฒนธรรมในโลกศิลปะที่ให้ความสำคัญกับวัยเยาว์มากเกินไป เทมกินกล่าวว่า “เราเพิ่งคำนวณอายุของศิลปินในขณะที่สร้างภาพวาดและประติมากรรมแต่ละชิ้นที่จัดแสดงในห้องแกลเลอรีชั้นห้าของเรา (ซึ่งครอบคลุมช่วงปี 1885 ถึง 1950) พบว่างานมากกว่าสองในสามถูกสร้างขึ้นเมื่อศิลปินอยู่ในวัยยี่สิบหรือสามสิบปี” การมีอคติต่ออายุ การประเมินที่ไม่ครบถ้วน และวิสัยทัศน์ที่บิดเบี้ยวของประวัติศาสตร์ศิลปะ ไม่ใช่มรดกที่ดีสำหรับพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ แต่ถ้ามีใครสักคนที่จะเปลี่ยนวัฒนธรรมนี้ และสร้างแรงบันดาลใจให้เกิดความชื่นชมที่ลึกซึ้งและละเอียดอ่อนต่อความงามได้ ก็คือเทมกิน เธอครองตำแหน่งสูงสุดในวงการศิลปะอเมริกันในฐานะหัวหน้าผู้ดูแลภาพวาดและประติมากรรมของ Marie-Josée และ Henry Kravis ซึ่งหมายความว่าเธอช่วยตัดสินใจว่าวัตถุใดที่พิพิธภัณฑ์ที่ทรงอิทธิพลที่สุดในประเทศจะซื้อ และมีอำนาจในการกำหนดวิธีการจัดแสดงคอลเลกชันทั้งหมดของพิพิธภัณฑ์ ไม่เกินจริงที่จะกล่าวว่าเทมกินมีอำนาจในการมีอิทธิพลต่อความสัมพันธ์ระหว่างศิลปะ วัฒนธรรม และสังคมร่วมสมัย The Long Run และบทความที่มาพร้อมกันเป็นการเปิดฉากที่น่าติดตามในความพยายามนั้น

ความหลงใหลในนวัตกรรม

นอกจากความต่อต้านเทคโนโลยีและความล้าสมัยแล้ว กิจกรรมของมนุษย์ร่วมสมัยเกือบทุกอย่างมีความต้องการในความแปลกใหม่โดยธรรมชาติ ตัวอย่างเช่น การหยิบวารสารวิทยาศาสตร์ฉบับล่าสุดขึ้นมาอ่านแล้วพบบทความที่ส่งเสริมทฤษฎีทางการแพทย์ที่ถูกแทนที่ไปนานแล้วคงเป็นเรื่องผิดปกติ แต่แนวคิดใหม่และนวัตกรรมที่โดดเด่นไม่เคยเป็นที่นิยมในวงการศิลปะเสมอไป ในอดีตบ่อยครั้งที่ประเพณีมีความสำคัญมากกว่าความใหม่ และผู้มีความรู้มักเคารพศิลปินตามความทนทานของผลงานบางวัฒนธรรมยังคงเป็นเช่นนั้น แต่โดยส่วนใหญ่แล้ว โลกศิลปะในปัจจุบันหมกมุ่นกับความสดใหม่ และเป็นเช่นนี้มาตั้งแต่ทศวรรษ 1930 เมื่อเอซรา พาวนด์ ประกาศคำขวัญของลัทธิทันสมัยว่า “ทำให้มันใหม่!”

ภาพการติดตั้งนิทรรศการ The Long Run พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก 11 พฤศจิกายน 2560–4 พฤศจิกายน 2561 © 2560 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ ภาพถ่าย: มาร์ติน เซ็ค

ภายใต้คำสั่งนี้ นักวิชาการ ภัณฑารักษ์ และนักเขียนมักเล่าประวัติศาสตร์ศิลปะสมัยใหม่เหมือนกับว่ามีแต่การเปลี่ยนแปลงนวัตกรรมต่อเนื่อง เทมกินกล่าวว่า “เราก้าวผ่านจากลัทธิหนึ่งไปสู่อีกลัทธิหนึ่งในขบวนแห่งความก้าวหน้าที่นำจากโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ไปฟอวิสม์และคิวบิสม์เป็นต้น หรือจากเซอร์เรียลิสม์ไปแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสม์และป็อป” เธอกล่าวว่านี่แสดงถึง “ความหลงใหลในนวัตกรรม” The Long Run เสนอทางแก้ มันไม่ได้ลดคุณค่าของลัทธิและนวัตกรรม แต่ตั้งคำถามว่า แล้วอะไรเกิดขึ้นหลังจากนั้น? คำตอบมาในรูปแบบของกลยุทธ์การจัดแสดงที่ทดลองใหม่ — การจัดแสดงส่วนของพิพิธภัณฑ์ที่เคยแสดงผลงานที่มีชื่อเสียงตั้งแต่ปี 1950 ถึง 1970 โดยเน้นศิลปินกลุ่มเดิมแต่แสดงเฉพาะผลงานที่พวกเขาสร้างขึ้นในช่วงปลายชีวิตเท่านั้น

ภาพการติดตั้งนิทรรศการ The Long Run พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก 11 พฤศจิกายน 2560–4 พฤศจิกายน 2561 © 2560 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ ภาพถ่าย: มาร์ติน เซ็ค

ความอยากรู้อยากเห็นและความประณีต

สิ่งที่ฉันชอบที่สุดเกี่ยวกับกลยุทธ์นี้ โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อเทมกินแสดงออกใน บทความของเธอ คือมันแยกความแตกต่างระหว่างการท่องจำประวัติศาสตร์ศิลปะกับการพัฒนาความชื่นชมในทุกสิ่งที่เกี่ยวข้องกับมัน การรู้ว่าวิธีการดื่มไวน์ชนิดใดเหมาะกับปลาฮาลิบัตเป็นเรื่องดี แต่การพัฒนารสสัมผัสเพื่อเพลิดเพลินกับความละเอียดอ่อนของรสชาติและกลิ่นในไวน์แต่ละขวดที่เปิดเป็นเรื่องที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง นิทรรศการนี้เรียกร้องให้เราพัฒนารสนิยมทางศิลปะของเรา; เพื่อพัฒนาความอยากรู้อยากเห็นเกี่ยวกับศิลปะที่จะนำไปสู่ไม่เพียงแต่ความรู้ แต่ยังรวมถึงความประณีต เป้าหมายสุดท้ายที่เทมกินต้องการคือการขยายความสัมพันธ์ของเรากับศิลปะ แทนที่จะไปชมภาพวาดที่สำคัญที่สุดโดยตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของลัทธิศิลปะที่ได้รับการประชาสัมพันธ์มากที่สุด เราอาจพบว่าตัวเองกำลังค้นหาศิลปินที่ไม่เป็นที่รู้จักหรือใหม่ที่มีผลงานในประเพณีเดียวกัน เราอาจเริ่มเยี่ยมชมพิพิธภัณฑ์และแกลเลอรีขนาดเล็ก หรือการลงทุนในศิลปินและผลงานที่ไม่ชัดเจนแต่มีความงดงามเท่าเทียมกัน

ภาพการติดตั้งนิทรรศการ The Long Run พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก 11 พฤศจิกายน 2560–4 พฤศจิกายน 2561 © 2560 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ ภาพถ่าย: มาร์ติน เซ็ค

การเปลี่ยนแปลงเช่นนี้ล่าช้าเกินไป โลกศิลปะร่วมสมัยกำลังสูญเสียความลึกซึ้ง เทมกินชี้ให้เห็นว่า “ความคล้ายคลึงกับโลกการค้าไม่อาจปฏิเสธได้: สไตล์และชื่อใหม่ต้องปรากฏขึ้นเหมือนโทรศัพท์และรองเท้าผ้าใบที่ล้าสมัยอย่างไม่สิ้นสุด” เพียงแค่ค้นหาคำว่า “ศิลปินที่มีช่วงเวลาสำคัญ” ในกูเกิลก็จะเห็นว่ามีข่าวสารมากมายเกี่ยวกับดาวศิลปะหรือแนวโน้มที่กำลังได้รับความนิยมในตลาด The Long Run ทำลายแนวคิดเรื่องช่วงเวลา แทนที่จะโชว์ภาพตารางที่โด่งดังของแอกเนส มาร์ตินจากทศวรรษ 1960 มันแสดงผลงานที่เธอสร้างในทศวรรษ 1990 แทนที่จะเป็นผลงานที่มีชื่อเสียงจากทศวรรษ 1970 เราได้เห็นสิ่งที่ เกอฮาร์ด ริชเทอร์ ทำในทศวรรษ 2000 แทนที่จะเป็นผลงานชิ้นเดียวหรือยุคเดียว เราได้เพลิดเพลินกับห้องนิทรรศการแบบโมโนกราฟฟิกที่พาเราไปไกลกว่าที่เราคิดว่าเป็นจุดสิ้นสุดของเส้นทาง สำหรับผู้ชมหลายคน นิทรรศการนี้จะเป็นการเปิดเผย สำหรับเราทุกคน มันเป็นโอกาสในการพัฒนาบริบทและขยายรสนิยม ที่สำคัญที่สุด มันเป็นก้าวหนึ่งในการเอาชนะอคติของยุคสมัยเรา — เพื่อเข้าใจความหมายไม่เพียงแต่สำหรับศิลปินที่ “มีช่วงเวลาสำคัญ” แต่สำหรับผู้ที่ปลูกฝังชีวิตศิลปะอย่างยั่งยืน

ภาพการติดตั้งนิทรรศการ The Long Run พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก 11 พฤศจิกายน 2560–4 พฤศจิกายน 2561 © 2560 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ ภาพถ่าย: มาร์ติน เซ็ค

ภาพเด่น: ภาพการติดตั้งนิทรรศการ The Long Run พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ นิวยอร์ก 11 พฤศจิกายน 2560–4 พฤศจิกายน 2561 © 2560 พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ ภาพถ่าย: มาร์ติน เซ็ค

โดย ฟิลลิป Barcio