การทำให้วัตถุศิลปะไร้สสารคืออะไร?
ลูซี่ ลิปพาร์ด—ยักษ์ใหญ่แห่งการวิจารณ์ศิลปะอเมริกัน ผู้เขียนหนังสือมากกว่า 20 เล่ม และผู้ร่วมก่อตั้ง Printed Matter ร้านขายหนังสือที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งผลิตโดยศิลปิน—อายุครบ 80 ปีในปีนี้ แม้จะมีความสำเร็จมากมายอื่น ๆ แต่ลิปพาร์ดเป็นที่รู้จักดีที่สุดจาก “การทำให้ศิลปะไร้สสาร” บทความที่เธอร่วมเขียนในปี 1968 กับจอห์น แชนด์เลอร์ (สามารถอ่านออนไลน์ได้ที่นี่) ในบทความนี้ ลิปพาร์ดได้นำเสนอหลักฐานว่าศิลปะอาจกำลังเข้าสู่ระยะของปัญญาบริสุทธิ์ ซึ่งผลลัพธ์อาจนำไปสู่การหายไปอย่างสิ้นเชิงของวัตถุศิลปะแบบดั้งเดิม บทความนี้เกิดขึ้นจาก และช่วยให้บริบทกับทศวรรษก่อนหน้านี้ของศิลปะแนวคิดที่สร้างสรรค์อย่างบ้าคลั่ง ซึ่งมักจะทิ้งไว้เพียงร่องรอยชั่วคราวที่ไม่สามารถเก็บรักษาได้ หรือไม่มีร่องรอยเลยนอกจากอาจจะเป็นการบันทึกประสบการณ์ ศิลปินแนวคิดมุ่งมั่นที่จะทำให้แนวคิดเป็นจุดสนใจหลักของผลงานของพวกเขา และหลายคนได้โต้แย้งอย่างน่าเชื่อถือว่าวัตถุที่ศิลปินสร้างขึ้นเพื่อแสดงออกถึงแนวคิดของพวกเขาเป็นเพียงผลิตภัณฑ์ที่ไม่จำเป็น และว่าแนวคิดเองคือสิ่งเดียวที่ควรค่าแก่การพิจารณา บทความนี้มีอิทธิพลอย่างมากในขณะนั้น: มากเสียจนลิปพาร์ดได้ติดตามด้วยหนังสือชื่อ หกปี ซึ่งวิเคราะห์หลักฐานของแนวโน้มนี้อย่างละเอียด แต่ชัดเจนว่าในระยะยาวการคาดการณ์ของเธอนั้นไม่ถูกต้อง เนื่องจากวัตถุศิลปะยังคงไม่ได้ไร้สสาร อย่างไรก็ตาม เพื่อเฉลิมฉลองครบรอบ 50 ปีของการตีพิมพ์ครั้งแรกของ การทำให้ศิลปะไร้สสาร เราคิดว่าเราจะใช้เวลาสักครู่ในการสำรวจบทความที่มีอิทธิพลนี้และเน้นสิ่งที่เกี่ยวข้องกับยุคของเรา.
วิทยาศาสตร์แห่งศิลปะ
ลิปพาร์ดได้อิงแนวคิดหลักที่เธอพูดถึงใน The Dematerialization of Art จากแนวคิดที่ถูกนำเสนอครั้งแรกในหนังสือชื่อ The Mathematical Basis of the Arts ซึ่งเขียนโดยจิตรกรชาวอเมริกัน โจเซฟ ชิลลิงเจอร์ ในหนังสือนั้น ชิลลิงเจอร์ได้แบ่งประวัติศาสตร์ศิลปะทั้งหมดออกเป็นห้าหมวดหมู่ของปรากฏการณ์ทางสุนทรียศาสตร์ ก่อนอื่น เขาอธิบายว่า มีกระบวนการ "ก่อนสุนทรียศาสตร์" ของการเลียนแบบ ต่อมาคือศิลปะที่มีพิธีกรรมหรือศาสนา จากนั้นคือศิลปะที่มีอารมณ์ แล้วตามด้วยศิลปะที่มีเหตุผลและอิงจากประสบการณ์ และสุดท้าย หมวดหมู่สุนทรียศาสตร์ "สุดท้าย" ที่ชิลลิงเจอร์อธิบายคือ "วิทยาศาสตร์" หรือที่เขาเรียกว่า "หลังสุนทรียศาสตร์" เขาคาดการณ์ว่าช่วงสุดท้ายนี้จะนำไปสู่ "การปลดปล่อยความคิด" และนำไปสู่ "การสลายตัวของศิลปะ."
ในขณะที่พิจารณาการพัฒนาของศิลปะตลอดทศวรรษ 1950 และ 60 Lippard เชื่อว่าสิ่งที่เธอกำลังเห็นคือการเกิดขึ้นของระยะที่ห้าของศิลปะ และเธอก็ตื่นเต้นเกี่ยวกับแนวคิดนี้ เธอมองว่าการไร้วัตถุเป็นการเปลี่ยนแปลงที่ดีและมีชีวิตชีวา หลังจากทั้งหมด หากวัตถุทางสุนทรียภาพสามารถหยุดมีอยู่เป็นจุดสนใจหลักของศิลปะได้ ศิลปะก็จะสามารถหลุดพ้นจากการเป็นสินค้า ระบบที่มักจะน่ารังเกียจซึ่งกดดันชีวิตและผลงานของศิลปินหลายคนอย่างรุนแรง.
โจเซฟ ชิลลิงเกอร์ - สี่เหลี่ยมสีเขียว, จากชุด, พื้นฐานทางคณิตศาสตร์ของศิลปะ, ประมาณปี 1934, เทมเพอร่า บนกระดาษแข็ง, สมิธโซเนียน, ภาพถ่ายผ่าน rendaan.com
วิทยาศาสตร์ของสินค้าโภคภัณฑ์
ในฐานะที่เป็นหลักฐานว่าการไร้วัตถุเริ่มต้นขึ้น Lippard ได้อ้างถึงขบวนการต่างๆ เช่น Light and Space ซึ่งมีลักษณะเป็นภาพแต่ไม่ใช่บนพื้นฐานของวัตถุ และ Minimalism ซึ่งลดทอนวัตถุทางสุนทรียศาสตร์อย่างมาก ขบวนการเหล่านี้ที่เธอเชื่อว่าลดความสำคัญของแง่มุมทางสายตาของงานศิลปะ โดยกำหนดให้แง่มุมทางสายตาเป็นเพียงจุดเริ่มต้นสำหรับประสบการณ์ที่ไร้วัตถุและเชิงปัญญา แต่หนึ่งในคำวิจารณ์ที่ชัดเจนและเด่นชัดเกี่ยวกับ The Dematerialization of Art คือแม้ว่าคอนเซ็ปต์ที่ชั่วคราวและเชิงแนวคิดเหล่านี้จะมีพื้นฐานน้อยลงจากวัตถุ แต่ก็ยังส่งผลให้เกิดปรากฏการณ์ทางกายภาพอยู่ดี แม้แต่นักแสดงศิลปะก็สร้างสิ่งหนึ่ง—การแสดง—ซึ่งสามารถขายเป็นประสบการณ์หรือบันทึกไว้ได้.
ไม่ว่าสิ่งที่ศิลปินสร้างขึ้นจะเล็กน้อยเพียงใด มันก็สามารถถูกทำให้เป็นวัตถุทางจิตใจและถูกซื้อขายเป็นสินค้าได้ วิธีเดียวที่จะหลีกเลี่ยงความเป็นไปได้ของการทำให้เป็นสินค้าได้อย่างสมบูรณ์คือการไม่แบ่งปันความคิดเลย: แล้วบางทีความเคารพและความศักดิ์สิทธิ์ของประสบการณ์ทางปัญญาอาจถูกเก็บรักษาไว้ แต่เฉพาะความคิดที่แบ่งปันเท่านั้นที่สามารถเรียกได้ว่าเป็นศิลปะ และทันทีที่ความคิดถูกแบ่งปัน มันสามารถถูกครอบครอง ถูกจัดการ และถูกแสดงออกในรูปแบบอื่น ๆ หรือพูดอีกอย่างคือ ถูกทำให้เป็นรูปธรรม และทันทีที่สิ่งใดสิ่งหนึ่งกลายเป็นรูปธรรม มันก็สามารถถูกซื้อขายเป็นสินค้าได้.
โจเซฟ ชิลลิงเกอร์ - การศึกษาในจังหวะที่ยังไม่เสร็จสิ้น, ซีรีส์ที่พัฒนาจากพื้นฐานทางคณิตศาสตร์ของศิลปะ, ประมาณปี 1934, สีชอล์กและดินสอบนกระดานภาพ, ขนาดแผ่น: 14 7/8 x 19 7/8 นิ้ว (37.78 x 50.48 ซม.), คอลเลกชันหอศิลป์อัลไบรท์-น็อกซ์, บัฟฟาโล, นิวยอร์ก
ห้าขั้นตอน
การอ่านซ้ำ การทำให้ศิลปะไร้สสาร ในวันนี้ ข้อผิดพลาดที่แท้จริงเพียงอย่างเดียวที่ดูเหมือนจะชัดเจนคือวิธีที่มันนำเสนอห้าช่วงของศิลปะ ตามที่อธิบายโดยชิลลิงเจอร์ ว่าเป็นสิ่งที่เป็นเส้นตรง มันเป็นสิ่งที่ดึงดูดใจเสมอสำหรับแต่ละรุ่นที่จะมองเห็นตัวเองว่าอยู่ที่แนวหน้าของความทันสมัย ชิลลิงเจอร์คิดว่าศิลปะได้พัฒนาไปตามประวัติศาสตร์ผ่านช่วงต่างๆ และลิปปาร์ดคิดว่าเธอเป็นส่วนหนึ่งของรุ่นที่กำลังผลักดันศิลปะไปสู่จุดสูงสุดทางวิวัฒนาการ แต่เวลาไม่ได้เคลื่อนที่ไปข้างหน้า; มันเพียงแค่ผ่านไป วัฒนธรรมไม่เป็นเส้นตรง; มันทำซ้ำตัวเอง มนุษยชาติถดถอยอย่างรวดเร็วเท่าที่มันพัฒนา และความจริงในช่วงปี 1960 และ 70 และยังคงเป็นเช่นนั้นในวันนี้คือ ศิลปินกำลังหาวิธีที่จะทำให้ไร้สสารอย่างรวดเร็วเท่าที่คนอื่นกำลังค้นพบวิธีที่จะทำให้มันมีสสารอีกครั้ง.
ท้ายที่สุดแล้ว ลิปพาร์ดต้องตระหนักถึงเรื่องนี้เช่นกัน แม้ว่าเธอจะเขียนเกี่ยวกับหัวข้อการไร้วัสดุ เพราะเรียงความของเธอจบลงด้วยการตั้งคำถามว่าจุดศูนย์ในศิลปะที่เรียกกันว่าอาจจะถูกเข้าถึงในเร็วๆ นี้หรือไม่ คำตอบที่เธอกล่าวคือ "มันแทบจะไม่เป็นไปได้เลย" แม้ในวันนี้เมื่อศิลปินขายผลงานเสมือนที่มีอยู่เฉพาะในพื้นที่ดิจิทัล เราก็ยังสามารถโต้แย้งได้ว่าการไร้วัสดุเป็นเพียงแฟนตาซี สิ่งใดก็ตามที่สามารถมองเห็นได้ตามคำนิยามแล้วคือวัสดุ แม้ว่ามันจะสามารถมองเห็นได้เพียงผ่านแว่นตาเสมือนจริง แต่ในความเห็นของเรา นั่นยิ่งพิสูจน์ได้ว่าอาจจะการบรรลุการไร้วัสดุไม่เคยเป็นจุดประสงค์ที่แท้จริง จุดประสงค์ที่ลิปพาร์ดกำลังสื่อสารจริงๆ คือเพียงแค่หนึ่งในแง่มุมที่สำคัญของศิลปะภาพคือการมีส่วนร่วมอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยในการค้นหาว่าจะสามารถแสดงออกได้มากขึ้นด้วยสิ่งที่น้อยลงอย่างไร ศิลปินใดๆ ที่ทำงานเพื่อการไร้วัสดุก็ยังทำงานเพื่อความเรียบง่าย และความเรียบง่ายนำไปสู่การค้นพบสิ่งที่จำเป็นจริงๆ และดังนั้นจึงมีความหมายจริงๆ นั่นไม่ใช่ขั้นตอนสุดท้ายของศิลปะอย่างแน่นอน แต่เป็นขั้นตอนที่สามารถเตือนเราว่าคุณค่าของศิลปะนั้นแท้จริงคืออะไร.
ภาพเด่น: Joseph Schillinger - Red Rhythm (รายละเอียด), ซีรีส์ที่พัฒนาจาก The Mathematical Basis of Ars, ประมาณปี 1934, โกเช่บนกระดาษ, ขนาดภาพ: 8 x 11 15/16 นิ้ว (20.32 x 30.32 ซม.); แผ่น: 10 1/2 x 13 7/8 นิ้ว (26.67 x 35.24 ซม.), คอลเลกชัน Albright-Knox Art Gallery, บัฟฟาโล, นิวยอร์ก
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
