亨利·马蒂斯的《蜗牛》与抽象艺术的关键特质

“蜗牛”（1953年）完成于马蒂斯去世的前一年。它被认为是他最后一件重要的“剪纸”作品，同时也是一件杰作。对马蒂斯来说，尽管他创作不辍，这或许只是另一件作品，完成后他很快就会忘记它，转而创作下一件。然而，对于那些亲眼见过“蜗牛”的人来说，这是一幅令人难以忘怀的画面，体现了现代主义抽象艺术的巅峰。作品约三米见方，高度是大多数观众的两倍。它由彩色形状贴在白色背景上组成。每个形状都是从一张水粉彩色纸上剪下的。形状松散地排列成螺旋状——表现了蜗牛壳的形态。马蒂斯还给这件作品起了第二个名字：“色彩构成”（La Composition Chromatique）。这个副标题充满了神秘。大多数作者认为马蒂斯是指颜色。毕竟，他为作品选择了完美互补的色调，创造出充满活力和喜悦的视觉构成。然而，虽然“色彩的”一词确实常用来表示与颜色相关的事物，它也有音乐含义，正如“构成”一词在音乐中所指。在音乐中，半音阶包含钢琴上可演奏的全部12个音符，是一个完整、包罗万象的音阶。许多观众在观看“蜗牛”时感受到有12种色调存在。马蒂斯是否也借此副标题暗示了音乐与色彩的结合？可以确定的是，通过赋予这件作品两个标题，马蒂斯赋予它具象与抽象的双重特质，增添了丰富的解读层次，使“蜗牛”成为研究抽象艺术关键特质的理想作品。

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“蜗牛”于1962年被伦敦泰特美术馆收藏。十四年后，博物馆收到一封来自莉迪亚·德莱克托尔斯卡娅女士的信，她是一位流亡的俄罗斯人，晚年曾担任马蒂斯的模特、工作室助理和事业经理。信中描述了“蜗牛”的创作过程，并引用了马蒂斯的话：“我首先从自然中画出蜗牛，手中握着它。我意识到它在展开，我在脑海中找到了一个去壳的纯净形象，然后我拿起了剪刀。”这简短的一句话诗意地总结了马蒂斯的整个艺术生涯。他最初从自然中取材，绘制具象画作。随后，他对自然的模仿逐渐解构，转而探索色彩的动态抽象特质。他简化作品，将其精炼为纯净的形象，如宾夕法尼亚巴恩斯基金会的壁画《舞蹈 II》（1932年）或由德莱克托尔斯卡娅女士担任模特的《躺卧裸女》（1935年）。最终，他“拿起剪刀”，在因十二指肠癌手术后无法继续绘画时，转变了创作方式。

“拿起剪刀”这一说法指的是马蒂斯在身体不便时发展出的剪纸拼贴技法。坐轮椅的他向助手们指定所需颜色，助手们用水粉绘制彩色纸张。马蒂斯用剪刀剪裁纸张，塑造符合他想象的形状。他指导助手们将这些形状精确地拼贴在挂墙的面板上。这一从绘画到剪纸的转变虽出于无奈，却也是现代主义的完美体现，因为它剥除了先画形状再填色的虚假过程，实现了方法、媒介与材料的统一。“蜗牛”更被视为深刻的现代主义宣言，因为蜗牛壳上的螺旋图案，即马蒂斯所说的“展开”，呼应了黄金比例，这是一种早期抽象艺术中常用的构图策略，被认为是自然界普遍和谐的表现。

色彩与音乐

通过赋予“蜗牛”副标题“色彩构成”，马蒂斯使这件作品不仅可以从叙事具象的角度解读，也可以从纯粹形式美学的角度欣赏。这一选择表明艺术家接受了观众对其作品的双重解读方式。他本人也以这两种视角看待作品，显然希望我们也能敞开心扉，接受这两种观点。若仅将其视为颜色与形状的具体组合，作品传达出欢欣、活力与运动等多种情感与物理特质。画面的平面性与层叠纸张的立体感微妙地相互竞争。深浅色调营造出深度幻觉。

而对于那些愿意探究“色彩构成”音乐特质的人来说，细细观察作品中的各种色调是一种乐趣。橙色有多少种？绿色有多少种？画面中心有11个形状，加上白色背景和橙色边框，边框本身由至少七块组成。根据大脑对颜色的感知，可能有多达19种不同色调。但大多数人能辨认出中心九种不同色调，加上白色和边框中的两种橙色。这12种色调在构图中如诗般流淌，向另一伟大现代主义理念致敬：抽象视觉元素如同音乐。总之，这些不同的解读方式汇聚成一堂关于如何欣赏抽象艺术的大师课。这件剪纸作品兼具绘画、浮雕、具体、抒情、几何、具象与抽象的特质。它既是这些，又非这些。它的多重性体现了马蒂斯曾表达的信念之谜：“精确不等于真理。”

配图：亨利·马蒂斯 - 《蜗牛》，1953年。水粉纸本，剪裁后贴于纸上，再装裱于画布。287厘米 × 288厘米（112 3⁄4英寸 × 108英寸）。伦敦现代美术馆藏。© 亨利·马蒂斯遗产/DACS 2018
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作者：Phillip Barcio