Anthony·卡罗的五件值得注意的雕塑

当他于2013年去世时，Anthony Caro 被认为是他那一代最具影响力的英国雕塑家。他的影响力既来自他的作品，也来自他的教学。从1953年到1981年，他每周两天在伦敦圣马丁艺术学院任教。在那里，他的主要创新之一是将雕塑和绘画课程结合起来，将课程重点从模仿对象转向“理解对象”。这种观点同样定义了他作为艺术家的创作。早期，他从生活中临摹雕塑。他塑造早期作品或用石头雕刻，并以传统方式将其置于基座上。但到了1960年，他突然转向用金属制作非具象的抽象雕塑，并直接将其放置在地面上。观众不再觉得这些作品与环境分离，而是感到与作品相连，甚至可以绕着作品走动，随着视角的变化观察其外观的变化。他理解并表达其主题抽象本质的目标，也使他得出结论，应在作品中使用现成物品和材料。他认为这些是现代日常生活的事物，其内在意义对现代观众意义深远。作为艺术家的演变使Caro成为了像Marcel Duchamp那样的艺术家与当代艺术家Jessica Stockholder之间的完美桥梁，前者首次将日常生活中的现成物组装成雕塑，后者则将这一概念扩展为创造重新定义人与空间关系的大型感知体验。Caro留下的遗产是不断创新的精神，以下是他的五件最值得关注的作品：

觉醒的女人（1955年）

Caro在伦敦皇家艺术学院学习时，学会了从自然中雕塑。他被教导直接临摹希腊、罗马和伊特鲁里亚艺术家的雕塑。毕业后，他从伦敦搬到赫特福德郡，曾著名地冷不防地给现代主义生物形态雕塑大师亨利·摩尔打电话，要求做他的工作室助理。摩尔拒绝了他，但告诉他六个月后再来。Caro照做了，最终得到了这份工作。尽管他尊敬摩尔，但他在学术训练和摩尔的影响之间挣扎。当Caro于1956年举办首次个人展览时，这两种影响显而易见，尤其是在展览中最受关注的雕塑“觉醒的女人”（1955年）。这位女性的姿态无疑类似于摩尔雕刻的躺卧女性形态，而作品的英雄气概和情感特质则唤起了许多古典的联想。

二十四小时（1960年）

尽管内心挣扎着寻找原创声音，Caro创作的具象雕塑仍受到公众欢迎。其中一件作品曾在1958年威尼斯双年展展出，另一件赢得了1959年巴黎双年展的雕塑奖。然而，这些声誉也使他接触到了来自美国的有影响力的抽象艺术家，如Helen Frankenthaler、Kenneth Noland和Robert Motherwell。与他们的交流激发了他对抽象的本能追求，并鼓励他有信心在风格上做出戏剧性的改变。他的新方法首次体现在1960年的“二十四小时”中。这件作品的成功促使他彻底改革教学课程，使他成为英国学术先锋派的前沿人物。

清晨时分（1962年）

1963年，伦敦怀特查佩尔画廊举办了Caro的十五件抽象雕塑个展，这次展览使他一举成名。对许多观众来说，画廊内部空间看起来仿佛正在施工——金属形态似乎散落一地，等待外壳的覆盖。在众多形态中，显眼的是一件大型、明亮的红色钢铝组合雕塑，名为“清晨时分”（1962年）。形状、线条和角度交汇，形成了这个难以定义的形态：显然是理性决策的结果，是选择而非偶然。作品从每个角度观看都呈现出新的可能性。这不是支撑另一结构的支架，而是支撑一段神秘旅程，其意义仅在于观看和梦想。

黄色秋千（1965年）

1959年Caro首次赴美时，与抽象表现主义雕塑家大卫·史密斯建立了深远的联系。史密斯当时已在焊接金属领域工作。两人成为朋友兼竞争者。Caro创作了“黄色秋千”（1965年），正值史密斯因车祸去世之年。作品的多重属性使观众在绕行时能获得几乎无尽的视觉解读。空白空间被纳入构图，有时甚至在感知上主导实心材料。其鲜明的色彩表达了Caro曾谈及的愿望：他和同时代人能被视为印象派精神的继承者——革命性实验态度的守护者。

艾玛·迪珀（1977年）

1977年，Caro发现自己陷入困境：他在加拿大萨斯喀彻温省的偏远工作室临时工作，却无法获得平时使用的材料。于是他调整创作方式，采用当地用于农业的薄金属材料。上文所示的“艾玛·迪珀”（1977年）是他用这种材料制作的第一件雕塑。作品以其工作室所在地艾玛湖命名。该作品被形容为谦逊，因为它弱化了雕塑本身。薄金属线条退居次要，形成立体作品内外空白空间的形状。此雕塑如同道家谜语的典范：容器只是空的形态，但正是其中的空虚才有用。

封面图片：Sir Anthony Caro - 艾玛·迪珀，1977年。2130 x 1700 x 3200 毫米。彩绘钢材收藏。由Barford Sculptures Ltd提供

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作者：Phillip Barcio