肯尼斯·诺兰绘画中的色彩、焦点和领域
一个随意的观察者可能会误以为Kenneth Noland是一个设计画家。确实，Kenneth Noland最令人难忘的画作表现出有限的形状和图案范围：圆形、人字形、菱形、条纹和格子。但与这种看法相反，Noland根本不关心形状和设计。他之所以一次又一次地回到相同的图像，是因为他相信重复会让观众忽略形状和设计，而专注于他真正感兴趣的领域：色彩和画面空间的无限潜力。
风格之旅
除了是一位杰出的艺术家，Kenneth Noland也是退伍军人法案（G.I. Bill）价值的优秀例证；这是美国政府的一项计划，允许退伍士兵免费上大学。1942年，Noland18岁时加入美国空军。二战结束后回到北卡罗来纳州，他利用退伍军人法案的福利报名参加当地的艺术学校。那所学校正是著名的黑山学院，许多包豪斯的有影响力教师在其学院因纳粹干预而关闭后迁至此地。
在黑山学院期间，Noland师从Ilya Bolotowsky，他曾是新造型主义创始人Piet Mondrian的门徒。按照新造型主义者的传统，Bolotowsky倡导简单的几何图案和纯色。Noland还师从Josef Albers，这位现代主义理论家和画家是色彩关系的热情研究者。Noland吸收了导师们的教导并在此基础上发展，终生关注由鲜艳色彩构成的简单构图的表现力。
Kenneth Noland - 《地球》，1956年。丙烯画布。60 x 60英寸。Cornelia Noland Reis收藏。© Kenneth Noland
后画家抽象派
与Morris Louis、Helen Frankenthaler、Clyfford Still、Mark Rothko和Jules Olitski一起，Kenneth Noland很快成为色域绘画运动的代表人物之一，这一运动属于所谓的后画家抽象派艺术倾向。该术语由Clement Greenberg于1964年为他在洛杉矶县艺术博物馆策划的展览创造，指的是绘画从厚涂、肌理丰富的作品转向平滑表面和无明显笔触的趋势。
尽管色域绘画的定义有些模糊，Kenneth Noland却是后画家抽象派的典型代表。他的画作拒绝了抽象表现主义的个人戏剧性。他简化了绘画手法，摒弃拼贴、组装、现成物品及其他复杂元素，而是依赖最简单的材料：颜料和画布。他的色彩鲜艳纯净，构图直接简洁，画面与画布融为一体。
Kenneth Noland - 《Lapse》，1976年。丙烯画布。75 x 141英寸。© Kenneth Noland
色彩与画面空间的融合
Noland于1956年左右创作了他的首批所谓色域绘画，作品由同心圆环组成。人们不禁猜测这些画作是否与他的战争经历有关，因为它们看起来像靶子。但在多次采访中，Noland表示他选择圆形图案是因为它是一种非具象形象，能让观众的目光沉浸于色彩体验中。然而，他的画作不仅仅是关于色彩，也在于挑战画作与其表面之间的分离。
在艺术史的大部分时间里，画作被视为绘制在预先处理过的表面上的图像。画作所在的画布经过预先定型、拉伸和底漆处理，等待画作的诞生，支持画面且与图像分离。在Noland等画家的观念中，这种分离是一种障碍。艺术家无法自由表达，而是被预设的画布限制或引导，尽管最终的图像尚未构想。Noland希望将图像与画布融合，将色彩与画面空间结合，形成统一的美学表达。
Kenneth Noland - 《晨光跨度》，1963年。丙烯画布。103.7 x 142.5英寸。© Kenneth Noland
统一的表现对象
1953年，Noland在画家Helen Frankenthaler的工作室访问中获得了启示。在她位于纽约的工作室，Frankenthaler开创了所谓的浸染技法。她没有在预先定型的画布上涂底漆准备绘画，而是将未经处理的画布铺在地板上，直接将颜料倒在未涂底漆的表面上。颜料与画布融合，沿着织物自然扩散，颜料与画布成为一个整体。
Kenneth Noland - 《Mach II》，1964年。丙烯树脂画布。98 x 208英寸。© Kenneth Noland
Noland立即采用了Frankenthaler的浸染技法。这使他能够创造出统一的作品，色彩与画面融为一体。同时，他消除了笔触的痕迹，笔触被视为艺术家个性的标志。这两项进步使他开始创作不描绘具体事物的画作，而是关注他所关心的基本元素，如色彩、表面、质感、对称和比例。
Kenneth Noland - 《交错色彩》，1973年。丙烯画布。© Kenneth Noland
裁剪
众所周知，Noland和他的同时代人Morris Louis都采用了Helen Frankenthaler的浸染技法。但Noland职业生涯后期采用的另一种技法也可能受Frankenthaler启发，那就是裁剪。在摄影中，裁剪意味着选择曝光中你想打印的部分，只显示你喜欢的内容。许多Frankenthaler在工作室的照片显示她在巨大的未拉伸画布上作画。她在绘画完成后裁剪和构图，这使她能够在尽可能少的限制下发展图像，然后选择她认为最具表现力的部分。这是Kenneth Noland广泛使用的做法，尤其是在他开始制作异形画布时。他会在地板上处理一块巨大的画布，自由创作色彩构图，不受空间限制。这让他能够自由探索色彩关系，而不必担心最终结果。创作和发现过程完成后，他可以“裁切”出最终画面，从无数可能中选择他想要的部分进行构图，这基本上是一个编辑过程。Noland在1977年接受Diane Waldman为《美国艺术》杂志所做的采访中谈到这一过程的美妙，说：“色彩可以位于画面的边缘，也可以在画面内部：上下左右的问题变得完全灵活，平行、垂直或水平的问题也是如此。”
Kenneth Noland - 《夏日平原》，1967年。丙烯画布。© Kenneth Noland
简约的深度
Kenneth Noland时常向雕塑家寻求灵感，以探索色彩的抽象本质。雕塑家David Smith尤其启发了他，Noland甚至偶尔与雕塑家Tony Caro合作，在雕塑完成后为其上色。他这样做纯粹出于好奇和实验精神。他无法确切表达自己希望发现什么，或这些实验的意义。他说：“我们往往忽视生活中许多非语言的意义。色彩可以传达全方位的情绪和表达，反映一个人的生活经历，而无需赋予其描述性或文学性质。”
Kenneth Noland - 《镉光辉》。© Kenneth Noland
喜欢复杂事物的人可能会轻易忽视一个完全基于简约和好奇心的艺术生涯。Kenneth Noland的画作确实似乎毫无戏剧性。然而，它们却富有表现力。它们如同孩子的哭声、钟声或警报声。我们立刻认出它们的本质。我们知道它们在呼唤我们的反应，尽管我们可能不理解它们的确切目的或我们应有的反应。但也许，就像钟声、哭声和警报声一样，不是每个人都必须做出反应。
封面图：Kenneth Noland - 《四月》（局部），1960年。丙烯画布。16 x 16英寸。© Kenneth Noland
所有图片仅供说明用途
作者：Phillip Barcio
