今天的艺术家受到罗斯科色域绘画风格的启发
沉默如此准确。
马克·罗斯科
当我们寻找当今继承马克·罗斯科标志性色域绘画风格的艺术家时，不能只寻找外观相似的作品。我们还必须追寻建立在相似理念之上的创作。对于当代色域艺术家来说，模仿罗斯科的视觉风格是一回事；分享并成功传达罗斯科的创作意图，则完全是另一回事。但我们如何知道罗斯科的意图是什么？很简单。他亲口告诉过我们。
1971年，得克萨斯州休斯敦市获得了一件独特的艺术作品：罗斯科礼拜堂。这是一座现代主义八角形建筑，内部陈列着罗斯科的14幅大型画作。入口处，来自世界各地多个宗教传统的神圣文本供访客取阅。他们可以将一本书带入其中，也可以不带。罗斯科认为，这座建筑及其中的艺术作品共同构成一件完整的作品。这座礼拜堂是他最具代表性的成就。它阐明了罗斯科的意图：他的画作不应被视为自身即为终点的事物，而应被视为一种媒介，使观者能够通过色彩接触到更宏大的体验。
换句话说，罗斯科希望观者不只是欣赏色彩的排列：他希望与这些色彩的相遇能够为情感、沉思以及对自身内在体验更敏锐的觉察开启一方空间。正如他本人所说：“如果你只是被色彩之间的关系打动，那你就错过了重点。”
下面这十位艺术家延续了这一理念。其中五位与 IdeelArt 合作，我们深入了解他们在工作室中的创作实践。另外五位则不在我们的艺术家名录中。他们没有任何人模仿罗斯科。每个人都以不同的媒介，将色彩或光视为一种通道，而非终点。
五位与罗斯科志趣相投的 IdeelArt 艺术家
Paul Snell
居住并工作于塔斯马尼亚州朗塞斯顿的澳大利亚艺术家 Paul Snell 从某个地点或物体的照片开始，然后通过数字处理剥离其中一切可辨识的元素，直到只剩下色带、节奏与光。完成后的作品是印制在金属纸上的彩色相纸，并装裱于有机玻璃上，宛如绘画表面般散发光彩。Snell 直截了当地阐明了自己的目标：让观者沉浸于色彩、节奏与空间之中，“创造一种关于内在沉思与超越的感官体验。”在我们合作的所有艺术家中，他的表述与罗斯科本人的话最为接近。
Anne Katrine Senstad
挪威艺术家 Anne Katrine Senstad 常驻纽约和奥斯陆两地，创作涵盖摄影、视频、霓虹灯与沉浸式装置。她的系列《Color Kinesthesia》于 2020 年在纽约 Freight + Volume 展出，创作构想源自与罗斯科色域绘画的对话。标题指向身体对色彩过渡的反应，而她通过拍摄彩色胶片底片来捕捉这种反应。Senstad 将她的作品描述为对光、声音与色彩的感知和认知回应，而非精神性回应。正是这一点使她成为一位引人入胜的继承者：她通过感知而非信仰，抵达罗斯科那开放的内在空间。她还曾与 James Turrell 一同参展，参加吉达 Athr Gallery 举办的光艺术展《Through The Spectrum》。
Senstad 还曾出现在电视连续剧 Immersive World 中，该剧有一集探讨光雕塑，并将她的创作与 Anthony McCall 和 Dan Flavin 的作品并置呈现。这一背景延伸了文章的核心理念：色彩不必停留在画布表面，也能成为一种沉浸式体验。
Yari Ostovany
出生于伊朗、现居并工作于旧金山的美国画家 Yari Ostovany，通过长期反复添加、冲洗、刮除和溶解颜料的过程，构筑出层次丰富的色域。每幅画都从他所谓的姿态性爆发开始：先以书法般的笔触落笔，再不断揉擦、稀释，直到这些痕迹与下方的色层融为一体。他的创作植根于抽象表现主义与色域绘画，也受到东西方多种神秘主义传统的影响。《神圣显现》《Missa in Angustiis》（困顿时代的弥撒）或《群鸟会议》等标题，明确表达了这一意图。这些画作是为了让人进入其中，而不只是供人观看。
Arvid Boecker
德国画家 Arvid Boecker 在海德堡工作。他从铅笔勾勒的构图开始创作每幅画，然后用缓慢叠加的色彩构筑画面，再用丝网印刷刮板部分去除色层，让侵蚀留下的痕迹清晰可见。他称其成果为“色彩的考古学”。如同罗斯科蒙着面纱的矩形一样，Boecker 的色彩层次值得慢慢观看。凝视画面越久，视线就越深入，穿过色彩与光线，走向对时间流逝的宁静觉察。阅读我们与他的对谈：严肃与不那么严肃：关于 Arvid Boecker 的 14 个问题。
Kim Uchiyama
纽约画家Kim Uchiyama运用色彩构建光线与形体，并拓展画面空间的形而上潜能。她曾师从画家Nicolas Carone，而Nicolas Carone又是Hans Hofmann的学生；她与两位艺术家都强调色彩是绘画的结构。在开始创作前，她会等待在空白画面上“看见”第一种颜色，然后构建由色彩形状组成的网格，其中一些不透明，另一些半透明。她常常受到特定地点的光线启发，不是描绘其外观，而是用色彩传达其情感本质。这种从所见到所感的转化，正是罗斯科所追求的。
我们阵容之外的五位艺术家
Sean Scully
Sean Scully1945年出生于都柏林，是当今最具影响力的抽象画家之一，也是最常被拿来与罗斯科比较的艺术家。这种比较并非没有根据：1999年，也就是他开始创作《光墙》系列一年后，他写了一篇题为《罗斯科：光之身体》的文章。Scully曾将自己的任务描述为让抽象艺术重新连接现实世界，使人们面对抽象画时能够获得直接的感受。他也强调自己与罗斯科的不同：正如他所说，他并非被动的。那些层层堆叠的色彩砖块是经过构建、赋予重量并具有实体感的。2026年，他的展览《感受》在萨尔茨堡的Thaddaeus Ropac开幕，而他的完整《堆叠》系列则在普罗旺斯的拉科斯特城堡展出。
Sean Scully - 秘鲁之光墙 - 2000 - 北卡罗来纳艺术博物馆永久收藏
James Turrell
James Turrell1943年出生于洛杉矶，六十年来一直专注于光本身。他的天空空间是通过天花板开口与天空相通的房间，而他的沉浸式光线空间则让色彩变成一种你可以置身其中的事物。他的核心宣言读起来像是对罗斯科的诠释：“我的作品关乎你的观看。”他在贵格会家庭中长大，曾参加静默礼拜，会众共同静坐，等待内在之光。2026年6月，他在博物馆中的最大天空空间《如见其下》于丹麦奥胡斯的ARoS奥胡斯艺术博物馆开放。这是他的第100个天空空间。
James Turell - Skeet - 1989 - 卡地亚当代艺术基金会
Mary Corse
1945年出生于伯克利的Mary Corse，是加州“光与空间”运动的少数核心女性艺术家之一。1968年，她发现了玻璃微珠——道路标线中使用的珠粒——并开始将其混入颜料中。她的“白光”绘画会随着观众的移动而变化，因为光线存在于画作之中，而不是被描绘在画面上。她曾说：“艺术不在墙上，而在观众的感知中。”与罗斯科一样，她将作品定位于相遇之中。她的首次博物馆回顾展于2018年在惠特尼美国艺术博物馆开幕，并于2019年巡展至洛杉矶郡立艺术博物馆。
Pace画廊的Mary Corse - 2025
Olafur Eliasson
1967年出生于哥本哈根、在丹麦和冰岛两地长大的Olafur Eliasson，在柏林的一间大型工作室中创作。他以彩色光线、雾气和反射打造展厅空间，围绕着一个他称之为“感知自己的感知”的理念：在体验某种经历的同时，也意识到自己正在经历它。Eliasson承认，这句话很大程度上源自光与空间艺术家Robert Irwin；后者曾谈到“感知自己正在感知”。罗斯科要求观众更加敏锐地意识到自身的内在体验；Eliasson则将这种意识作为创作主题。他经常在作品标题中使用“your”一词，以此向观众表达信任。
Olafur Eliasson - 坦娅·博纳克达尔画廊《Reality Machines》展览现场 - 2016
Rachel Garrard
英国艺术家Rachel Garrard1984年出生于德文郡，现往返居住于纽约和墨西哥之间。她从旅途中采集的岩石和矿物中研磨自己的颜料，其中包括水晶石英和灰烬。她将自己的创作描述为一场介于科学研究与神秘实践之间的旅程，其构图深受冥想影响。她的绘画没有图像，也没有固定含义。它们旨在带来一种超越语言的体验，建立外部世界与内心世界之间的联系。在她这一代艺术家中，她是最接近罗斯科这一信念的艺术家之一：绘画不是物体，而是一道门槛。
Rachel Garrard - 《Inflect》，2015
超越表面
罗斯科晚期的绘画需要时间与静默。这十组作品同样如此，无论它们是用油画颜料、水彩、岩石颜料、胶片底片、玻璃珠，还是天空本身创作的。它们的联系不在于矩形或调色板，而在于一种共同的信念：只要给予色彩足够的关注，它就能让我们回归自我。
在我们的极简主义艺术作品中探索更多沉思式抽象艺术，或阅读我们的《马克·罗斯科终极指南》。
弗朗西斯·贝尔托米耶
精选图片：Yari Ostovany - 《第三脚本 45》，2023（局部）所有图片仅供示意
