改变我们对艺术认知的著名抽象画

“我们能拥有怎样的图像，可以说取决于谁在进行想象。” - 约翰·霍普斯，摘自哲学分析导论

我们依赖于有远见的人来打开隐藏的门，以便我们能够瞥见世界的某些部分，以及我们自身的某些部分，这些部分可能会保持隐藏。视觉是抽象艺术家的专长，在过去的100多年里，许多著名的抽象画作成功地扩大了人类的视野。创造这些图像的远见者不仅赋予我们这些观众新的视觉体验；他们还为我们提供了全新的观察方式。

著名的抽象画：1910年代 – 1920年代

诚然，本文中的一些选择可能会引发争议，因为每位抽象艺术爱好者的品味都不同。但大多数人可能会同意我们首选的抽象画作，这些作品改变了我们对艺术的感知。瓦西里·康丁斯基的无题（第一幅抽象水彩画）创作于1910年，被艺术史学家认为是第一幅纯粹的抽象画。这幅画大胆地描绘了生动的色彩斑点、涂抹和线条，完全放弃了对客观现实的视觉参照。这幅画使艺术家摆脱了题材的束缚，邀请观众以全新的方式参与到图像的概念中。

瓦西里·康丁斯基 - 无题（第一幅抽象水彩），1910年。水彩、印度墨水和铅笔在纸上。19.5 × 25.5。巴黎乔治·蓬皮杜中心

1921年，十一年后，皮特·蒙德里安创作了他的标志性作品Tableau I。在一段时间内，他尝试了自己新兴的艺术风格，Tableau I巩固了蒙德里安的定义风格。坚硬的黑色线条和分隔的色彩区域让观众一瞥纯净的几何形状和数学精确性。作品的干净线条和精确性没有参考任何其他事物，只有形式、颜色和线条。这件作品开启了一种风格，影响了几代画家、雕塑家、建筑师和设计师，并继续引导今天的创意思考者。

皮特·蒙德里安 - 《画布 I》，1921年。油画。96.5 厘米 x 60.5 厘米。路德维希博物馆，科隆，德国

在1925年，胡安·米罗通过他的画作红点打破了抽象主义和超现实主义之间的界限。米罗并不认为自己是一个抽象主义者。他说他回到自己狭小的家中，饥饿而疲惫，画出了他脑海中看到的图像。红点跨越了人形化形象、梦幻图腾和纯粹抽象之间的细微界限。图像中潜藏着某种童稚而又可怕的东西。通过这一系列作品，米罗打开了通往我们噩梦和梦想隐藏图像的门。

胡安·米罗 - 红点 (La mancha roja), 1925年。油画和粉彩画于画布上。146 x 114 厘米。国家索非亚艺术中心博物馆藏。© 胡安·米罗基金会，巴塞罗那

著名的抽象画：1930年代 – 1940年代

随着西方世界在20世纪第二次陷入经济萧条、饥荒和战争，抽象艺术作为艺术界的一股重要力量得以确立。艺术家们在这一风格中采用了各种各样的创作方法，每一种都为与人类精神中某种纯粹、真实和自由的东西建立联系的努力做出了贡献。在英国，画家本·尼科尔森将他的抽象作品扩展为他所称的白色浮雕画作。他的一件开创性早期作品，1935（白色浮雕），开辟了新的视觉领域，确立了尼科尔森作为英国抽象艺术最重要声音之一的地位。尼科尔森是画家皮特·蒙德里安的朋友，并受到他的影响。白色浮雕作品扩展了蒙德里安对硬边线条和几何空间的运用，引入了立体层次和单色调色板。尼科尔森的第一批白色浮雕画作创作于1933年，而到1935（白色浮雕）创作时，他已经巩固了一种结合了抽象、构成主义、具体艺术元素的风格，并暗示了极简主义和后绘画抽象的早期种子。

在20世纪30年代和40年代的另一端是抽象表现主义者，也被称为纽约学派。彻底拒绝了像蒙德里安和尼科尔森这样的艺术家的理性地理和空间简化，抽象表现主义者们在他们的作品中寻求与原始情感的连接。没有哪个抽象表现主义者比杰克逊·波洛克更具影响力和成功地体现了这一风格。

作为一个臭名昭著的酗酒者和神经质患者，波洛克受到精神分析的启发，深入自己的潜意识寻找灵感。他的作品汲取了身体性和无意识的图腾形象，创造出对现代战后焦虑的激烈描绘。波洛克的第一幅滴画之一，Full Fathom Five，创作于1947年，永远改变了抽象艺术。这件作品是他早期刷子风格和他富有远见的滴画技巧的融合。它包含了硬币、烟蒂和他工作室里的其他随机物品，展现出一种全新的抽象质感和深度。Full Fathom Five标志着波洛克职业生涯的一个转折点，并永远改变了我们与画布的关系。

杰克逊·波洛克 - 《全深五》，1947年。油画布上钉子、图钉、纽扣、钥匙、硬币、香烟、火柴等。50 7/8 x 30 1/8 英寸。© 2019 波洛克-克拉斯纳基金会 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约

著名的抽象画：1950年代

到1950年代，抽象表现主义者已牢牢占据了艺术界的想象力。到处都是艺术家努力与原始自我、无意识和潜意识的隐藏意象相连接。在这种热潮中，出现了一种向平静的趋势，部分源于许多艺术家对道教和禅宗等东方哲学日益增长的兴趣。这个时期发展出的最深刻的运动之一是被称为色域绘画的抽象绘画风格。

色域绘画的目标，正如人们普遍理解的那样，是独立于主题、形式、线条以及其他图像创作的限制来探索颜色。画家们追求一种冥想的品质，如果成功，这种品质随后会从作品转移到观众身上。

抽象画家海伦·弗兰肯塔勒是色域运动中最深刻的声音之一。她于1952年创作的画作山与海，向世界介绍了一种她发明的新绘画技巧，称为“浸染法”。在这个过程中，弗兰肯塔勒使用松节油稀释颜料的稠度。她小心翼翼地将稀释后的颜料倒在地板上的未上底漆的画布上，让颜料完全渗透到画布中，赋予作品全新的质感和外观。浸染法创造了崇高的色彩领域，呈现出有机的、不断变化的形态，触及宁静。弗兰肯塔勒的山与海被认为是色域运动的首批成功作品之一，至今仍然是其最受喜爱的形象之一。

海伦·弗兰肯塔勒 - 《山与海》，1952年。油画和木炭画于画布上。86 5/8 x 117 ¼ 英寸。© 2019 海伦·弗兰肯塔勒基金会，Inc./艺术家权利协会（ARS），纽约

与色域艺术家最著名的艺术家之一可能是马克·罗斯科，这位艺术家也强烈拒绝了这一标签以及大多数其他标签。罗斯科完全专注于色彩，努力打开一个精神层面，让他和观众能够体验人类情感的深度。尽管完全专注于色彩，罗斯科却将其视为仅仅是实现这种精神联系的工具。罗斯科早期的一件标志性作品是第2号，绿色、红色和蓝色，创作于1953年。这件作品是罗斯科未来作品的标志，确立了他作为抽象艺术和超越精神世界的独特而迷人的居民的声音。

马克·罗斯科 - No. 2, 绿色、红色和蓝色, 1953. 私人收藏

著名的抽象画：1960年代 – 1970年代

随着抽象艺术进入1960年代和1970年代，许多画家已经开始拒绝其基本理念，回归具象，探索概念艺术的领域。尽管如此，抽象艺术的清晰和自由的力量仍然充满希望。这个时期最崇高的声音之一是美国抽象画家阿格尼斯·马丁。马丁以其线条网格画而闻名，作为抽象艺术的标志性声音，她依然存在。

阿格尼斯·马丁的画作《夜海》，创作于1963年，是她最终风格的最早例子之一。在这幅作品中，几乎单色的蓝色背景与用金箔绘制的精细网格图案相交织。这件作品拥抱色彩，同时对线条赋予同等的力量。它拥抱简单，同时又传达出广阔、复杂和相互交织的依赖感。马丁曾谈到，线条在她眼中代表着纯真。她希望这种纯真的感觉能够通过她的作品传递给观众。她的图像的简单性，以及她希望传达的情感的直接性，对于弥合抽象表现主义与极简主义之间的鸿沟起到了重要作用。

阿格尼丝·马丁 - 夜海，1963年。油画和金箔在画布上。72 x 72 英寸。© 阿格尼丝·马丁遗产 / 艺术家权利协会（ARS），纽约

在1970年代，罗伯特·马瑟韦尔再次震撼了抽象艺术的世界，他的声音似乎与极简主义的诱惑形成了鲜明对比。他原始而粗犷的手势同时传达了能量、力量和焦虑。它们展现出一种坚韧的力量，同时又流露出深刻的情感，体现了纯粹抽象的力量和自由。

马瑟韦尔的代表作是在1971年创作的，名为《西班牙共和国的挽歌第110号》。这幅画的愤怒能量包围着观众，似乎要从画布上爆发出来。它具有令人震惊的活力，侵略性将情感和愤怒转化为空间。在许多画家认为抽象艺术已经走到尽头的时候，马瑟韦尔为这一风格注入了强大的新生命力。他的新视野和自信的声音帮助抽象艺术得以延续，并继续激励和赋能当今的抽象艺术家。

罗伯特·马瑟韦尔 - 西班牙共和国的挽歌第110号，1971年。丙烯、石墨和木炭在画布上。82 x 114 英寸。所罗门·R·古根海姆博物馆。罗伯特·马瑟韦尔 © Dedalus Foundation, Inc./由纽约艺术家权利协会（ARS）授权的VAGA提供许可

改变我们对未来的看法

当代抽象艺术家们对每一位艺术家都怀有感激之情，既因为他们在表达方式上追求自由的方式，也因为他们帮助观众打开了对新视角的思考。抽象艺术继续为我们打开新的大门，帮助我们理解不断演变的社会所带来的无尽复杂性。通过借鉴过去伟大抽象艺术家的例子，今天和明天的抽象艺术家们希望能够帮助我们翻译当代的焦虑与恐惧，并帮助我们超越自身眼睛的局限。

特色图像：瓦西里·康丁斯基 - 作品 VII，1913年。© 瓦西里·康丁斯基 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约 / ADAGP，巴黎 / 埃里希·莱辛 / 艺术资源，纽约
所有图片仅用于说明目的
由 Barcio 贡献