我们从色域先锋那里学到了什么？

当你想到抽象表现主义时，会联想到什么？你是否想象画家们在画布上情感激烈地挥洒、滴落、飞溅和涂抹颜料？虽然动作绘画是抽象表现主义的重要组成部分，但这一运动也有更为内敛的一面。被称为色域绘画的风格，涉及由色彩空间构成的平坦、非绘画式的表面。在色域绘画中，艺术家的个性不如动作绘画那样明显。动作画家通过作品传达他们潜意识的运作，而色域画家则创作出让观者在其中体验自我启示的空间。

后绘画抽象

“绘画感”一词指的是绘画表面可能具有的特质，如笔触和质感，这些特质使艺术家的手法在作品中显而易见。例如，一幅厚涂颜料、笔触清晰可见且画家个人技法明显的作品，可以说具有绘画感。后绘画抽象是20世纪60年代兴起的一个运动，画家们避免创作具有绘画感的作品。

“后绘画抽象”这一术语由艺术评论家克莱门特·格林伯格提出，并用作1964年在洛杉矶县艺术博物馆首展的展览名称。该展览展出了31位艺术家的作品，其中许多与抽象表现主义有关。早期的抽象表现主义画家如杰克逊·波洛克和威廉·德库宁创作的作品具有明显的绘画感，画面表面清楚地展现了他们的个人技法，而后绘画抽象派则创作了表面平坦、艺术家手迹不明显的抽象作品。

罗伯特·马瑟韦尔 - 《西班牙共和国挽歌110号》，1971年，丙烯配石墨和炭笔画布，罗伯特·马瑟韦尔 © Dedalus基金会/纽约VAGA授权

色域画家

在后绘画抽象派中，有一群画家被称为色域画家。他们的名字来源于这些艺术家倾向于在作品中融入大面积色彩。细看这些色域，观者仿佛被完全包围。它们不仅是绘制的表面，更是内省发生的空间。

色域画家具有革命性，因为他们没有将画面作为绘制主题的背景，而是让画面本身成为主题。他们避免在画中出现具体形态，没有任何具象图像。背景与前景融为一体。色域本身没有特定语境，而是观者与个人、甚至神话般的事物连接并超越形象限制的场所。

弗兰克·斯特拉 - 《哈兰二号》，1967年，聚合物和荧光聚合物颜料画布，120 × 240英寸，旧金山德杨博物馆，© 2019 弗兰克·斯特拉 / 艺术家权利协会（ARS），纽约

画布上的竞技场

抽象表现主义将画布视为一个竞技场，某种事物可以在其中发生。动作画家的作品中充满戏剧和情感。色域画家同样将画布作为竞技场，但这里不是他们自己的戏剧上演，而是观者的内省可以参与甚至完全创造所呈现的戏剧。色域绘画吸引观者进入作品，邀请他们思考远超颜料、色彩和表面的内容。观者被邀请反思自我，借助画作的竞技场作为个人旅程的护符。

观看色域绘画需要持续的反思。观者不会像面对动作绘画时那样立即感受到冲击，也不会像几何抽象作品中感受到和谐，或像具象作品中感受到怀旧、浪漫或喜悦，而是必须向内探寻新的启示。但自由也可能成为负担。动作画家的焦虑往往源于他们完全自由地表达内心自我，而色域绘画则将这种令人畏惧的自由感传递给了观者。

非客观情感的领域

尽管他拒绝这一标签，马克·罗斯科被许多人认为是最具影响力的色域画家。罗斯科标志性的作品由水平色带组成，色带在边缘处模糊融合，彼此互动。他的画作有时采用明亮的色调，如橙色、黄色或红色，有时则是蓝色、棕色和黑色。面对这些作品的观者常常情绪激动，从兴奋和喜悦到忧郁甚至绝望。罗斯科曾说过他的作品：“在我画作前哭泣的人，正经历着我绘画时的同样宗教体验。”

马克·罗斯科 - 《橙与黄》，1956年，油画布，180.3 x 231.1厘米，美国纽约布法罗奥尔布赖特-诺克斯艺术馆收藏

拉链线

巴内特·纽曼创作的作品与罗斯科类似，但对观者产生了截然不同的影响。纽曼的色域绘画以垂直色带为特征，这些色带由更细的色带分隔，常被称为“拉链线”。纽曼的拉链画有时只有一条，有时多条。拉链线的边缘有时清晰，有时与周围色域融合。作品的垂直性和拉链线的存在带来了与罗斯科作品截然不同的情感反应。

拉链线让观者的目光不会长时间停留在某一点。垂直线条带有人形特征，仿佛代表一个人物或通道。它吸引目光，然后又引导目光移向色域。纽曼的作品传达出一种自负感，因而比罗斯科的作品更显焦虑，邀请观者进行一种紧张且高度现代的沉思。

巴内特·纽曼 - 《统一一号》，1948年，油画布及油画胶带，27 1/4 x 16 1/4英寸（69.2 x 41.2厘米），© 2019 巴内特·纽曼基金会 / 艺术家权利协会（ARS），纽约

结合与启示

克利福德·斯蒂尔的色域绘画呈现出与罗斯科和纽曼截然不同的气质。画中的色彩空间似乎处于变形或演变状态，具有有机特质。虽然没有具体形态，但这些区域似乎在移动、互动，暗示未来形态的可能性。罗斯科和纽曼的作品给人稳定感，而斯蒂尔的作品则更多地传达变化感。不同的力量在作品中汇聚，暗示内省的时间有限，一切都在流动。斯蒂尔曾说他的作品：“这些不是通常意义上的绘画；它们是生与死在恐惧中融合。对我而言，它们点燃了火焰；通过它们我重新呼吸，握住金线，找到自我启示。”

克利福德·斯蒂尔 - 《PH-971》，1957年，油画布，113 1/4 x 148 x 2 1/4英寸，旧金山现代艺术博物馆收藏，© 丹佛市及县，克利福德·斯蒂尔博物馆 / 艺术家权利协会（ARS），纽约

情感的倾泻

海伦·弗兰肯塔勒是最具创新性的色域画家之一。她发展出一种创新技法，通过将稀释的颜料直接倒在未上底的画布上进行染色。通过倒颜料而非用工具涂抹，她完全避免了艺术家手迹的痕迹，创造出更为平坦的平面效果。她还让颜料在画布上以意想不到的方式扩散和互动。染色区域相互渗透、改变并融合，弗兰肯塔勒的染色技法使作品传达出深刻的有机自然过程感。

海伦·弗兰肯塔勒 - 《峡谷》，1965年，丙烯画布，44 x 52英寸，© 2019 艺术家权利协会（ARS），纽约

染色效果

莫里斯·路易斯深受弗兰肯塔勒染色技法的影响，并对其进行了改良，发展出自己的标志性美学方法。与弗兰肯塔勒一样，路易斯也将稀释颜料倒在画布上以实现染色效果，但他采用了一种严格保密的独特技法，据说类似于将画布折叠成漏斗状。路易斯创作的色域具有一种神秘特质，吸引观者进入一种神秘、内省的思考空间。

莫里斯·路易斯 - 《显著》，1954年，丙烯树脂（Magna）画布，74 1/2 x 99 1/4英寸（189.2 x 252.1厘米），© 2019 艺术家权利协会（ARS），纽约

更多氛围感

在弗兰肯塔勒和路易斯的基础上，朱尔斯·奥利茨基发展出自己独特的色域绘画技法。他用喷枪将颜料喷涂在画布上，轻轻叠加多层颜料，创造出明亮、富有氛围感的色域，至今仍显得极具未来感。奥利茨基的标志性风格还包括在画布边缘附近添加硬边线条。这种边界手法或许预示了色域绘画的终结，因为它似乎重新引入了主题被框架呈现的概念。

朱尔斯·奥利茨基 - 《天堂中的帕图茨基》，1966年，© 朱尔斯·奥利茨基遗产 / 纽约VAGA授权

沉思作为持久遗产

这些色域先驱成功创作出不仅是艺术品，更是观者超越感官审美体验的媒介。通过创作唯一主题为色彩本身的作品，他们改变了绘画的感知方式，将绘画带入新的神话和精神领域。沉思是色域先驱们持久的遗产。对许多人来说，他们的作品是护符，引导我们走向更内省的心境。

封面图：海伦·弗兰肯塔勒 - 《山与海》，1952年，油画和炭笔画未上底未涂布画布，86 3/8 × 117 1/4英寸（219.4 × 297.8厘米），© 2019 海伦·弗兰肯塔勒基金会 / 艺术家权利协会（ARS），纽约
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作者：Phillip Barcio