与美国抽象画家Dana Gordon的访谈

Dana Gordon的新画作在布鲁克林的Sideshow Gallery展出，展期至2017年6月4日。我们最近有机会与Gordon见面，谈论这组令人兴奋的新作品。

IdealArt: 在您当前在布鲁克林Sideshow Gallery的展览的目录文章中，詹姆斯·帕内罗将您的新作品称为“有所不同”，并主张这代表了您方向上的重大变化。您如何回应这一评估？
达娜·戈登： 我同意，除了我不认为这是一个方向的改变。我认为这仍然是同一个方向，只是下一个发展；实质性的新的发展。

IA: 请分享您在创作这些画作时与即兴创作的关系。
DG: 我将绘画的整个过程视为即兴创作。我想到要做的事情，尝试一下，看看是否有效。然后我再次对眼前的事物作出反应。我不断即兴创作，直到感觉完成。我选择做的事情可以更多或更少地基于我作品的近期过去、我作品的较早过去、其他艺术、我所见、所思、所感或所经历的任何事物，以及以上所有——而且通常是一些突然出现在我脑海中的想法，我会尝试一下。当然，某些“突然出现在”你脑海中的事情总是有潜意识的原因。我试图让我的潜意识引导我的创作，因为潜意识中包含的东西远比意识中要多。这是通过对潜意识冲动的视觉反应来实现的，而不是通过心理或文学分析。我认为必须练习这种反应，才能自然且充分地掌握它，因为一般的教育过程是将其从你的能力中抹去，尽管它是基本和原始的。这也是一种被许多学术批评所否认的广泛视觉艺术体验。这是因为这些作家根本不理解或看不到视觉，并通过文学、政治或字面的方法解释艺术中的一切。当然，也有理解视觉的作家。写关于这方面的内容是很困难的。

IA: 这次展览中的作品给我一种感觉，仿佛它们是通过某种谈判而产生的。在创作过程中，你经历了怎样的冲突和/或合作的情感？
DG: 冲突或合作并没有发挥作用——至少在我意识的体验中没有。我想总是有一种谈判——在这个意义上：如果我把这个放在这里，那边放那个，会不会更好，或者如果我换个方式放。我总是在权衡不同事物的效果。还有一种终极的谈判，我想你可以称之为，当你必须在保留一幅画中美丽、惊人的部分，或为了使整幅画更好而牺牲它之间做出决定时。这是一个经常发生的事情。也许你的问题源于所有这些画都是垂直分成两半的事实。而且它们显然使用了几种不同类型的抽象技巧。我发现有可能在一幅画中出现两幅画是很有趣的。而且我把这两幅画合成了一幅。实际上，真的有三幅。每一侧和整体。也许实际上有四幅：每一侧，两侧的整体，以及两侧和一侧的整体。在我职业生涯的早期，我制作了有部分相互对话的电影，字面上以及比喻上和概念上都有。这在目录中有一张电影静帧。詹姆斯·帕内罗在目录中提到“类似的张力，网格覆盖在自由形式设计上”和“硬边三角形与狂野线条的平衡”。至于使用多样的抽象技巧，我将它们视为我作为艺术家的遗产的一部分。我可以使用或做我想做的事情。 在抽象艺术中，尤其是自二战以来，有一种强烈的倾向是将自己的作品简化为视觉的一个简单方面，尽可能简化。 为什么不使用多种视觉技巧而不仅仅是一种呢？使用多样的技巧和复杂的空间是老大师的典型特征，尽管它被描绘场景的无缝性所掩盖，故事也是如此。

Dana Gordon - 不羁的主题, 2015-2017, 72 x 120 英寸, 油画和丙烯画在画布上, © 艺术家

IA: 冲突和合作之间有区别吗？
DG: 我会说它们是对立的。当然，冲突解决可以导致合作。我认为我新画作中的领域和技巧并不冲突。我认为在每幅画中，一切都很好地结合在一起。这并不意味着画作的所有部分都是相同的。

IA: 请分享您对这组作品的颜色选择的看法。
DG: 一般来说，我几乎完全不使用土色或黑色。只使用我认为是“光谱”的颜色。原色、次色；浅色和深色。以及来自不同油漆制造商的各种版本。实际上，这些特定颜色并没有无限的变化——观众只能感知到相对较少的不同色调（除非它们紧挨在一起，即使那样，也不多）。幸运的是，不同的制造方法和不同的材料来源提供了变化。我主要使用原色和次色，因为它们的纯度提供了更强烈的颜色，即更多的颜色。更红的红色，更蓝的蓝色，等等。这些特性也会根据你在画面中放置颜色的位置、形状和大小而变化。我的色彩感来自许多来源。首先，我相信每个人都有一种不同的天生色彩感。然后，我所见到的所有事物，无论是在自然界还是艺术中。此外，我确实研究过阿尔伯斯色彩系统。选择来自一种无意识的互动，它告诉我使用什么颜色。所有颜色都承载着或可以承载强烈的情感和意义。

IA: 你觉得你在这些画作中表达的色彩关系与之前作品中表达的色彩关系不同吗？
DG: 不。对我来说不是。虽然有更多的绘画技巧，所以相同的颜色可能会看起来不同。

IA: 制作这些画作的过程在什么方面影响了你与手势的关系？
DG: 显然，这些作品中的手势使用比过去十年中的作品更为强烈。手势在正常意义上——油漆的运动感或油漆的涂抹方式，以及书法线条。手势（以及作为绘画）承载着各种意义。我想在这些画作中使用更多的手势。我早期几十年的作品也使用了宽广的手势。在我二十多岁时，我花了相当多的时间研究中国山水画和禅宗绘画，因为我觉得这些是画家应该消化的一部分。而在1970年代中期，在经历了十年的形状和三维画布的创作以及其他相关实验后，我“回到了起点”，在一张黑纸上划了一条粉笔线，并从那里重新发展我的作品，探索标记如何变成线条并形成形状。多年来探索了各种线条和标记的制作，最细的线条成为彩色形状的轮廓。

Dana Gordon - Coming To, 2015-16，油画和丙烯画于画布上，72 x 60 英寸（左）和 Jacobs Ladder, 2015-2016，油画和丙烯画于画布上，72 x 60 英寸（右），© 艺术家

IA: 请分享您如何将这组作品视为一种美学声明，以及您如何将其视为与观众对话的开始。
DG: 任何艺术都是一种美学声明。我认为这就是全部。其他任何东西——政治、文学思想等——都是情感，减少或模糊了艺术。以乔托为例，他作品中的情感更多来自于艺术家的美学技巧，而不是他的宗教信仰。他的美学技巧使他能够将自己的精神性融入视觉之中。

IA: 你认为这些作品在何种程度上需要观众来完成吗？
DG: 在创作时，我确实会作为观众与画作进行对话。我不认为画作需要观众来完成。它在我完成时就已经完成。我希望观众能与画作产生一种视觉上的对话。如果观众的心中能赋予画作生命，我会很高兴。我希望这种生命能接近我在创作时脑海中和内心的感受。我知道它会有些，或者说相当不同。

IA: 你曾经说过，你的灵感来自于 "创作出与过去伟大大师画作一样充实、丰富、完整和有意义的抽象画。" 在这个陈述的背景下，你如何定义 "伟大" 这个词？
DG: 我在那句话中所指的是，我感觉抽象绘画在历史上并没有达到老大师画作所具有的精神的完整性、表达的全面性以及空间的开放性和复杂性。我认为塞尚早早就意识到了这个问题，正如我们在他著名的声明中所看到的：“但我想要从印象派中创造出一些坚实而持久的东西，就像博物馆的艺术。”我认为他没有实现他所想要的，他实现了其他的东西。这并不是说许多伟大的现代抽象大师没有创作出深刻而感人的艺术。当然，他们有。但这局限于只做一件事的坚持，以及对向观众推展的平面性的独占需求。是的，这些画中确实有一些空间，但是有限的。我这样说，即使我尊敬罗斯科、波洛克等人作为伟大的艺术家。米罗有时理解这一点。战后，我认为阿尔希尔·戈尔基在1944年及之后的许多作品中最接近我所想的（我常常认为他是所有同时代人中最伟大的——波洛克、德库宁等）。汉斯·霍夫曼和海伦·弗兰肯塔勒在这里和那里接近这一点。（我在这里谈的是抽象，而不是抽象风格的具象。）

IA: 你能提供一些过去伟大大师画作的具体例子吗？
DG: 基奥托，最为重要。许多文艺复兴和巴洛克大师：马萨乔、林布朗兄弟、提香、乔尔乔内、博斯、委拉斯凯兹、埃尔·格列柯等等，一直到晚期（但不是早期）戈雅。

IA: 你们已经对本次展览中展出的作品进入评判阶段了吗？
DG: 我常常处于判断阶段。关于我所做的所有工作，从我开始绘画之前，一直到现在的每一秒。有很多时候，我觉得我已经把判断抛在脑后，毫无顾虑地进行创作。（一位画家朋友曾经说过类似于“摆脱你脑海中的所有声音”。）这些时刻非常重要。但我不太确定它们是否真的没有判断。

特色图片：艺术家肖像，© IdeelArt
由 Barcio 发表