皮耶尔·保罗·卡尔佐拉里与发生的（抽象）艺术

皮耶尔·保罗·卡尔佐拉里时隔四十多年首次回到那不勒斯，在当代艺术博物馆Donnaregina（又称Museo MADRE）举办了其整个艺术生涯的盛大回顾展。展览名为《绘画如蝴蝶》，由阿基莱·博尼托·奥利瓦和安德烈亚·维利亚尼策展，展出超过七十件作品，时间跨度从1960年代至今。卡尔佐拉里1943年出生于意大利博洛尼亚，被认为是贫穷艺术运动中最重要的在世代表人物之一。然而，他的艺术创作远远超出了这一标签所暗示的任何局限。事实上，他在美学上颇具特立独行的风格。早在职业生涯初期，卡尔佐拉里就曾入选1969年在伯尔尼首次举办的展览《当态度成为形式》，该展览后来由普拉达基金会在2013年威尼斯双年展期间重新展出。除了卡尔佐拉里，该展还包括了伊娃·赫斯和约瑟夫·博伊斯等难以界定的艺术巨匠。正如展览标题所示，这不仅是对贫穷艺术诗意物质关怀的探索，更标志着这些观念艺术家开始用他们的实践面对一个至今仍然紧迫的存在主义问题：意义和理性如同他们创作中使用的材料和过程一样，是流动且短暂的。《绘画如蝴蝶》是一个机会，让我们重新认识卡尔佐拉里，看看他近年创造了哪些新实验，召唤了哪些古老谜题，并试图通过他的作品再次与自我连接。

奇异的关系

《绘画如蝴蝶》在博物馆的多个展厅和不同楼层展开，尽管展厅内空间宽敞，作品之间留有大量空隙，但整体却给人一种拥挤的奇异感觉。这并非坏事，正是画作和物件的个性占据了如此多的空间。以“无题”（2014-15）为例，这是一件由九块彩绘面板组成的装置，悬挂在一个定制的房间内。面板以弧形从墙面伸出；其中七块为红色，一块为黄色，一块为白色；每块面板都包含了构图的一部分——一幅线条与形态爆炸的宇宙。作品既令人着迷又让人感到不安。展览的呈现方式如此不同寻常，以至于它本身成为内容的焦点，而面板的物质存在感又同时争夺观众的注意力。面板上的绘画构图则美得令人心醉。这些元素与观众之间的关系充满张力，使作品看起来仿佛一头被关在过小笼子里的野兽。

皮耶尔·保罗·卡尔佐拉里 - Monocromo blu，1979年。私人收藏。照片 © 米歇尔·阿尔贝托·塞雷尼

同样，巨大的“Monocromo blu”（1979年）悬挂在一个巨大的房间内的高墙上，挂得如此之高，以至于观众不得不仰头才能看到作品。舒适地欣赏这幅画的唯一方式是远距离观看，将其视为建筑中的一个关系美学元素，而非独立的艺术品。展览中其他作品也不断相互竞争，争夺呼吸空间。但并非总是如此。偶尔，一幅画作独自悬挂在柔和的聚光灯下，成为一种绿洲——让人有机会单纯地欣赏画作，而不感到被挑战。这正是卡尔佐拉里的长处。他是中世纪观念艺术与当代关系艺术之间的桥梁；一位设法将即兴表演的迷惑与对抗精神引入策展展览中平静冥想氛围的艺术家。

皮耶尔·保罗·卡尔佐拉里 - Senza titolo (Lasciare il posto)，1972年。私人收藏。照片 © 米歇尔·阿尔贝托·塞雷尼

瞬间的神话

虽然《绘画如蝴蝶》涵盖了卡尔佐拉里复杂作品的各个方面，但展览中最具前瞻性的作品是他的多媒体作品——策展人称之为“多材料”作品。许多作品呈现为雕塑式场景，地面上放置着电机或泵，前方墙上悬挂着一幅画。凝视这些诡异的组合，观众很容易陷入一种感觉：某事已经发生、正在发生或即将发生。动作已经发生或启动，这是无可否认的，但几乎无法想象其原因。作品的动态特质暗示着某种意义或目的——一个“是什么”引发“为什么”。但这也可能只是作品幽默感的一部分——一种额外的抽象层次，阻止观众的眼睛和思维仅仅将其作为具体的美学现象来体验。

皮耶尔·保罗·卡尔佐拉里 - La Grande Cuisine，1985年。里斯本私人收藏。照片 © 米歇尔·阿尔贝托·塞雷尼

这些“多材料”现象邀请我们以一种迷惑的视角去见证它们。我们是在看一件自成一体的艺术品吗？还是在看一场事件的残留，或是某种未来事件的前奏？我们感到有些被欺骗，因为我们没有看到促成这“无论它是什么”的机制，也不了解其背后的概念游移，更不可能在场见证其实现（如果它真的会实现的话）。在证据与期待之间，我们用眼睛和心灵享受物质的愉悦。意义丧失了，因此我们接受无意义，或根据自身目的发明意义，而这些目的与艺术家的意图几乎无关。卡尔佐拉里巧妙地将我们困在一种似乎是“瞬间”的状态中，却让我们怀疑：瞬间真的存在吗？皮耶尔·保罗·卡尔佐拉里：绘画如蝴蝶展览将于2019年9月30日前在意大利那不勒斯Museo MADRE展出。

封面图：皮耶尔·保罗·卡尔佐拉里 - 无题，2014-2015年。里斯本私人收藏。照片 © 米歇尔·阿尔贝托·塞雷尼
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作者 Phillip Barcio