艺术物品的非物质化是什么？

露西·利帕德——美国艺术评论界的巨擘，二十多本著作的作者，以及艺术家书籍典范销售机构Printed Matter的联合创始人——今年已届八十高龄。尽管她成就斐然，利帕德最为人所知的是她于1968年与约翰·钱德勒合著的文章《艺术的非物质化》（在线阅读请点击此处）。在这篇文章中，利帕德提出了艺术可能进入纯粹理智阶段的证据，其结果可能是传统艺术品的完全消失。该文源于并帮助阐释了前十年左右极具创造力的观念艺术，这类艺术往往只留下短暂的、非档案性质的遗迹，或者除了体验的录音外几乎没有任何遗迹。观念艺术家致力于将思想作为作品的核心，许多人有力地论证，艺术家为表达思想而制作的物品不过是废弃物，而唯有思想本身才值得关注。该文当时影响深远：利帕德随后出版了名为《六年》的书，详尽分析了这一趋势的证据。但显然，从长远来看，她的预言并不准确，因为艺术品尚未真正非物质化。尽管如此，为庆祝《艺术的非物质化》原文发表即将迎来五十周年，我们决定花些时间深入探讨这篇影响深远的文章，并强调其对当代的相关意义。

艺术的科学

利帕德在《艺术的非物质化》中讨论的核心概念，基于美国画家约瑟夫·席林格在其著作《艺术的数学基础》中首次提出的观点。在那本书里，席林格将整个艺术史划分为五个审美现象类别。首先，他解释了“前审美”阶段的模仿。接着是仪式性或宗教艺术。然后是情感艺术。再然后是理性、经验基础的艺术。最后，第五个且据称是“最终”的审美阶段被席林格称为“科学的”或“后审美”的阶段。他预测，这一最终阶段将以“思想的解放”为高潮，并导致“艺术的瓦解”。

在思考1950至60年代艺术的发展时，利帕德认为她所见证的是艺术第五阶段的出现。她对这一观点感到兴奋。她认为非物质化是一种积极且重要的转变。毕竟，如果审美对象不再是艺术的核心焦点，那么艺术就能摆脱商品化这一常常对许多艺术家的生活和创作产生破坏性影响的恶劣体系。

约瑟夫·席林格 - 绿色方块，出自《艺术的数学基础》系列，约1934年，蛋彩画于纸板，史密森学会，图片来源 rendaan.com

商品的科学

作为非物质化已开始的证据，利帕德引用了如光与空间运动，这些视觉性强但非物品为基础的艺术形式，以及极简主义，后者极大地简化了审美对象。她认为这些运动削弱了艺术品视觉方面的重要性，将视觉定义为通向非物质、理智体验的跳板。但对《艺术的非物质化》的早期且明显的批评之一是，尽管这些短暂的观念概念较少依赖物品，但它们仍然产生物理现象。即使是行为艺术家也创造了某种东西——表演——这可以作为体验出售，或被录制下来。

无论艺术家创造的遗迹多么微小，它都可能被物化并作为商品交易。完全避免商品化的唯一方法是永不分享思想：这样或许能保留理智体验的崇敬与神圣。但只有被分享的思想才能真正称为艺术。一旦思想被分享，它就可能被拥有、操控和以其他方式表达，换言之，即被物化。而一旦某物被物化，它就可以被买卖，成为商品。

约瑟夫·席林格 - 未完成的节奏研究，出自《艺术的数学基础》系列，约1934年，蜡笔和铅笔于插画板，尺寸：14 7/8 x 19 7/8英寸（37.78 x 50.48厘米），收藏于纽约布法罗奥尔布赖特-诺克斯艺术馆

五个阶段

今天重新阅读《艺术的非物质化》，唯一明显的错误似乎是它将席林格所述的艺术五个阶段呈现为线性过程。每一代人总是倾向于认为自己站在现代性的最前沿。席林格认为艺术历史上经历了阶段性进展，利帕德则认为她属于推动艺术走向进化顶峰的一代。但时间并非向前推进；它只是流逝。文化不是线性的；它不断重复。人类既在进化，也在退化。事实是，在20世纪60至70年代，乃至今天，艺术家们既在寻找非物质化的方式，也在重新发现物质化的途径。

最终，利帕德在撰写非物质化主题时，或许也意识到了这一点，因为她的文章结尾提出了艺术所谓零点是否即将到来的疑问。她的回答是，“这似乎不太可能。”即使今天艺术家出售仅存在于数字空间的虚拟创作，我们仍可认为非物质化是一种幻想。任何可见之物本质上都是物质的，即使只能通过虚拟现实眼镜观看。但在我们看来，这只证明了或许实现非物质化从未真正是重点。利帕德真正想表达的是，视觉艺术的一个重要方面是不断探索如何以更少的元素表达更多内容。任何致力于非物质化的艺术家，也是在追求简约。而简约引导我们发现真正不可或缺、真正有意义的东西。这绝非艺术的最终阶段，但它能提醒我们艺术的真正价值所在。

封面图：约瑟夫·席林格 - 红色节奏（局部），出自《艺术的数学基础》系列，约1934年，水粉画于纸，画面尺寸：8 x 11 15/16英寸（20.32 x 30.32厘米）；纸张尺寸：10 1/2 x 13 7/8英寸（26.67 x 35.24厘米），收藏于纽约布法罗奥尔布赖特-诺克斯艺术馆

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作者：Phillip Barcio