18 samtidige abstrakte kunstnere åbner op om deres afstamning

Det er farligt og umuligt at undervise i kunst. Alligevel er det også nødvendigt. For at kunst kan eksistere, må kunstnere lære, hvordan de bliver det, de skal blive, og hvordan de skaber det, de skal skabe. Nogle vil lære det i skolen, fra andre fejlbarlige mennesker som dem selv, der af en eller anden grund har påtaget sig den farlige, umulige, nødvendige opgave at dele med andre, hvad de har lært. Andre kunstnere vil finde lærere uden for klasseværelset. De kan lære, hvad det vil sige at være kunstner, ved at hænge ud med andre kunstnere til ferniseringer eller på barer. De kan lære, hvad det vil sige at lave kunst, ved at se videoer online eller ved at dekonstruere den kunst, de ser i museer eller i bøger. Nogle kunstnere kan lære, hvad de er, ved at følge den inspiration, de får fra arkitektur og design, ved blot at reagere på de tanker og følelser, de oplever, mens de interagerer med det daglige byggede miljø og dets utallige produkter og rum. Andre igen kan lære at være kunstnere blot ved at omfavne – og derefter nære – deres indre trang til at skabe. Skabelsesprocessen kan lære os, hvordan vi skaber. Væreprocessen kan lære os, hvad vi ønsker at være. Til sidst vil alle, der kommer igennem læringsprocessen til det øjeblik, hvor de kan sige sætningen, "Jeg er kunstner," uden at føle, det er en løgn, have en historie at fortælle om deres lærere. I dag bringer vi dig en samling af sådanne historier fra kunstnere, der er modige nok til at dele deres læringslinjer. De er modige, fordi det at annoncere deres æstetiske eller konceptuelle arv udsætter dem for en frygtelig trussel. Du, læseren, kan indse, at en kunstner var elev hos en anden kunstner, eller blev inspireret af dette eller hint, og tage det for en genvej. Du kan sige, "Aha! Nu ser jeg, hvem de kopierer," eller, "Nu forstår jeg deres kunst!" I stedet, mens du læser disse anekdoter om, hvordan disse 18 kunstnere blev, hvad de er, lad informationen udvide din opfattelse. Følg hver tråd og grav dybere. Du kan få et glimt af den farlige, umulige, nødvendige skønhed i, hvad det virkelig betyder at undervise og lære kunst.

Anya Spielman

Spielman var elev hos Wayne Thiebauld, mens hun gik på University of California i Davis. Om sine andre lærere siger hun:

"En stor indflydelse for mig var at se Hieronymus Boschs triptykon, “The Garden of Earthly Delights” på The Prado, da jeg var teenager. Jeg blev overvældet af ikonografien såvel som de frodige farver og de indviklede kompositioner i hans værk. Jeg reagerede straks på dualiteten i Boschs arbejde: hans skarpe og oplyste palet: nuancer af blæk sort, umber, bleg pink, ben, vermillion og azurit; kurverne i hans gennemsigtige nydelseskapsler i Eden sat op mod den gennemtrængende psykologiske og fysiske nedstigning i et hallucinatorisk helvede. Boschs visionære geni skildrede menneskets natur i alle dens former, med en direkte intimitet og kraft, som jeg finder utroligt sjælden selv i dag."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olie på panel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studerede hos Louis Finkelstein, mens hun var kandidatstuderende på Queens College, City University of New York. På samme skole studerede hun hos Benny Andrews, som blev uddannet som Abstract Expressionist på School of the Art Institute of Chicago i 1950’erne; Clinton Hill, som var studieassistent for Mark Rothko; kunstkritiker og Artforum Associate Editor Robert Pincus-Witten, som hun siger “hjulp min kritiske sans;” og Charles Cajori, som var elev af Hans Hoffman. Sirlin siger:

"[Lineage] er virkelig et kompliceret spørgsmål. Forbindelserne med kunstnere går også på kryds og tværs. Anne Truitt var vigtig for mig, da jeg var en ung kunstner på Yaddo. Melissa Meyer var også der den sommer [1983]. Erin Lawlor var min studiekammerat på The Rothko Centre i Letland. Jose Heerkins var på Rothko Centre samtidig med os [2016]. Kara Walker var studerende, da jeg underviste på The Atlanta College of Art, og Kara og jeg udstillede på samme Atlanta Biennial i 1992. Så er der de andre kunstnere—forfattere og dramatikere. Hayden Herrera [biograf på Frieda Kahlo og Arshile Gorky] var min mentor som kunstskribent. Chris Kraus [I Love Dick] og jeg var sammen på Yaddo... Jeg var en nær ven af dramatikeren Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Han var manuskriptforfatter for Warhol... Jeg håber ikke, jeg forvirrede dig med dette ekstra svar."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Mixed media på lærred. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

"Da jeg først begyndte at male, var jeg mest påvirket af Picasso. Jeg blev tiltrukket af hans brug af farve og mærkning, især i “Girl Before A Mirror” (1932). Senere, da jeg begyndte at male mere i en abstrakt ekspressionistisk stil, blev jeg mere tiltrukket af Joan Mitchell og Willem De Kooning. Dog begyndte jeg virkelig at se på deres arbejde, efter jeg malede på denne måde, ikke før."

Brenda Zappitell - I øjeblikket, 2017. Flashe og akryl med kold voks på panel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

I et interview i 2006 for Minus Space NY spurgte maleren Chris Ashley Göttin, hvor han begynder som kunstner. Göttin svarede:

"Kunsthistorien foregiver nogle gange, at en bestemt kunstbevægelse er en fuldstændig enhed. At bruge udtrykket “konkret” falder ikke nødvendigvis sammen med den ideologiske baggrund for Konkrete Kunst, som også var baseret på ideer om samfund og politik. Min bekymring handler om en enhed, der også kan indeholde modsætninger—et ja og et nej, og endda et måske. Mit udgangspunkt er en syntese af forskellige synspunkter eller positioner på samme tid, hvilket for mig er et rumligt syn. Det kan være åbenlyst eller subtilt, symmetrisk eller asymmetrisk eller begge dele sammen, med eller uden modsætning. Det kan være regel og afvigelse sammen. Nogle af de tidligere værker, jeg lavede, var collager relateret til Kurt Schwitters’ arbejde (Merz), ethvert fundet materiale groft limet på et stykke pap—fysisk, direkte, improviseret, tilfældigt, farverigt, endda dadaistisk. Senere blev jeg interesseret i Minimal Art, hvor kunstværket ofte er præcist planlagt og perfekt og klart konstrueret med en defineret brug af materialer og opmærksomhed på detaljer. Begge bevægelser er vigtige for mig, og nogle gange ser jeg mit arbejde bære dele af begge, svarende til mellem disse to kunsthistoriske positioner."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Akryl på pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Det er ret svært at forstå sine påvirkninger, i hvert fald for mig, da jeg arbejder stort set ud fra intuition og ikke så meget fra bevidsthed. Jeg mener dog, at mine formative år som kunststuderende på UCLA (BA 74, MFA 77) dannede en stor del af, hvem jeg er. På den tid var UCLA en ret malerskole med en europæisk/modernistisk tilgang. Til min første malerklasse var jeg tilmeldt den introducerende malerklasse med Richard Diebenkorn (jeg havde ingen idé om, hvem han var), men han og fakultetsledelsen havde nogle problemer, og hans stilling blev opsagt, før klassen begyndte. Så jeg studerede hos Richard Joseph, en ny realist, som gav mig et solidt fundament. Det var først seks måneder senere, da jeg arbejdede i en mere avanceret malerklasse med Charles Garabedian, at jeg begyndte at eksperimentere med abstraktion. Gennem årene var den professor, der sandsynligvis havde mest indflydelse på mig, William Brice. Bill var en meget veltalende, værdig, generøs, eftertænksom, sjov lærer og ven. Som en hårdtarbejdende, produktiv kunstner talte han ofte om nødvendigheden af at tilbringe tid i atelieret med at kæmpe tingene igennem, og alt andet er mindre vigtigt. Jeg tænker ofte på ham og føler mig så heldig at have kendt ham i lang tid. Det tog faktisk flere år at adskille mig fra idéen om at være studerende og fra at høre lydene af mine gamle professorer i mit hoved, hver gang jeg malede, men med tiden har jeg opnået en klar fornemmelse af, hvem jeg er, og det ansvar jeg har for at lave værker, der opfylder min vision. Jeg ser ofte aspekter af andre kunstnere i mit arbejde, nogle gange føler jeg, at der virkelig er en forbindelse via de samme idéer, og andre gange virker enhver lighed bare overfladisk. Til sidst, lad kunstskribenterne tale om påvirkningerne."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Blæk på papir. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

Michael Mazur (1935-2009) var min tryk-lærer for 25 år siden. Vi mødtes første gang, da jeg boede på Fine Arts Work Center i Provincetown, hvor Michael tilbød en uges workshop i tryk. Så mange ting står klart om vores første forbindelse: Michael var en utroligt empatisk og socialt bevidst person, ikke kun i hans valgte emne (tegninger og tryk af lidende patienter på et psykiatrisk hospital og dyr bag tremmer i en zoologisk have), men også i vores en-til-en samtaler om livet. Han lærte mig at være generøs gennem eksempel som en måde at balancere selvoptagetheden i atelieret. Der var ikke noget ved hans teknik eller jagten på en kunstnerkarriere, som Michael ikke ville dele. Michael tilbragte tid i Kina i slutningen af 80’erne, og det var gennem hans kærlighed til det asiatiske landskab, at jeg lærte at forenkle mine gestus, at male med en økonomi i udtrykket, noget jeg holder meget tæt til mit hjerte. Jeg vil aldrig glemme hans sans for humor, når han sagde til mig, “Tracey, dette er ungepatchke!”, et jiddisch ord, der betyder for travlt og pyntet.

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafit og blæk på rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nævner sin første inspiration som et akvarelmaleri af Paul Cezanne, hun så, da hun var 11, hvilket efterlod "et uforglemmeligt indtryk." Hun fortsætter med at sige:

"Min professor, Klaus Stümpel, var så tæt på naturen, at han næsten blev kaldt 'en bonde.' Han anbefalede, at jeg studerede Frantisek Kupka. Jeg studerede hans proces med at blive abstrakt og hans kosmiske og mystiske perspektiv. Frem for alt lærte jeg mere end noget andet om hans kærlighed til livet og hans vilje til at bevare sine tanker. Da jeg kom tilbage til Korea, tænkte jeg igen på Kandinsky. Jeg mener, hans ønske om at finde objektiv, universel sandhed i kunsten er en umulig udfordring. Jeg mener, at kunst er subjektiv og personlig frem for noget andet. Når jeg søger min dybeste indre side, kan jeg kommunikere med andres indre. Jeg mener, at kunst kan være et medium, der forbinder mikrokosmos (mennesket) og makrokosmos (verden). Især er farve emnet for min forskning. Jeg søger farven som et adjektiv. Jeg kan lide Richters holdning til arbejde, hans passion for maleri og eksperimentånd. Måske On Kawara? Jeg kan lide hans arbejde, som han ønskede at bevise var levende, og jeg vil bevise for mig selv ved at arbejde hver dag, at jeg stadig er levende, følelsesmæssigt og sanseligt. Mine tanker om Wassily Kandinsky og mange andre minimalister er meget forskellige fra det generelle perspektiv. Jeg er ikke enig i deres kunstneriske synspunkt."

Kyong Lee - Picture with White, 2008. Akryl på lærred, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nævner påvirkninger, der inkluderer kunstnere (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman og Andy Warhol), designere (Saul Bass og Roy Kuhlman) og arkitekter (Le Corbusier). Men hun taler også om de personlige måder, hvorpå kulturen har påvirket hendes kunst, som i følgende anekdote:

"Min fars forretning var skilte. Som de fleste bybørn i Amerika voksede jeg op på bagsædet af en bil, hyperopmærksom på reklameskilte og neonlys. Opmærksomhedsskabende direkte visuelle stimuli var en del af min psyke. For nylig besøgte jeg MoMA i New York og blev igen slået af Barnett Newmans maleri “Vir Heroicus Sublimis” (Man, Heroic and Sublime) (1950-51). Min kropslige reaktion på dets kraft, umiddelbarhed og enkelhed var overvældende og bekræftede min egen visuelle fortid og identitet."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache på håndlavet Khadi-papir. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"For mig var det Mondrian. De abstrakte kunstnere på det tidspunkt arbejdede mere konceptuelt med abstraktion, hvilket betyder, at de kunne lide ideen om det, mens Mondrian arbejdede baglæns gennem mekanikkerne og kom ud i den anden ende med at genopfinde billedplanet. Ikke mange har gjort det siden. Jeg begyndte så at tænke, at der måtte være flere måder at komme ind i dette mærkelige rum, som Mondrian havde så klart fat i. [Ellsworth] Kelly og [Robert] Mangold viste andre måder at udtrykke dette ’andet’ rum på. Oplevelsen af disse kunstnere gav mig plads til virkelig at værdsætte mine jævnaldrendes bestræbelser og at stræbe efter at komme igennem til næste niveau."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Akryl på papir. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Jeg har elsket og tænkt ofte på Vija Celmins' arbejde. Hendes intense observation og rolige udførelse er meget inspirerende for mig. Louise Bourgeois har altid inspireret mig med sin beslutsomhed om at udtrykke sig i det bedste medium for sine ideer. En mere åbenlys inspiration ville være Agnes Martin, jeg elsker hendes selvsikre tilbageholdenhed, og Mark Rothko for det følelsesmæssige slag, hans arbejde kan levere."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Tråd, blæk og grafit på papir. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville nævner de tyske blokhuse fra Anden Verdenskrig, der ligger langs den franske atlantkyst. Han siger, "De fleste ser dem som grimme ar. I mine øjne var deres substans en del af landskabet, tiden smeltede dem sammen med sandet, klitterne og havet eller med de malerier, som gadekunstnere lagde på dem." Derudover blev Auville påvirket af denne oplevelse fra sin ungdom:

"Som seks- eller syvårig havde jeg privilegiet at besøge Lascaux-grotten i det sydvestlige Frankrig. Det var et chok for mig. Mine forældre købte nogle facsimiler som souvenirs, og jeg tilbragte timer i kælderen i vores hus med at kigge på dem og undre mig over, hvad der gjorde forskellen mellem billederne og det ægte kunstværk. Forskellen var åbenlys, men jeg kæmpede for at forstå dens substans. Jeg tændte og slukkede lyset, limede sand på billederne i et forsøg på at efterligne substansen i Lascaux-malerierne, men nåede aldrig det, jeg troede var deres sjæl."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmenteret cement på skumpaneler. Strukturel og ophængningsramme på bagsiden. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan nævner påvirkninger fra kunstnere (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) til pladedesignere (Hipgnosis, Peter Saville), til musikere (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Han siger:

"I årene før min pubertet fik Piet Mondriaans visuelle sprog meget opmærksomhed i Holland. Jeg var for ung til at tænke i kunstbegreber, men Mondriaan var bare der, og det var fascinerende. Og det er det stadig! Lidt senere lærte jeg Suprematisterne at kende, som ligesom mig tog geometriske former som udgangspunkt. Fordi mine søstre er omkring fem år ældre end mig, opdagede jeg (via deres kærester) tidligt i mine teenageår ’progressiv’ musik og det tilhørende coverdesign. Ikke overraskende ville jeg blive coverkunst-designer. Hvis jeg skulle vælge en visuel kunstner, der ændrede min måde at se tingene på, ville det være Ellsworth Kelly. I midten af 80’erne købte Stedelijk Museum i Amsterdam “Blue Curve VI” (1982). Jeg gik regelmæssigt for at se på det og studerede det visuelle sprog. Men nu, måske vigtigere, bliver jeg også guidet af min egen reaktion på kunst...jeg begyndte at tænke over kunst...formålet, meningen, åh min."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD blæk på Hannemuhle papir. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Josef Albers' lære påvirker, hvordan jeg tænker på at placere farver i forskellige kontekster. Og James Turrells skyspaces påvirkede, hvordan jeg tænker på at placere atmosfærisk farve i forskellige kontekster. Generelt er den overordnede æstetik i mine Paper Skies og Moving Pictures serier stærkt påvirket af moderne amerikanske malere som Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella osv."

Brenda Biondo -Paper Sky nr. 21 (Stor), 2015. Dye sublimation print på aluminium (mat/glans finish). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"For mere end 20 år siden opdagede jeg kapellet i Ronchamp, et sent værk af arkitekten Charles Edouard Jeanneret, kendt som Le Corbusier. Jeg følte hverken før eller efter en sådan opfattelse af korrektheden i mulighederne mellem massivitet og ophøjelse. Så begyndte denne lange søgen for mig, som stadig nærer mig i dag, med det formål at nærme mig det mest passende forhold mellem fyldt og tomt."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum og tørnål på kobber. Tryk på bfk rives papir 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Jeg vil gerne tale om den kunstner, der har inspireret mig i årtier, mere end nogen anden kunstner: Matisse, en kunstner man kunne studere hele livet. Hans arbejde tog mange retninger på grund af hans eksperimenter og undersøgelse af nye muligheder med maleri. De er smukke, opløftende, komplekse, til tider dejlige og rolige, til tider svære og udfordrende—reflekterende over, hvordan livet er."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarel på papir. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

I stedet for at liste hendes påvirkninger nævner Cantrick de kunstnere, hvis arbejde interesserer hende mest, uanset om der er nogen direkte forbindelse til hendes eget arbejde. Hendes korte liste for moderne og samtidskunst:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé og Per Kirkeby. Det er en eklektisk og ikke-udtømmende liste, men det, de har til fælles, er klarhed, kompleksitet og vitalitet—som er mine egne optagetheder—udtrykt gennem stærk farve og struktur, distinkte former og et lavt malerirum. For præ-modernismen er Vermeer, Degas og Manet øverst på min liste, igen for den trio af egenskaber: klarhed, kompleksitet, vitalitet. Derudover: Spændingen i Vermeers solide gengivelse formidler en utroligt håndgribelig stilhed—tidens ophængning. Degas’ særlige måde at markere sit rum med "stille," uanimerede områder og/eller et stærkt vertikalt element fremmer forlænget, rytmisk betragning. Og der er en umiddelbarhed og friskhed i Manet, som, udover al den øvrige mestring, er i sit bedste øjeblik fængslende."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl på linned. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"I mit tilfælde blev jeg ikke påvirket af én kunstner per se, men snarere af det kunstneriske fællesskab, hvor jeg voksede op i Chicago. Der var kunstnere overalt i mit nabolag, kaldet Lincoln Park-området eller Old Town, og da jeg viste interesse for tegning som pre-teen, blev jeg opmuntret til at gå på skolen tilknyttet det vidunderlige Art Institute of Chicago for figurtegning. Der fik jeg lov til at gå direkte gennem museet med dets berømte impressionistsamling for at komme ind på skolen. Jeg tror, det grundlæggende formede min interesse for linje, gestus og farve."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olie på lærred. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Min kunstneriske [Lineage] findes hos kunstnere, der kombinerer en "reducerende" tilgang til billede/objekt-skabelse med opmærksomhed på overflade og subtile detaljer. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros og Sol Lewitt kommer i tankerne. Derudover fortsætter det skulpturelle arbejde af Richard Serra, Carl Andre og Fred Sandback, med deres særlige brug af tredimensionelt rum, med at inspirere min tilgang til maleri."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryl på lærred. 122 x 96.9 cm