18 samtidige abstrakte kunstnere åbner op om deres afstamning

Det er farligt og umuligt at undervise i kunst. Alligevel er det også nødvendigt. For at kunsten kan eksistere, må kunstnere lære, hvordan de bliver det, de skal blive, og hvordan de skaber det, de skal skabe. Nogle vil lære i skolen, fra andre fejlbehæftede mennesker som dem selv, der af en eller anden grund har påtaget sig den farlige, umulige, nødvendige opgave at dele med andre, hvad de har lært. Andre kunstnere vil finde lærere uden for klasseværelset. De kan lære, hvad det vil sige at være kunstner ved at hænge ud med andre kunstnere ved åbninger eller i barer. De kan lære, hvad det vil sige at lave kunst ved at se videoer online eller ved at dekonstruere den kunst, de ser på museer eller i bøger. Nogle kunstnere kan lære sig selv, hvad de er, ved at følge den inspiration, de får fra arkitektur og design, ved simpelthen at reagere på de tanker og følelser, de oplever, mens de interagerer med det daglige byggede miljø og dets utallige produkter og rum. Andre kan lære at være kunstnere blot ved at omfavne - og derefter pleje - deres indre trang til at skabe. Processen med at skabe kan lære os, hvordan vi skaber. Processen med at være kan lære os, hvad vi ønsker at være. I sidste ende vil alle, der kommer igennem læringsprocessen til det øjeblik, hvor de kan sige sætningen, "Jeg er en kunstner," uden at føle, det er en løgn, have en historie at fortælle om deres lærere. I dag bringer vi dig en samling af sådanne historier fra kunstnere, der er modige nok til at dele deres læringslinjer. De er modige, fordi det at annoncere deres æstetiske eller konceptuelle arv udsætter dem for en frygtelig trussel. Du, læseren, kan indse, at en kunstner var elev af en anden kunstner, eller blev inspireret af dette eller hint, og forveksle det med en genvej. Du kan sige: "Aha! Nu ser jeg, hvem de kopierer," eller, "Nu forstår jeg deres kunst!" I stedet, mens du læser disse anekdoter om, hvordan disse 18 kunstnere blev, hvad de er, lad informationen udvide din opfattelse. Følg hver tråd og grav dybere. Du kan få et glimt af den farlige, umulige, nødvendige skønhed i, hvad det virkelig betyder at undervise og lære kunst.

Anya Spielman

Spielman var studerende hos Wayne Thiebauld, mens hun var på University of California i Davis. Om sine andre lærere siger hun:

"En stor indflydelse for mig var at se Hieronymus Boschs triptyk, "Verdens Have", på Prado, da jeg var teenager. Jeg blev blæst bagover af ikonografien såvel som de lækre farver og de intrikate kompositioner i hans værk. Jeg reagerede straks på dualiteten i Boschs arbejde: hans skarpe og oplyste palet: nuancer af blæk sort, umbra, lys pink, knogle, vermilion og azurite; kurverne af hans gennemsigtige nydelsespodder i Eden sat i kontrast til den gennemborende psykologiske og fysiske nedstigning til et hallucinerende helvede. Boschs visionære geni skildrede menneskets natur i alle dens former, med en direkte intimitet og kraft, som jeg finder utrolig sjælden selv i dag."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olie på panel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studerede med Louis Finkelstein, mens hun var kandidatstuderende på Queens College, City University of New York. På samme skole studerede hun med Benny Andrews, som blev uddannet som en abstrakt ekspressionist på School of the Art Institute of Chicago i 1950'erne; Clinton Hill, som var studioassistent for Mark Rothko; kunstkritiker og Artforum Associate Editor Robert Pincus-Witten, som hun siger "hjalp mit kritiske øje;" og Charles Cajori, som var studerende hos Hans Hoffman. Sirlin siger:

"[Lineage] er faktisk et kompliceret spørgsmål. Forbindelserne til kunstnere går også sidelæns. Anne Truitt var vigtig for mig, da jeg var en ung kunstner på Yaddo. Melissa Meyer var også der den sommer [1983]. Erin Lawlor var min studiekammerat på The Rothko Centre i Letland. Jose Heerkins var på Rothko Centre samtidig med os [2016]. Kara Walker var studerende, da jeg underviste på The Atlanta College of Art, og Kara og jeg udstillede på den samme Atlanta Biennial i 1992. Så er der de andre kunstnere—forfattere og dramatikere. Hayden Herrera [biograf for Frieda Kahlo og Arshile Gorky] var min mentor som kunstskribent. Chris Kraus [I Love Dick] og jeg var på Yaddo sammen... Jeg var en nær ven af dramatikeren Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Han var manuskriptforfatter for Warhol... Jeg håber, jeg ikke forvirrede dig med dette yderligere svar."

Deanna Sirlin - Wonder, 2015. Blandet medie på lærred. 127 x 106,7 cm

Brenda Zappitell

"Da jeg først begyndte at male, var jeg mest påvirket af Picasso. Jeg blev draget af hans brug af farve og mærker, især i "Pige foran et spejl" (1932). Senere, da jeg begyndte at male mere i en abstrakt ekspressionistisk stil, blev jeg mere draget af Joan Mitchell og Willem De Kooning. Men jeg begyndte virkelig at se på deres arbejde, efter jeg malede på denne måde, ikke før."

Brenda Zappitell - I øjeblikket, 2017. Flashe og akryl med kold voks på panel. 127 x 127 cm

Daniel Götin

I et interview fra 2006 for Minus Space NY spurgte maleren Chris Ashley Göttin, hvor han begynder som kunstner. Göttin svarede:

"Kunsthistorie foregiver nogle gange, at en bestemt kunstbevægelse er en fuldstændig enhed. At bruge termen "konkret" stemmer ikke nødvendigvis overens med den ideologiske baggrund for Konkrete Kunst, som også var baseret på ideer om samfund og politik. Min bekymring handler om en enhed, der også kan inkludere modsigelser—et ja og et nej, og endda et måske. Mit udgangspunkt er en syntese af forskellige synspunkter eller positioner på samme tid, hvilket for mig er et rumligt syn. Det kan være åbenlyst eller subtilt, symmetrisk eller asymmetrisk eller begge dele sammen, med eller uden modsigelse. Det kan være regel og afvigelse sammen. Nogle af de tidligere værker, jeg lavede, var collager relateret til Kurt Schwitters' arbejde (Merz), alt fundet materiale groft limet på et stykke pap—fysisk, direkte, improviseret, tilfældigt, farverigt, endda dadaistisk. Senere blev jeg interesseret i Minimal Art, hvor kunstværket ofte er præcist planlagt og perfekt og klart konstrueret med en defineret brug af materialer og opmærksomhed på detaljer. Begge bevægelser er vigtige for mig, og nogle gange ser jeg mit arbejde bære dele af begge, svarende imellem disse to kunsthistoriske positioner."

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Akryl på pavatex. 97 x 58,5 x 3 cm

Gary Paller

"Det er ret svært at forstå sine påvirkninger, i det mindste for mig, da jeg i høj grad arbejder ud fra intuition og ikke så meget fra bevidsthed. Jeg mener, at mine formative år som kunststuderende på UCLA (BA 74, MFA 77) udgjorde en stor del af, hvem jeg er. I de dage var UCLA et ret malerskole med en europæisk/modernistisk drejning. Til min første maleklasse var jeg tilmeldt den indledende maleklasse med Richard Diebenkorn (jeg havde ingen idé om, hvem han var), men han og fakultetsledelsen havde nogle problemer, og hans stilling blev opsagt, før klassen begyndte. Så jeg studerede med Richard Joseph, en ny realist, som gav mig et solidt fundament. Det var ikke før seks måneder senere, da jeg arbejdede i en mere avanceret maleklasse med Charles Garabedian, at jeg begyndte at eksperimentere med abstraktion. Gennem årene var den professor, der sandsynligvis havde den største indflydelse på mig, William Brice. Bill var en meget veltalende, værdig, generøs, eftertænksom, sjov lærer og ven. Som en hårdtarbejdende, produktiv kunstner talte han ofte om nødvendigheden af at tilbringe tid i studiet med at bearbejde tingene, og alt andet er mindre vigtigt. Jeg tænker ofte på ham og føler mig så heldig at have kendt ham i lang tid. Det tog mange år at adskille mig fra ideen om at være studerende og fra at høre lydene af mine gamle professorer i mit hoved, hver gang jeg malede, men over tid har jeg opnået en klar fornemmelse af, hvem jeg er, og det ansvar, jeg har for at lave arbejde, der opfylder min vision. Jeg ser ofte aspekter af andre kunstnere i mit arbejde, nogle gange føler jeg, at der virkelig er en forbindelse via de samme ideer, og andre gange synes det bare, at enhver lighed er overfladisk. I sidste ende, lad kunstskribenterne tale om påvirkningerne."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Blæk på papir. 37,8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) var min grafiklærer for 25 år siden. Vi mødtes første gang, da jeg boede på Fine Arts Work Center i Provincetown, hvor Michael tilbød et uges workshop i grafik. Så mange ting står klart for mig om vores første forbindelse: Michael var en utrolig empatisk og socialt bevidst person, ikke kun i sit valgte emne (tegninger og tryk af de lidende patienter på et psykiatrisk hospital og dyr bag tremmer i en zoologisk have), men også i vores en-til-en samtaler om livet. Han lærte mig at være generøs gennem eksempel som en måde at balancere selvoptagelsen i studiet. Der var ikke noget om hans teknik eller jagten på en kunstnerkarriere, som Michael ikke ville dele. Michael tilbragte tid i Kina i slutningen af 80'erne, og det var gennem hans kærlighed til det asiatiske landskab, at jeg lærte at forenkle mine gestusser, at male med en økonomi af udtryk, noget jeg holder meget kært. Jeg vil aldrig glemme hans sans for humor, når han sagde til mig: "Tracey, dette er ungepatchke!", et jiddisch ord, der betyder for travlt og dekoreret."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafit og blæk på rives. 66 x 50,8 cm

Kyong Lee

Lee nævner sin første inspiration som et akvarel af Paul Cezanne, som hun så, da hun var 11, og som efterlod "et uforglemmeligt indtryk." Hun fortsætter med at sige:

"Min professor, Klaus Stümpel, var tæt nok på naturen til, at han næsten blev kaldt 'en landmand.' Han anbefalede, at jeg studerede Frantisek Kupka. Jeg studerede hans proces med at blive abstrakt og hans kosmiske og mystiske perspektiv. Frem for alt lærte jeg mere end noget andet om hans kærlighed til livet og hans vilje til at bevare sine tanker. Da jeg kom tilbage til Korea, tænkte jeg igen på Kandinsky. Jeg mener, at hans ønske om at finde objektiv, universel sandhed i kunsten er en umulig udfordring. Jeg mener, at kunst er subjektiv og personlig frem for noget andet. Når jeg søger min dybeste indre side, kan jeg kommunikere med andres indre. Jeg mener, at kunst kan være et medium, der forbinder mikrokosmos (mennesket) og makrokosmos (verden). Især farve er emnet for min forskning. Jeg leder efter farven som et adjektiv. Jeg kan godt lide Richters holdning til arbejde, hans passion for maleri og ånden af eksperimentering. Måske On Kawara? Jeg kan godt lide hans arbejde, som han ønskede at bevise var levende, og jeg vil bevise for mig selv ved at arbejde hver dag, at jeg stadig er i live, følelsesmæssigt og fornuftigt. Mine tanker om Wassily Kandinsky og mange andre Minimalister er meget forskellige fra det generelle perspektiv. Jeg er ikke enig i deres kunstneriske synspunkt."

Kyong Lee - Billede med Hvid, 2008. Akryl på lærred, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nævner indflydelser, der inkluderer kunstnere (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Mattise, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman og Andy Warhol), designere (Saul Bass og Roy Kuhlman) og arkitekter (Le Corbusier). Men hun taler også om de personlige måder, hvorpå kulturen har påvirket hendes kunst, som i følgende anekdote:

"Min fars virksomhed var skiltning. Ligesom de fleste bybørn i Amerika voksede jeg op på bagsædet af en bil, hyperbevidst om reklameskilt og neonskilt. Opmærksomhedsskabende direkte visuel stimulus var en del af min psyke. For nylig besøgte jeg MoMA i New York og blev igen ramt af Barnett Newmans maleri "Vir Heroicus Sublimis" (Menneske, Heroisk og Sublimt) (1950-51). Min viscerale reaktion på dens kraft, umiddelbarhed og enkelhed var overvældende, og bekræftede min egen visuelle fortid og identitet."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache på håndlavet Khadi-papir. 33,1 x 33,1 cm

Brent Hallard

"For mig var det Mondrian. De abstrakte kunstnere fra den tid arbejdede mere konceptuelt med abstraktion, hvilket betød, at de kunne lide ideen om det, mens Mondrian arbejdede baglæns gennem mekanikken og kom ud i den anden ende og genopfandt billedfladen. Ikke mange har gjort det siden. Jeg begyndte så at tænke, at der måtte være flere måder at komme ind i dette mærkelige rum, som Mondrian havde så klart styr på. [Ellsworth] Kelly og [Robert] Mangold viste andre måder at udtrykke dette 'andet' rum på. Erfaringen fra disse kunstnere gav mig plads til virkelig at værdsætte mine jævnaldrendes bestræbelser og at stræbe efter at komme igennem den næste kuvert."

Brent Hallard - Clouds, 2013. Akryl på papir. 25,4 x 35,6 cm

Audrey Stone

"Jeg har elsket og ofte tænkt på Vija Celmins' arbejde. Hendes intense observation og rolige udførelse er meget inspirerende for mig. Louise Bourgeois har altid inspireret mig med sin beslutsomhed til at udtrykke sig i det bedste medium for hendes ideer. En mere åbenlys inspiration ville være Agnes Martin, jeg elsker hendes selvsikre tilbageholdenhed, og Mark Rothko for den følelsesmæssige kraft, hans arbejde kan have."

Audrey Stone -Nr. 61, 2011. Tråd, blæk og grafit på papir. 43,2 x 35,6 cm

Pierre Auville

Auville nævner de tyske blokhuse fra Anden Verdenskrig, der ligger langs den franske Atlanterhavskyst. Han siger: "De fleste mennesker betragter dem som grimme ar. I mine øjne var deres substans en del af landskabet, tiden smeltede dem sammen med sandet, klitterne og havet eller med de malerier, som gademalere lagde på dem." Derudover blev Auville påvirket af denne oplevelse fra sin ungdom:

"I en alder af seks eller syv havde jeg privilegiet at besøge Lascaux-hulen i det sydvestlige Frankrig. Det var en chok for mig. Mine forældre købte nogle facsimiler som souvenirs, og jeg tilbragte timer med at kigge på dem i kælderen i vores hus og undrede mig over, hvad der gjorde forskellen mellem billederne og det ægte kunstværk. Forskellen var åbenlys, men jeg kæmpede for at finde ud af dens substans. Jeg tændte og slukkede lyset, klistrede sand på billederne i et forsøg på at efterligne substansen af Lascaux-malerierne, men nåede aldrig det, jeg mente var deres sjæl."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmenteret cement på skumplader. Strukturel og hængende ramme på bagsiden. 120 x 120 x 6 cm

Luke de Haan

De Haan nævner indflydelser, der spænder fra kunstnere (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) til albumdesignere (Hipgnosis, Peter Saville), til musikere (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Han siger:

"I årene før min pubertet fik Piet Mondriaans visuelle sprog meget opmærksomhed i Holland. Jeg var for ung til at tænke i kunstneriske termer, men Mondriaan var bare der, og det var fascinerende. Og det er det stadig! Lidt senere lærte jeg Suprematisterne at kende, som ligesom mig tog geometriske former som udgangspunkt. Fordi mine søstre er omkring fem år ældre end mig, opdagede jeg (via deres kærester) tidligt i mine teenageår 'progressiv' musik og det tilhørende coverdesign. Ikke overraskende ville jeg blive coverkunstner. Hvis jeg skulle vælge én visuel kunstner, der ændrede min måde at se tingene på, ville det være Ellsworth Kelly. I midten af 80'erne købte Stedelijk Museum i Amsterdam "Blue Curve VI" (1982). Jeg gik regelmæssigt for at se på det og studerede det visuelle sprog. Men nu, måske mere vigtigt, bliver jeg også guidet af min egen reaktion på kunst... Jeg begyndte at tænke over kunst... formålet, meningen, åh min."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD blæk på Hannemühle papir. 29,7 x 21 cm

Brenda Blonde

"Josef Albers' undervisning påvirker, hvordan jeg tænker på at placere farver i forskellige kontekster. Og James Turrells skyspaces har påvirket, hvordan jeg tænker på at placere atmosfærisk farve i forskellige kontekster. Generelt er den overordnede æstetik i mine Paper Skies og Moving Pictures serier stærkt påvirket af moderne amerikanske malere som Georgia O’Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella osv."

Brenda Biondo -Paper Sky nr. 21 (Stor), 2015. Farve-sublimeringsprint på aluminium (mat/glans finish). 83,8 x 96,5 cm

Pierre Muckensturm

"Jeg opdagede for mere end 20 år siden kapellet i Ronchamp, et sent værk af arkitekten Charles Edouard Jeanneret, kendt som Le Corbusier. Jeg følte hverken før eller efter en sådan opfattelse af korrektheden af mulighederne mellem massivitet og højde. Så begyndte denne lange søgen for mig, som stadig nærer mig i dag, med det mål at nærme mig det mest passende forhold mellem fyldt og tomt."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum og tørpunktering på kobber. Trykning på bfk rives papir 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Jeg vil gerne tale om den kunstner, der har inspireret mig i årtier, mere end nogen anden kunstner: Matisse, en kunstner man kunne studere hele livet. Hans arbejde tog så mange veje på grund af hans eksperimentering og undersøgelse af nye muligheder med maleri. De er smukke, opløftende, komplekse, til tider dejlige og rolige, til tider svære og udfordrende - reflekterende over, hvordan livet er."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarel på papir. 31,8 x 31,8 cm

Susan Cantrick

I stedet for at opremse sine påvirkninger nævner Cantrick de kunstnere, hvis arbejde interesserer hende mest, uanset om der er nogen direkte forbindelse til hendes eget arbejde. Hendes korte liste over moderne og nutidig:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé og Per Kirkeby. Det er en eklektisk og ikke udtømmende liste, men hvad de har til fælles er klarhed, kompleksitet og vitalitet—som er mine egne optagelser—udtrykt gennem stærke farver og struktur, distinkte former og et lavt malerisk rum. For det præ-moderne er Vermeer, Degas og Manet øverst på min liste, for igen, den trio af egenskaber: klarhed, kompleksitet, vitalitet. Derudover: Den stramhed i Vermeers solide gengivelse formidler en utrolig håndgribelig stilhed—tidens suspension. Degas' særlige måde at punktuere sit rum med "stille", uanimerede områder og/eller et stærkt vertikalt element fremmer forlænget, rytmisk betragten. Og der er en umiddelbarhed og friskhed i Manet, som, bortset fra al den øvrige dygtighed, er, på sit bedste, fængslende."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl på linned. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"I mit tilfælde blev jeg ikke påvirket af én kunstner per se, men snarere det kunstneriske fællesskab, hvor jeg voksede op i Chicago. Der var kunstnere overalt i mit nabolag, kaldet Lincoln Park-området eller Old Town, og da jeg viste interesse for at tegne som pre-teen, blev jeg opfordret til at gå på skolen tilknyttet det vidunderlige Art Institute of Chicago for figurtegning. Der fik jeg lov til at gå direkte gennem museet med dets berømte impressionistiske samling for at komme ind i skolen. Jeg tror, at det grundlæggende dannede min interesse for linje, gestus og farve."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olie på lærred. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Min kunstneriske afstamning findes i kunstnere, der kombinerer en "reduktionistisk" tilgang til billed-/objektfremstilling med en opmærksomhed på overflade og subtile detaljer. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros og Sol Lewitt kommer til at tænke på. Derudover fortsætter det skulpturelle arbejde af Richard Serra, Carl Andre og Fred Sandback, med deres særlige brug af tredimensionel plads, med at inspirere min tilgang til maleri."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryl på lærred. 122 x 96,9 cm