18 samtidige abstrakte kunstnere åbner op om deres afstamning

Det er farligt og umuligt at undervise i kunst. Alligevel er det også bydende nødvendigt. For at kunsten kan eksistere, må kunstnere lære at blive det, de nu engang skal blive, og at skabe det, de nu engang skal skabe. Nogle lærer det på en skole af andre fejlbarlige mennesker som dem selv, der af en eller anden grund har påtaget sig den farlige, umulige og bydende nødvendige opgave at dele det, de nu engang har lært, med andre. Andre kunstnere finder lærere uden for klasseværelset. De lærer måske, hvad det vil sige at være kunstner, ved at hænge ud med andre kunstnere til ferniseringer eller på barer. De lærer måske, hvad det vil sige at skabe kunst, ved at se videoer online eller ved at dekonstruere den kunst, de ser på museer eller i bøger. Nogle kunstnere lærer måske sig selv, hvad de er, ved at følge den inspiration, de får fra arkitektur og design, ved ganske enkelt at reagere på de tanker og følelser, de oplever, mens de interagerer med det hverdagslige byggede miljø og dets utallige produkter og rum. Atter andre lærer måske at være kunstnere ganske enkelt ved at omfavne - og derefter nære - deres indre trang til at skabe. Skabelsesprocessen kan lære os, hvordan vi skaber. Det at være kan lære os, hvad vi ønsker at være. I sidste ende vil alle, der kommer gennem læreprocessen til det øjeblik, hvor de kan sige sætningen: »Jeg er kunstner«, uden at føle, at det er en løgn, have en historie at fortælle om deres lærere. I dag bringer vi jer en samling af sådanne historier fra kunstnere, der er modige nok til at dele deres læringslinjer. De er modige, fordi det at bekendtgøre deres æstetiske eller begrebsmæssige arv udsætter dem for en frygtelig trussel. Du, læseren, vil måske opdage, at en kunstner var elev af en anden kunstner eller var inspireret af dette eller hint, og forveksle det med en genvej. Du vil måske sige: »Aha! Nu kan jeg se, hvem de kopierer«, eller: »Nu forstår jeg deres kunst!« Men mens du læser disse anekdoter om, hvordan disse 18 kunstnere blev det, de er, så lad oplysningerne udvide din opfattelse. Følg hver tråd, og grav dybere. Måske får du et glimt af den farlige, umulige og bydende nødvendige skønhed i, hvad det virkelig vil sige at undervise i og lære kunst.

Anya Spielman

Spielman var elev af Wayne Thiebaud, mens hun studerede ved University of California at Davis. Om sine andre lærere siger hun:

"En stor inspiration for mig var at se Hieronymus Bosch' triptykon, “The Garden of Earthly Delights”, på Prado-museet, da jeg var teenager. Jeg var overvældet af ikonografien såvel som de frodige farver og indviklede kompositioner i hans værker. Jeg reagerede øjeblikkeligt på dualiteten i Boschs værk: hans skarpe og lysende palet: nuancer af blæksort, umbra, lyserød, knoglehvid, vermillion og azurit; kurverne i hans gennemsigtige lystkapsler i Eden sat over for den gennemtrængende psykologiske og fysiske nedstigning til et hallucinerende helvede. Boschs visionære geni gengav menneskets natur i alle dens former med en direkte intimitet og kraft, som jeg selv i dag finder utroligt sjælden."

Anya Spielman - Ultraviolet, 2015. Olie på panel. 15,3 x 15,3 cm

Deanna Sirlin

Sirlin studerede hos Louis Finkelstein som kandidatstuderende på Queens College, City University of New York. På den samme skole studerede hun hos Benny Andrews, der blev uddannet som abstrakt ekspressionist på School of the Art Institute of Chicago i 1950'erne; Clinton Hill, der var studieassistent for Mark Rothko; kunstkritikeren og Artforums associerede redaktør Robert Pincus-Witten, som hun siger “hjalp med at skærpe mit kritiske blik”; og Charles Cajori, der var elev af Hans Hofmann. Sirlin siger:

"[Lineage] er virkelig et kompliceret spørgsmål. Forbindelserne til kunstnere går også på kryds og tværs. Anne Truitt var vigtig for mig, da jeg var en ung kunstner på Yaddo. Melissa Meyer var der også den sommer [1983]. Erin Lawlor var min studiekammerat på The Rothko Centre i Letland. Jose Heerkens var på Rothko Centre samtidig med os [2016]. Kara Walker var studerende, da jeg underviste på The Atlanta College of Art, og Kara og jeg udstillede på den samme Atlanta Biennial i 1992. Så er der de andre kunstnere - forfattere og dramatikere. Hayden Herrera [biograf for Frida Kahlo og Arshile Gorky] var min mentor som kunstskribent. Chris Kraus [I Love Dick] og jeg var på Yaddo sammen ... jeg var nær ven med dramatikeren Ronald Tavel [Theatre of the Ridiculous]. Han var manuskriptforfatter for Warhol ... Jeg håber ikke, at jeg har forvirret dig med dette yderligere svar."

Deanna Sirlin - Undren, 2015. Mixed media på lærred. 127 x 106.7 cm

Brenda Zappitell

“Da jeg først begyndte at male, var jeg stærkest påvirket af Picasso. Jeg var tiltrukket af hans brug af farver og hans måde at skabe mærker på, især i “Pige foran et spejl” (1932). Senere, da jeg begyndte at male mere i en abstrakt ekspressionistisk stil, blev jeg mere tiltrukket af Joan Mitchell og Willem De Kooning. Jeg begyndte dog først for alvor at se på deres værker, efter at jeg malede på denne måde, ikke før.”

Brenda Zappitell - I øjeblikket, 2017. Flashe og akryl med kold voks på panel. 127 x 127 cm

Daniel Göttin

I et interview fra 2006 til Minus Space NY spurgte maleren Chris Ashley Göttin, hvor han begynder som kunstner. Göttin svarede:

Kunsthistorien foregiver nogle gange, at en bestemt kunstretning er en fuldstændig enhed. At bruge betegnelsen “konkret” falder ikke nødvendigvis sammen med den ideologiske baggrund for Konkrete Kunst, som også var baseret på idéer om samfund og politik. Min bekymring handler om en enhed, der også kan rumme modsætninger - et ja og et nej og endda et måske. Mit udgangspunkt er en syntese af forskellige synspunkter eller positioner på samme tid, hvilket for mig er et rumligt syn. Det kan være åbenlyst eller subtilt, symmetrisk eller asymmetrisk eller begge dele på én gang, med eller uden modsætning. Det kan være regel og afvigelse på samme tid. Nogle af de tidligere værker, jeg lavede, var collager relateret til Kurt Schwitters' arbejde (Merz), med tilfældigt fundet materiale groft limet fast på et stykke pap - fysisk, direkte, improviseret, tilfældigt, farverigt, endda dadaistisk. Senere blev jeg interesseret i minimal art, hvor kunstværket ofte er præcist planlagt og perfekt og tydeligt konstrueret med en defineret brug af materialer og opmærksomhed på detaljer. Begge retninger er vigtige for mig, og nogle gange ser jeg mit arbejde bære dele af begge, som et mellemled mellem de to kunsthistoriske positioner.

Daniel Göttin - Untitled 2 (Pink), 1992. Akryl på pavatex. 97 x 58.5 x 3 cm

Gary Paller

"Det er ret svært at forstå ens påvirkninger, i hvert fald for mig, da jeg hovedsageligt arbejder ud fra intuition og ikke så meget bevidsthed. Jeg tror, at mine formative år som kunststuderende på UCLA (BA 74, MFA 77) udgjorde en stor del af den, jeg er. Dengang var UCLA i høj grad en malerskole med en europæisk/modernistisk hældning. Til min første maleklasse var jeg tilmeldt det indledende malekursus med Richard Diebenkorn (jeg havde ingen anelse om, hvem han var), men han og fakultetsledelsen havde nogle problemer, og hans stilling blev opsagt, før kurset begyndte. Så jeg studerede hos Richard Joseph, en nyrealist, som gav mig et solidt fundament. Det var først seks måneder senere, da jeg arbejdede i en mere avanceret maleklasse med Charles Garabedian, at jeg begyndte at eksperimentere med abstraktion. Gennem årene var den professor, der sandsynligvis havde størst indflydelse på mig, William Brice. Bill var en meget velformuleret, værdig, generøs, eftertænksom og morsom lærer og ven. Som hårdtarbejdende og produktiv kunstner talte han ofte om nødvendigheden af at tilbringe tid i atelieret med at arbejde sig gennem tingene, og at alt andet er mindre vigtigt. Jeg tænker ofte på ham og føler mig så heldig at have kendt ham i lang tid. Det tog dog en del år at frigøre mig fra idéen om at være studerende og fra at høre lydene af mine gamle professorer i hovedet, hver gang jeg malede, men med tiden har jeg opnået en klar fornemmelse af, hvem jeg er, og hvilket ansvar jeg har for at skabe værker, der opfylder min vision. Jeg ser ofte aspekter af andre kunstnere i mit arbejde, nogle gange med en følelse af, at der virkelig er en forbindelse via de samme idéer, og andre gange virker det blot, som om enhver lighed er overfladisk. I sidste ende må kunstskribenterne tale om påvirkningerne."

Gary Paller - 9 (2015), 2015. Blæk på papir. 37.8 x 29 cm

Tracey Adams

"Michael Mazur (1935-2009) var min lærer i grafik for 25 år siden. Vi mødtes første gang, da jeg boede på Fine Arts Work Center i Provincetown, hvor Michael underviste i et ugelangt kursus i grafik. Mange ting står klart fra vores første kontakt: Michael var en utrolig empatisk og socialt bevidst person, ikke kun i sit valgte motiv (tegninger og tryk af lidende patienter på et psykiatrisk hospital og dyr bag tremmer i en zoologisk have), men også i vores en-til-en-samtaler om livet. Han lærte mig gennem sit eksempel at være generøs som en måde at skabe balance i atelierets selvoptagethed. Der var intet ved hans teknik eller bestræbelserne på at gøre karriere inden for kunsten, som Michael ikke ville dele. Michael tilbragte tid i Kina i slutningen af 80’erne, og det var gennem hans kærlighed til det asiatiske landskab, at jeg lærte at forenkle mine bevægelser og male med en økonomi i udtrykket, noget jeg holder meget af. Jeg vil aldrig glemme hans humor, når han sagde til mig: “Tracey, dette er ungepatchke!”, et jiddisch ord, der betyder for overfyldt og dekoreret."

Tracey Adams - Balancing Act 2, 2016. Gouache, grafit og blæk på rives. 66 x 50.8 cm

Kyong Lee

Lee nævner som sin første inspiration en akvarel af Paul Cezanne, som hun så, da hun var 11 år, og som gjorde “et uforglemmeligt indtryk”. Hun fortsætter:

"Min professor, Klaus Stümpel, var så tæt på naturen, at han næsten fik tilnavnet »en bonde«. Han anbefalede mig at studere Frantisek Kupka. Jeg studerede hans proces med at blive abstrakt samt hans kosmiske og mystiske perspektiv. Frem for alt lærte jeg mere end noget andet om hans kærlighed til livet og hans vilje til at fastholde sine tanker. Da jeg vendte tilbage til Korea, tænkte jeg igen på Kandinsky. Jeg mener, at hans ønske om at finde en objektiv, universel sandhed i kunsten er en umulig udfordring. Jeg mener, at kunst først og fremmest er subjektiv og personlig. Når jeg søger ind i mit dybeste indre, kan jeg kommunikere med andres indre. Jeg mener, at kunst kan være et medium, der forbinder mikrokosmos (mennesket) og makrokosmos (verden). Især farve er genstand for min forskning. Jeg leder efter farven som adjektiv. Jeg kan godt lide Richters holdning til arbejdet, hans passion for maleriet og eksperimenteringens ånd. Måske On Kawara? Jeg kan godt lide hans værker, som han ønskede at bevise var levende, og jeg ønsker gennem mit daglige arbejde at bevise over for mig selv, at jeg stadig er levende, følelsesmæssigt og sanseligt. Mine tanker om Wassily Kandinsky og mange andre minimalister er meget anderledes end det almindelige perspektiv. Jeg er ikke enig i deres kunstneriske synspunkt."

Kyong Lee - Billede med hvidt, 2008. Akryl på lærred, 150 x 200 cm

Joanne Freeman

Freeman nævner som inspirationskilder kunstnere (Ellsworth Kelly, Carla Accardi, Henri Matisse, Paul Feeley, Morris Louis, Barnett Newman og Andy Warhol), designere (Saul Bass og Roy Kuhlman) og arkitekter (Le Corbusier). Men hun fortæller også om de personlige måder, hvorpå kulturen har påvirket hendes kunst, som i følgende anekdote:

"Min fars virksomhed lavede skilte. Som de fleste børn i amerikanske storbyer voksede jeg op på bagsædet af en bil, hyperbevidst om reklametavler og neon. Opmærksomhedsskabende, direkte visuel stimulering var en del af min psyke. For nylig besøgte jeg MoMA i New York og blev igen slået af Barnett Newmans maleri »Vir Heroicus Sublimis« (Mennesket, heroisk og sublimt) (1950-51). Min viscerale reaktion på dets kraft, umiddelbarhed og enkelhed var overvældende og bekræftede min egen visuelle fortid og identitet."

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache på håndlavet khadi-papir. 33.1 x 33.1 cm

Brent Hallard

"For mig var det Mondrian. De abstrakte kunstnere på den tid arbejdede mere konceptuelt med abstraktion, hvilket vil sige, at de kunne lide idéen om den, mens Mondrian arbejdede baglæns gennem mekanikken og kom ud på den anden side med en genopfindelse af billedplanet. Ikke mange har gjort det siden. Derefter begyndte jeg at tænke på, at der måtte være flere måder at trænge ind i dette mærkelige rum på, som Mondrian havde så godt greb om. [Ellsworth] Kelly og [Robert] Mangold viste andre måder at udtrykke dette »andet« rum på. Disse kunstneres erfaringer gav mig plads til virkelig at værdsætte mine jævnaldrendes bestræbelser og stræbe efter at komme igennem den næste konvolut."

Brent Hallard - Skyer, 2013. Akryl på papir. 25.4 x 35.6 cm

Audrey Stone

"Jeg har elsket og ofte tænkt på Vija Celmins' værker. Hendes intense iagttagelse og rolige udførelse er meget inspirerende for mig. Louise Bourgeois har altid inspireret mig med sin beslutsomhed om at udtrykke sig i det bedste medium til sine idéer. En mere åbenlys inspiration ville være Agnes Martin; jeg elsker hendes selvsikre tilbageholdenhed, og Mark Rothko på grund af den følelsesmæssige gennemslagskraft, hans værker kan frembringe."

Audrey Stone -Nb. 61, 2011. Tråd, blæk og grafit på papir. 43.2 x 35.6 cm

Pierre Auville

Auville nævner de tyske blokhuse fra Anden Verdenskrig, der ligger langs den franske Atlanterhavskyst. Han siger: “De fleste betragter dem som grimme ar. I mine øjne var deres substans en del af landskabet; tiden smeltede dem sammen med sandet, klitterne og havet eller med de malerier, som gadekunstnere lavede på dem.” Derudover blev Auville påvirket af denne oplevelse fra sin ungdom:

"Da jeg var seks eller syv år, havde jeg det privilegium at besøge Lascaux-grotten i det sydvestlige Frankrig. Det var et chok for mig. Mine forældre købte nogle faksimiler som souvenirs, og jeg tilbragte timer med at se på dem i kælderen i vores hus, mens jeg spekulerede over, hvad der gjorde forskellen mellem billederne og det ægte kunstværk. Forskellen var tydelig, men jeg havde svært ved at finde ud af, hvad den bestod i. Jeg tændte og slukkede lyset, klistrede sand på billederne i et forsøg på at efterligne Lascaux-maleriernes substans, men nåede aldrig frem til det, jeg mente var deres sjæl."

Pierre Auville - 4 Carrés, 2014. Pigmenteret cement på skumpaneler. Bærende og ophængt ramme på bagsiden. 120 x 120 x 6 cm

Luuk de Haan

De Haan nævner påvirkninger lige fra kunstnere (Piet Mondriaan, Kazimir Malevich, El Lissitzky, Andy Warhol, Ellsworth Kelly) til albumdesignere (Hipgnosis, Peter Saville) og musikere (Steve Reich, Terry Riley, Morton Feldman, Brian Eno). Han siger:

"I årene før min pubertet fik Piet Mondriaans visuelle sprog stor opmærksomhed i Nederlandene. Jeg var for ung til at tænke i kunstneriske termer, men Mondriaan var bare der, og det var fascinerende. Og det er det stadig! Lidt senere lærte jeg suprematisterne at kende, som ligesom jeg tog geometriske former som udgangspunkt. Fordi mine søstre er omkring fem år ældre end mig, opdagede jeg tidligt i mine teenageår ‘progressiv’ musik og det tilhørende coverdesign via deres kærester. Ikke overraskende ville jeg gerne blive coverdesigner. Hvis jeg skulle vælge én billedkunstner, der ændrede min måde at se tingene på, ville det være Ellsworth Kelly. I midten af 80'erne købte Stedelijk Museum i Amsterdam “Blue Curve VI” (1982). Jeg tog regelmæssigt derhen for at se på det og studerede det visuelle sprog. Men nu, måske endnu vigtigere, lader jeg mig også lede af min egen reaktion på kunst ... Jeg begyndte at tænke over kunst ... formålet, betydningen, åh gud."

Luuk De Haan - Diaphanous Dance 9, 2013. Ultrachrome HD-blæk på Hahnemühle-papir. 29.7 x 21 cm

Brenda Biondo

"Josef Albers' undervisning påvirker, hvordan jeg tænker på at placere farver i forskellige sammenhænge. Og James Turrells skyspaces påvirkede, hvordan jeg tænker på at placere atmosfæriske farver i forskellige sammenhænge. Generelt er den overordnede æstetik i mine serier Paper Skies og Moving Pictures stærkt påvirket af moderne amerikanske malere som Georgia O'Keeffe, Mark Rothko, Barnett Newman, Ellsworth Kelly, Frank Stella osv."

Brenda Biondo -Paper Sky no. 21 (Large), 2015. Dye-sublimationsprint på aluminium (mat/blank overflade). 83.8 x 96.5 cm

Pierre Muckensturm

"For mere end 20 år siden opdagede jeg Ronchamp-kapellet, et sent værk af arkitekten Charles Edouard Jeanneret, kendt som Le Corbusier. Hverken før eller siden har jeg haft en sådan oplevelse af det rette forhold mellem massivitet og højde. Derefter begyndte denne lange søgen for mig, som stadig nærer mig i dag, med det formål at nærme mig det mest passende forhold mellem fyldt og tomt."

Pierre Muckensturm - 17.1, 2017. Carborundum og koldnålsradering på kobber. Tryk på bfk rives-papir 250 G. 56 x 56 cm

Jessica Snow

"Jeg vil gerne tale om den kunstner, der har inspireret mig i årtier, mere end nogen anden kunstner: Matisse, en kunstner, man kunne studere hele livet. Hans arbejde tog så mange retninger på grund af hans eksperimenteren og undersøgelse af nye muligheder med maleriet. De er smukke, opløftende, komplekse, til tider dejlige og fredfyldte, til tider vanskelige og udfordrende - en afspejling af, hvordan livet er."

Jessica Snow - Fling 1, 2015. Akvarel på papir. 31.8 x 31.8 cm

Susan Cantrick

I stedet for at opremse sine inspirationskilder nævner Cantrick de kunstnere, hvis værker interesserer hende mest, uanset om der er nogen direkte forbindelse til hendes eget arbejde. Hendes korte liste over moderne og samtidskunst:

"Shirley Jaffe, Thomas Noskowzki, Amy Sillman, Charlene von Heyl, Richard Diebenkorn, Juan Uslé og Per Kirkeby. Det er en eklektisk og ikke udtømmende liste, men det, de har til fælles, er klarhed, kompleksitet og vitalitet – som er mine egne fokuspunkter – udtrykt gennem stærk farve og struktur, særskilte former og et lavt billedrum. Hvad angår de førmoderne, står Vermeer, Degas og Manet øverst på min liste, igen på grund af denne trio af egenskaber: klarhed, kompleksitet, vitalitet. Desuden formidler spændtheden i Vermeers solide gengivelse en utroligt håndgribelig stilhed – tidens suspension. Degas' særlige måde at punktere sit rum med "tavse", uanimerede områder og/eller et stærkt vertikalt element på fremmer en langvarig, rytmisk betragtning. Og hos Manet er der en umiddelbarhed og friskhed, som, bortset fra alt det øvrige mesterskab, i sin bedste form er fængslende."

Susan Cantrick -sbc 141, 2012. Akryl på lærred. 100 x 100 cm

Anne Russinof

"I mit tilfælde var jeg ikke påvirket af én bestemt kunstner, men snarere af det kunstneriske miljø, hvor jeg voksede op i Chicago. Der var kunstnere overalt i mit nabolag, der blev kaldt Lincoln Park-området eller Old Town, og da jeg som præteenagealder viste interesse for at tegne, blev jeg opfordret til at gå på den skole, der var tilknyttet det vidunderlige Art Institute of Chicago, for at tegne efter model. Der fik jeg mulighed for at gå direkte gennem museet med dets berømte impressionistiske samling for at komme ind på skolen. Jeg tror grundlæggende, at det formede min interesse for linje, gestus og farve."

Anne Russinof - Look See, 2014. Olie på lærred. 76 x 76 cm

Macyn Bolt

"Min kunstneriske arv findes hos kunstnere, der kombinerer en "reduktiv" tilgang til at skabe billeder/objekter med opmærksomhed på overflade og subtile detaljer. Brice Marden, Imi Knoebel, David Novros og Sol Lewitt kommer mig i hu. Desuden fortsætter Richard Serras, Carl Andres og Fred Sandbacks skulpturelle arbejde, med deres særlige anvendelse af tredimensionelt rum, med at inspirere min tilgang til maleriet."

Macyn Bolt- Shadow Boxer (B.2), 2015. Akryl på lærred. 122 x 96.9 cm

Kilder

• Triptykonen Jordiske fornøjelser, Museo Nacional del Prado: Understøtter beskrivelsen af triptykonens paneler med Paradiset, jordiske fornøjelser og Helvede.