At få det meste i den simpleste form - Anne Truitt hos Matthew Marks

En sjælden udstilling af malerier af Anne Truitt er i øjeblikket udstillet i Matthew Marks Gallery i New York. Truitt (1921 – 2004) er mest kendt for sine skulpturer, eller strukturer som de oftest kaldes. Dette er den første store amerikanske udstilling af hendes malerier siden 1970'erne—kun to af de 11 værker, der er udstillet, har været vist offentligt før. Det er en fantastisk mulighed for nutidige seere at genoverveje Truitt—hendes strukturer, hendes tegninger og hendes malerier. De subtile håndmalede linjer i disse todimensionale værker fremkalder modstridende følelser af både ensomhed og håb. De upræcise, maleriske former, der er lige en smule ude af balance, føles mærkeligt menneskelige: fejlbehæftede men selvsikre, så forskellige fra hvis hun havde lavet dem som rene hårde kantede geometriske former. Farverelationerne i disse malerier synes at få ny betydning, der skubber mig til at gå tilbage og se igen på farverelationerne i hendes strukturer. I mellemtiden giver formerne af overfladerne—nogle høje og vertikale, andre horisontale og lange, andre perfekt firkantede—kompositionerne en rig variation af karakter. Fyldt med personlighed og følelser minder disse malerier mig om, at Truitt og hendes værk alt for ofte er blevet misforstået. I 1960'erne blev hun kaldt en proto-Minimalist af New Yorks kunstverden, epitomiseret af Clement Greenberg og Donald Judd. Men Truitt så ikke sit arbejde på den måde. Hun så det som en vej mod ekspressionisme. Hun sagde: "Jeg har kæmpet hele mit liv for at få maksimal mening i den simpleste mulige form." Efter at have set værker af Ad Reinhardt og Barnett Newman på Guggenheim i 1961, fik hun en åbenbaring om, at hun kunne pakke nok farve og rum ind i et kunstværk, så hun måske endelig kunne udtrykke uendeligheden og dybden af sine inderste følelser. Efter at have oversat den åbenbaring til fysisk form, beskrev hun "den skarpe glæde ved at se, hvad der har været inde i ens egen mest intime selv, materialisere sig til synlighed."

Misforståelsens Historie

Historien om, hvordan Truitt er blevet misforstået af kritikere, går tilbage til hendes første solo-udstilling, som fandt sted i februar 1963 i André Emmerich Gallery i New York. Den indeholdt seks håndmalede, rektangulære poplarstrukturer. Hver struktur blev designet af Truitt og derefter bygget af råtræ af en snedker. Truitt påførte derefter malingen og skabte abstrakte mønstre på formerne og sørgede for at efterlade synlige penselstræk. For Truitt var forholdet mellem formerne, farverne og de materielle kvaliteter beregnet til at fremkalde følelser og igangsætte en søgen efter mening. Men placeringen af værkerne i udstillingen forstyrrede disse intentioner. Placeringen var åbenlyst ikke udført af Truitt, men af Kenneth Noland, som også var repræsenteret af galleriet, og Clement Greenberg. De angiveligt ikke spurgte Truitt om hendes input, mens de planlagde udstillingen, og foreslog endda, at hun skulle fjerne sit fornavn fra markedsføringen, så folk ikke ville vide, hvilket køn hun havde.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Akryl på lærred. 96 x 8 1/2 tommer. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Venligst Matthew Marks Gallery, New York

I fotografierne ser strukturerne imponerende og overfyldte ud, pakket sammen i et rum med lavt loft, i nogle tilfælde placeret mod en væg. De fremstår mere som dele af en musefælde end unikke kunstværker. At inkludere færre værker eller sprede værkerne ud i et større rum ville have givet hver struktur mulighed for fuldt ud at udtrykke sine bekymringer. I stedet blev værkerne tolket som meningsløse og anonyme udbrud af Minimalisme. Det var præcis, hvordan drengeklubben ønskede det. Judd havde udstillet sine første minimale strukturer blot måneder tidligere i en gruppeudstilling i det samme galleri. Og det var i hans essay om Truitt-udstillingen, at Clement Greenberg først fejlagtigt hævdede, at hendes arbejde "forudså Minimalisme." Som med næsten alt, hvad disse mænd gjorde og sagde, handlede det ikke om Truitt, men om dem selv. De tvang Truitt ind i en falsk kritisk boks, så de kunne positionere sig selv som de centrale fortolkere af den lineære udfoldelse af kunsthistorien, som var domineret af hvide mænd. Siden da har seerne været forvirrede over Truitt og intentionerne med hendes arbejde.

Anne Truitt - Druid, 1992. Akryl på lærred. 20 x 120 tommer. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Venligst Matthew Marks Gallery, New York

Opdag den ægte Truitt

Desværre er mange kunstkritikere ikke bedre i dag. Denne udstilling af Truitt-malerier på Matthew Marks Gallery kommer lige efter en anden stor udstilling kaldet In The Tower: Anne Truitt, som lukkede i april 2018 på National Gallery of Art i Washington, DC. Den udstilling fokuserede på et udvalg af Truitt-værker, som for nylig var blevet erhvervet af museet. Blandt de udstillede værker var den hjemsøgte gule og hvide vertikale struktur "Mary’s Light" (1962) og den overjordiske, horisontale, duo-tonede blå "Parva XII" (1977). Disse værker i særdeleshed summer af nuancer og visuel poesi. Malingen efterligner stemmerne fra formerne; farverelationerne konspirerer både med og imod tyngdekraften. En opmærksom observatør kunne nemt bringes til tårer af deres følelsesmæssige kraft - det starter i øjet, men rejser sig hurtigt til sindet og hjertet.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Akryl på lærred. 48 1/4 x 48 1/8 tommer. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Venligst Matthew Marks Gallery, New York

Men som i dagene med Greenberg og Judd, nedtonede den mest indflydelsesrige skribent, der dækkede det show—Philip Kennicott fra Washington Post, en Pulitzer Prize-vinder—Truitt i stedet for at give hendes arbejde den anerkendelse, det fortjente. Kennicott fokuserede mest på det private liv, Truitt levede. Han kom med smålige kommentarer om de sociale kredse, hun eksisterede i, og det sladder, der svømmede omkring dem. Han nævnte knap nok kunsten, og når han gjorde, var det ikke kritisk: tag for eksempel hans outrageous og åbenlyst stødende bemærkning om, at et udvalg af Truitt-skulpturer "står adskilt fra hinanden med en vis WASP-agtig tilbageholdenhed." Hvad betyder det overhovedet? Uanset hvad, siger det mere om skribenten end om kunsten. Anne Truitt: Malerier hos Matthew Marks er en chance for at starte forfra med det vigtige oeuvre, denne undervurderede kunstner skabte. Det tilbyder en indgang til nuancerne og kompleksiteterne, der informerede alt det andet arbejde, hun gjorde. Hvis du har chancen for at se det, så tag kun dette råd: ignorer kritikerne og lad arbejdet tale for sig selv. Anne Truitt Malerier er udstillet i Matthew Marks Gallery New York indtil 27. oktober 2018.

Fremhævet billede: Anne Truitt - Brunt, 1974. Akryl på lærred. 19 x 92 tommer. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Venligst Matthew Marks Gallery, New York
Af Phillip Barcio