At få det meste i den simpleste form - Anne Truitt hos Matthew Marks

En sjælden udstilling af malerier af Anne Truitt kan i øjeblikket ses på Matthew Marks Gallery i New York. Truitt (1921 – 2004) er mest kendt for sine skulpturer, eller strukturer som de oftest kaldes. Dette er den første store amerikanske udstilling af hendes malerier siden 1970’erne—kun to af de 11 værker, der vises, har tidligere været offentligt udstillet. Det er en enestående mulighed for nutidens beskuere at genoverveje Truitt—hendes strukturer, hendes tegninger og hendes malerier i lige grad. De subtile håndmalede linjer i disse todimensionelle værker fremkalder modsatrettede følelser af både ensomhed og håb. De upræcise, maleriske former, blot en smule ude af balance, føles mærkeligt menneskelige: fejlbehæftede men selvsikre, så forskellige fra hvis hun havde lavet dem som rene, skarpe geometriske former. Farveforholdene i disse malerier synes at få ny betydning, og får mig til at gå tilbage og se igen på farveforholdene i hendes strukturer. Imens giver overfladernes former—nogle høje og lodrette, andre vandrette og lange, andre helt kvadratiske—kompositionerne en rig variation af karakter. Fuld af personlighed og følelse minder disse malerier mig om, at Truitt og hendes værk alt for ofte er blevet misforstået. I 1960’erne blev hun kaldt en proto-minimalist af New Yorks kunstverdens drengeklub, repræsenteret ved Clement Greenberg og Donald Judd. Men Truitt så ikke sit arbejde sådan. Hun så det som en vej mod ekspressionisme. Hun sagde: ”Jeg har kæmpet hele mit liv for at opnå maksimal mening i den simpleste mulige form.” Efter at have set værker af Ad Reinhardt og Barnett Newman på Guggenheim i 1961, fik hun en åbenbaring om, at hun kunne pakke nok farve og rum ind i et kunstværk til måske endelig at udtrykke vidderne og dybden af sine inderste følelser. Efter at have omsat denne erkendelse til fysisk form beskrev hun ”den skarpe glæde ved at se det, der har været inde i ens egen mest intime selv, materialisere sig til synlighed.”

Historien om Misforståelsen

Historien om, hvordan Truitt er blevet misforstået af kritikere, går tilbage til hendes første soloudstilling, som fandt sted i februar 1963 på André Emmerich Gallery i New York. Den viste seks håndmalede, rektangulære poppelstrukturer. Hver struktur var designet af Truitt og derefter bygget af råt træ af en møbelsnedker. Truitt påførte derefter malingen, skabte abstrakte mønstre på formene og sørgede for at lade penselstrøgene være synlige. For Truitt var forholdet mellem formene, farverne og materialernes egenskaber ment til at vække følelser og sætte gang i en søgen efter mening. Men placeringen af værkerne i udstillingen forstyrrede disse intentioner. Placeringen var tydeligvis ikke udført af Truitt, men af Kenneth Noland, som også var repræsenteret af galleriet, og Clement Greenberg. De spurgte angiveligt ikke Truitt om hendes mening under planlægningen af udstillingen og foreslog endda, at hun skulle fjerne sit fornavn fra markedsføringen, så folk ikke kunne se hendes køn.

Anne Truitt - Prodigal, 1986. Akryl på lærred. 96 x 8 1/2 tommer. 244 x 22 cm. © Anne Truitt. Venligst Matthew Marks Gallery, New York

På fotografier ser strukturerne påtrængende og sammenpressede ud, pakket sammen i et rum med lavt loft, i nogle tilfælde placeret op ad en væg. De fremstår mere som dele af en musefælde end som unikke kunstværker. At inkludere færre værker eller sprede dem ud i et større rum ville have givet hver struktur mulighed for fuldt ud at udtrykke sine hensigter. I stedet blev værkerne tolket som meningsløse og anonyme udbrud af minimalisme. Det var præcis, hvad drengeklubben ønskede. Judd havde udstillet sine første minimale strukturer blot måneder tidligere i en gruppeudstilling i samme galleri. Og det var i hans essay om Truitt-udstillingen, at Clement Greenberg fejlagtigt hævdede, at hendes arbejde ”forudså minimalismen.” Som med næsten alt, hvad disse mænd gjorde og sagde, handlede det ikke om Truitt, men om dem selv. De pressede Truitt ind i en falsk kritisk kasse, så de kunne positionere sig som de centrale fortolkere af kunsthistoriens lineære udvikling, domineret af hvide mænd. Siden da har beskuere været forvirrede over Truitt og hensigten med hendes arbejde.

Anne Truitt - Druid, 1992. Akryl på lærred. 20 x 120 tommer. 51 x 305 cm. © Anne Truitt. Venligst Matthew Marks Gallery, New York

Opdag den Ægte Truitt

Desværre er mange kunstkritikere ikke bedre i dag. Denne udstilling af Truitt-malerier på Matthew Marks Gallery kommer lige i kølvandet på en anden stor udstilling kaldet In The Tower: Anne Truitt, som lukkede i april 2018 på National Gallery of Art i Washington, DC. Den udstilling fokuserede på et udvalg af Truitt-værker, som museet for nylig havde erhvervet. Blandt de viste værker var den hjemsøgte gule og hvide lodrette struktur ”Mary’s Light” (1962) og den andenverdslige, vandrette, toblå ”Parva XII” (1977). Disse værker summer især af nuancer og visuel poesi. Malingen efterligner formenes stemmer; farveforholdene samvirker både med og imod tyngdekraften. En opmærksom betragter kunne let blive rørt til tårer af deres følelsesmæssige kraft—det starter i øjet, men bevæger sig hurtigt til sindet og hjertet.

Anne Truitt - Envoi, 1989. Akryl på lærred. 48 1/4 x 48 1/8 tommer. 123 x 122 cm. © Anne Truitt. Venligst Matthew Marks Gallery, New York

Men som i Greenbergs og Judds dage nedtonede den mest indflydelsesrige skribent, der dækkede den udstilling—Philip Kennicott fra Washington Post, Pulitzer-prisvinder—Truitt i stedet for at give hendes arbejde den anerkendelse, det fortjener. Kennicott fokuserede mest på det private liv, Truitt levede. Han kom med smålige kommentarer om de sociale kredse, hun bevægede sig i, og sladderen, der drev rundt om dem. Han nævnte næsten ikke kunsten, og når han gjorde, var det ikke kritisk: tag for eksempel hans grove og åbenlyst krænkende bemærkning om, at et udvalg af Truitts skulpturer ”står adskilt fra hinanden med en vis WASP-agtig tilbageholdenhed.” Hvad betyder det overhovedet? Under alle omstændigheder siger det mere om skribenten end om kunsten. Anne Truitt: Paintings på Matthew Marks er en chance for at begynde forfra med det vigtige værk, denne undervurderede kunstner skabte. Det giver en indgang til de nuancer og indviklinger, der prægede alt det andet arbejde, hun lavede. Hvis du får chancen for at se det, så tag kun dette råd: ignorer kritikerne og lad værkerne tale for sig selv. Anne Truitt Paintings kan ses på Matthew Marks Gallery i New York til og med 27. oktober 2018.

Forsidebillede: Anne Truitt - Brunt, 1974. Akryl på lærred. 19 x 92 tommer. 48 x 234 cm. © Anne Truitt. Venligst Matthew Marks Gallery, New York
Af Phillip Barcio