En ny bog fejrer Alice Trumbull Mason, pioner inden for amerikansk abstraktion
Alice Trumbull Mason var en sjældenhed inden for kunstfeltet: en ihærdig udøver, drevet udelukkende af ønsket om at lære. Mason døde i 1971, 67 år gammel, og efterlod sig hundredvis af malerier og tryk, der placerer hende blandt de mest fremsynede og talentfulde kunstnere i sin tid. Immun over for tendenser og utrætteligt dedikeret til eksperimenter skabte hun et værk, der overskrider tid. En stor monografi, der dokumenterer mere end 150 af hendes malerier og indeholder indsigtsfulde essays om Mason af samtidige kunstskribenter som Elisa Wouk Almino fra Hyperallergic, udgives snart af Rizzoli Electa forlag i New York (den kan forudbestilles nu). Den mest fuldstændige vurdering af hendes karriere til dato, den vil blive værdsat for sine smukke, helsides gengivelser af så mange af hendes værker. Alligevel er den modtagelse, bogen allerede får, en smule mærkelig. Mærkværdigheden kommer til udtryk i overskriften på en nylig anmeldelse skrevet af Roberta Smith for New York Times, som kalder Mason en "Glemt Modernist." Den påstand, at Mason ikke blev værdsat i sin tid, eller er blevet ignoreret siden hendes død, er mindre fakta og mere overdrivelse for at nære kunstmarkedets appetit på værker og kunstnere, der angiveligt er blevet "overset." Jeg afviser det som en teori i dette tilfælde, fordi jeg kender alt for mange faktiske kunstnere, der eksisterer i det virkelige kunstfelt. De fleste kunstnere ville elske at have den karriere, Alice Trumbull Mason havde. I løbet af fire årtier havde hun seks soloudstillinger i New York City, var medstifter af American Abstract Artists, blev venner med og lærte af flere af de mest anerkendte kunstnere i sin tid og solgte værker til nogle af de mest indflydelsesrige personer i kunstverdenen, herunder Hilla Rebay og Peggy Guggenheim. I en virkelighed, hvor langt de fleste kunstnere aldrig har en eneste soloudstilling i New York og aldrig sælger et eneste maleri, var Mason en stor succes. I stedet for at lade kunstmarkedet forvride hendes arv for at passe til sin korrupte fortælling, bør vi vise respekt for, hvad Mason faktisk gjorde.
En personlig kunsthistorie
Et vidnesbyrd om den slags kunstner Alice Trumbull Mason var, findes i Smithsonian Archives of American Art, hvor hendes personlige papirer blev doneret. Samlingen indeholder en notesbog, på hvis omslag Mason håndskrev "Kunsthistorie." Inde i siderne (som kan bladres igennem online) findes personlige refleksioner over livet og kunstværkerne af et par dusin klassiske mestre. I stedet for blot at læse og gengive kunsthistorie rejste Mason til Europa og besøgte personligt indflydelsesrige værker, og tog sig tid til også at lære om de mennesker, der skabte dem. Hendes personlige kunsthistoriebog indeholder både plastiske observationer og indsigter om kunstnernes indre liv. Begge dele er lige afslørende. For eksempel bemærker hun, at Michelangelo ikke ønskede at male Det Sixtinske Kapel, og at han også hadede mange af sine andre mæcener. Det faktum, at han blev en af de mest berømte kunstnere nogensinde, var uden betydning for Mason – hun var mere interesseret i, at han var ulykkelig, fordi han ikke havde frihed til at male, hvad han ønskede.
Alice Trumbull Mason - #1 Mod et paradoks, 1969. Olie på lærred. 48,3 x 55,9 cm. Washburn Gallery, New York.
Om emnet kunstens plasticitet bemærker Mason et citat af renæssanceskulptøren Donatello, som sagde: "Du mister substansen for skyggen." I hans tilfælde talte Donatello om virkningerne af markante ændringer i lys og mørke, kendt som chiaroscuro. Selvom detaljerne i en figur kan gå tabt, når lyset rammer folderne i et skulptureret stof eller rillerne i skulpturerede muskler, opstår drama og realisme ud fra den opfattede dybdefornemmelse, som skyggen skaber. Mason læste noget endnu mere dybt i hans ord. Hun så i dette citat en henvisning til abstraktionens potentiale. Skyggen blev en metafor for det ukendte. Ligesom det ukendte fik en skulptur til at virke virkelig for Donatello, repræsenterede det ukendte det mest virkelige for Mason. Hun betragtede abstrakt kunst som den mest repræsentative slags kunst – det var det ukendte, i stedet for det kendte, hun arbejdede på at gengive.
Alice Trumbull Mason - Uden titel, ca. 1939. Olie på lærred. 76,2 x 101,6 cm. Washburn Gallery, New York.
En fuldstændig pioner
biomorfisme hos kunstnere som Wassily Kandinsky, Joan Miró og en af hendes personlige mentorer, Arshile Gorky, og den geometriske, plastiske renhed hos kunstnere som Piet Mondrian. Hun vekslede mellem disse to positioner gennem hele sit liv. I 1945, da Hilla Rebay arrangerede Kandinsky Mindesmærkeudstillingen, som viste 227 malerier, skrev Mason et personligt brev til Rebay og takkede hende for at give hende chancen for "at studere så fuldt ud" så meget af hans arbejde personligt. Alligevel, kun et år senere, tilføjede Mason allerede rektangler og det, hun kaldte "arkitektonisk" struktur, til sine kompositioner i Neo-Plastic-ånden fra Mondrian.
Alice Trumbull Mason - Tegning til "Colorstructive Abstraction", 1947. Olie på masonit. 67,3 x 58,4 cm. Washburn Gallery, New York.
Til syvende og sidst holdt Mason fast ved to ledende principper i sit arbejde, som overskyggede enhver overfladisk bekymring om indhold. Det første var hendes tro – uanset om hun lavede malerier eller tryk, biomorfe kompositioner eller geometriske – på vigtigheden af personlig frihed, når det gælder, hvilken kunst man skaber, og hvordan man skaber den. Og det andet var hendes bevidsthed om, at selve mediet er det vigtigste og mest udtryksfulde element i abstrakt kunst. Som alle store kunstnere ligger magien i hendes værker ikke i hendes udstillings-CV, ej heller i hendes auktionspriser eller i, hvor mange nutidige samlere der nu kender hendes navn – den ligger i den ekphrastiske plasticitet i selve malingen.
Forsidebillede: Alice Trumbull Mason - Stav, Distaff og Stang, 1952. Olie på lærred. 87,3 x 106,7 cm. Washburn Gallery, New York.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
