Abstrakte tilgange til moderne italiensk kunst

De fleste mennesker, der studerer historien om italiensk kunst, lærer om de klassiske mestre fra højrenæssancen og barokperioderne, såsom Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael og Caravaggio. Færre hører om moderne italienske kunstbevægelser som Arte Povera og spatialisme, eller nutidige italienske mestre som Ettore Spalletti. For at forstå den fulde historie om italiensk kunst er det essentielt at studere de mange måder, italienske kunstnere har bidraget til modernismen. Nogle italienske modernistiske bevægelser har været figurative i naturen, såsom Arte Nucleare, som konfronterede rædslerne ved atomkraft i kølvandet på Anden Verdenskrig, og Transavantgarde, en italiensk version af neo-ekspressionisme, der opstod i 1970'erne. Og mindst én italiensk modernistisk bevægelse, Novecento Italiano, var regressiv, idet den omfavnede fascisme og advokerede for en tilbagevenden til gamle, realistiske, klassiske stilarter. Men Italien har også været fødested for flere abstrakte modernistiske kunstbevægelser, der har været med til at forme internationale nutidige kunsttendenser på dybtgående måder. Selvom listen over kunstnere, der er knyttet til disse bevægelser, kan være for lang til at dække i én artikel, her er en begyndende introduktion til nogle af de nøgleabstrakte, moderne italienske kunstbevægelser og nogle af de kunstnere, der har været med til at definere dem.

Italiensk futurisme

På en landevej uden for Milano i 1909 kørte Filippo Tommaso Marinetti sin bil i grøften efter at have svinget for at undgå en cyklist. Marinetti blev rasende over hændelsen. Han hadede den langsomt bevægende cykel. Han var fanatisk omkring hastighed og magt og mente, at vejene burde tilhøre maskinerne i den nye tidsalder. Han var en del af den frække generation af unge italienske kunstnere, der snart ville blive kendt som futuristerne.

Efter sin bilulykke skrev Marinetti et essay, der blev offentliggjort i aviser i Italien og Frankrig. Det blev kendt som Futurist Manifestet, og det beskrev i passionerede detaljer den frustration, som disse unge kunstnere følte under historiens vægt. Det talte om ønsket om at “befri Italien fra dets gangræn af professorer, arkæologer, guider og antikvitetshandlere.” Det fremhævede mekanisk kraft, vold og krig og foreslog, at moderne kunstnere skulle omfavne den nye industrialiserede verden og ødelægge alle traditioner og institutioner fra fortiden.

Umberto Boccioni - Unikke former for kontinuitet i rummet, 1913, to udsigter

Italiensk futuristisk kunst

I deres kunst stræbte de italienske futurister efter at skildre bevægelse og hastighed. De skildrede kaosset i byen og visioner om en hurtigt og voldsomt foranderlig verden. Et centralt princip i italiensk futurisme var kendt som Dynamisme, eller den kombinerede oplevelse af hastighed, bevægelse og lyd. Giacomo Balla var en af mestrene i Dynamisme. Hans tidlige forsøg med teknikken var figurative, men hans stil blev hurtigt mere abstrakt, da han udviklede sig til at adressere Dynamisme gennem de formelle kvaliteter i maleri som farve, linje og form. Et centralt eksempel er maleriet Abstract Speed + Sound, fra 1914.

Umberto Boccioni var en anden futuristisk mester i dynamik. En dygtig maler, Boccioni skabte et af de mest berømte futuristiske malerier, kaldet The City Rises. Men over tid blev han interesseret i udfordringen ved at præsentere det, han kaldte "følge", eller følelsen af bevægelse gennem fysisk rum, i tredimensionelt rum. Han realiserede mest berømt dette mål i sin abstrakte skulptur Unique Forms of Continuity in Space, skabt i 1913.

Lucio Fontana - Spatial Concept, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Spatialisme

En generation efter futuristerne begyndte den næste store italienske abstrakte modernistiske kunstbevægelse, initieret af en kunstner ved navn Lucio Fontana. Oprindeligt fra Argentina var Fontana primært interesseret i at udtrykke rummets kvaliteter og essens. Han var fascineret af, hvordan form kunne optage rum, indeholde rum og åbne op for adgang til rum. Han omtales ofte som maler, da hans mest berømte værker hænger på væggen. Men Fontana blev oprindeligt uddannet som skulptør, og han betragtede sine såkaldte malerier som en udfordring af definitionen af todimensionel kunst.

I 1946 skrev han et essay kaldet Det Hvide Manifest, som åbent opfordrede til en afslutning på traditionelle definitioner af to- og tredimensionel kunst. I stedet opfordrede han til syntese i kunsten. I sit manifest beskrev Fontana, hvordan traditionelle "statiske" definitioner af kunst som maleri og skulptur ikke længere var tilstrækkelige for en tidsalder domineret af "det dynamiske princip for bevægelse gennem tid og rum." Gennem denne transformative synsvinkel skabte Fontana mange innovationer. Han lavede nogle af de første eksempler på installationskunst, og i slutningen af 1940'erne opnåede han den ultimative manifestation af sin tænkning, da han begyndte at bygge lærreder, som han derefter skar i med en kniv. Hans værk Concetto spaziale – Attesa, et monokromt rødt lærred med et enkelt knivsnit gennem midten, betragtes som essensen af Spatialistisk tanke, da det lykkes at skabe form ud af rum.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Dårlig kunst

En af de mest transformative abstrakte modernistiske kunstbevægelser i det 20. århundrede opstod i Italien i 1960'erne. Den blev kaldt Arte Povera, eller fattig kunst, på grund af tendensen hos dens udøvere til at stole på almindelige materialer og hverdagsmotiver. Bevægelsen voksede oprindeligt ud af modstand mod andre modernistiske kunsttendenser som Minimalisme, som lagde vægt på industrielle processer og forsøgte at fjerne kunstnerens personlighed fra værket. De kunstnere, der var forbundet med Arte Povera, ønskede at genforbinde kunsten med hverdagslivet.

For at forbinde sig med det almindelige, det banale og det dagligdags forsøgte disse kunstnere at skabe unikke øjeblikke af interaktion mellem de kunstobjekter, de lavede, og de seere, der mødte dem. De lavede kunst, der, selvom den var abstrakt, kommunikerede enkle direkte budskaber. De brugte letforståelige, naturlige, taktile, præ-industrielle materialer som reb, jord, stof og endda afføring. Midt i samtidige kunstbevægelser, der var dedikeret til at eliminere følelser og individualisme fra kunsten, understregede disse kunstnere vigtigheden af menneskeligheden hos både kunstneren og seeren og inviterede åbent offentligheden til at interagere direkte med deres kunst.

Pino Pascali - Børsteorm

Kunstnerne fra Arte Povera

Piero Manzoni betragtes som faderen til Arte Povera, selvom han døde i en alder af 29 år i 1963, før han kunne blive inkluderet i de store udstillinger. Gennem sit arbejde ødelagde Manzoni illusionen om, at kunst og liv er adskilt ved direkte at involvere seerne med sin kunst. I et værk kaldet Consumption of dynamic art by the art-devouring public, "underskrev" Manzoni hårdkogte æg med sit fingeraftryk og inviterede derefter seerne til at spise æggene. I et værk kaldet Magisk Sokkel, hollandsk for Magic Shelf, inviterede han seerne til at deltage ved at stå på en piedestal, hvilket forvandlede dem til levende skulpturer.

Andre Arte Povera-kunstnere involverede ikke offentligheden direkte, men skabte i stedet værker, der var bevidst designet til at antyde interaktion med beskueren. Pino Pascalo skabte storskala Bristleworms, som var orm-lignende skulpturer lavet af børster, som beskuerne blev opfordret til at røre ved. Og i 1965 udtrykte Michelangelo Pistoletto, hvad der måske er den perfekte iteration af ægteskabet mellem kunst og hverdagsliv. Hans værk Structure for Talking While Standing (Minus Objects) bestod af et gelænder installeret i et galleri, hvor beskuerne kunne læne sig og sætte foden, mens de talte.

Michelangelo Pistoletto - Struktur for at Tale Mens Man Står (Minus Genstande)

Nutidig moderne italiensk kunst

I dag er traditionerne for italiensk modernisme i live og har det godt. Ettore Spalletti er en af de førende abstrakte kunstnere, der arbejder i Italien i dag. Han er løst forbundet med de grundlæggende ideer fra Arte Povera, selvom hans arbejde er ganske anderledes end de fleste medlemmer af den gruppe. Som en tværfaglig kunstner skaber Spalletti objekter, der beskæftiger sig med farvens essens. Han engagerer sig i en møjsommelig proces, der involverer påføring af flere lag håndlavet maling, indtil den essentielle natur af den farve, han søger, afslører sig selv. Det er i det flygtige øjeblik, hvor farven endelig dukker op, at han stopper sin proces.

De objekter, Spalletti skaber, projicerer en etereal lysstyrke. De synes at være fangede øjeblikke fra en solopgang eller glimt af lys fra overfladen af vand, der er frosset i tiden. Udover at vise sine værker i gallerier og museer, har Spalletti også skabt hele indendørs miljøer i steder som et lighus og et kapel. Måske er det fra sådanne udtryk, der relaterer til hverdagslivet, at han fortsætter sin tilknytning til Arte Povera. Men Spalletti er også en unik stemme i italiensk nutidig abstrakt kunst. Han og hans mange samtidige i det italienske abstrakte kunstsamfund i dag nyder en forbindelse med hver af de indflydelsesrige italienske kunstbevægelser fra fortiden. Og vigtigst af alt, ligesom deres forgængere, fortsætter de med at holde traditionen i live med at placere italiensk kunst i fronten af innovativ modernistisk tanke.

Fremhævet billede: Giacomo Balla - Abstract Speed + Sound, 1913-1914. Olie på ubehandlet millboard i kunstnerens malede ramme. 21 1/2 x 30 1/8 tommer (54,5 x 76,5 cm). Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venedig, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio