Abstrakte tilgange til moderne italiensk kunst

De fleste, der studerer historien om italiensk kunst, lærer om de klassiske mestre fra højrenæssancen og barokperioderne, såsom Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael og Caravaggio. Færre hører om moderne italienske kunstbevægelser som Arte Povera og spatialisme, eller samtidige italienske mestre som Ettore Spalletti. For at forstå hele historien om italiensk kunst er det væsentligt at studere de mange måder, hvorpå italienske kunstnere har bidraget til modernismen. Nogle italienske modernistiske bevægelser har været figurative af natur, såsom Arte Nucleare, der konfronterede rædslerne ved atomkraft efter Anden Verdenskrig, og Transavantgarde, en italiensk version af neoekspressionismen, der opstod i 1970’erne. Og mindst én italiensk modernistisk bevægelse, Novecento Italiano, var tilbageskridende, idet den omfavnede fascismen og gik ind for en tilbagevenden til gamle, realistiske, klassiske stilarter. Men Italien har også været fødested for flere abstrakte modernistiske kunstbevægelser, som i høj grad har formet internationale tendenser inden for samtidskunst. Selvom listen over kunstnere tilknyttet disse bevægelser kan være for lang til at dække i én artikel, er her en begyndende introduktion til nogle af de vigtigste abstrakte, moderne italienske kunstbevægelser og nogle af de kunstnere, der var med til at definere dem.

Italiensk futurisme

På en landevej uden for Milano i 1909 kørte Filippo Tommaso Marinetti galt med sin bil, da han svingede for at undgå en cyklist og endte i en grøft. Marinetti blev rasende over hændelsen. Han hadede den langsomt kørende cykel. Han var fanatisk omkring fart og kraft og mente, at vejene burde tilhøre maskinerne i den nye tid. Han var en del af den frimodige generation af unge italienske kunstnere, der snart skulle blive kendt som futuristerne.

Efter sin bilulykke skrev Marinetti et essay, der blev offentliggjort i aviser i Italien og Frankrig. Det blev kendt som futuristmanifestet og beskrev med lidenskabelige detaljer den frustration, disse unge kunstnere følte under historiens vægt. Det talte om ønsket om at “befri Italien fra dets gangræn af professorer, arkæologer, guider og antikvarboghandlere.” Det fremhævede mekanisk kraft, vold og krig og foreslog, at moderne kunstnere skulle omfavne den nye industrialiserede verden og ødelægge alle fortidens traditioner og institutioner.

Umberto Boccioni - Unikke former for kontinuitet i rummet, 1913, to synsvinkler

Italiensk futuristisk kunst

I deres kunst forsøgte de italienske futurister at skildre bevægelse og fart. De viste byens kaos og visioner om en hurtigt og voldsomt foranderlig verden. Et nøgleprincip i italiensk futurisme var kendt som dynamisme, eller den samlede oplevelse af fart, bevægelse og lyd. Giacomo Balla var en af mestrene i dynamisme. Hans tidlige forsøg med teknikken var figurative, men hans stil blev hurtigt mere abstrakt, efterhånden som han udviklede sig til at udtrykke dynamisme gennem maleriets formelle kvaliteter som farve, linje og form. Et nøgleeksempel er maleriet Abstrakt fart + lyd fra 1914.

Umberto Boccioni var en anden futuristisk mester i dynamisme. Som dygtig maler skabte Boccioni et af de mest berømte futuristiske malerier, kaldet Byen rejser sig. Men med tiden blev han interesseret i udfordringen med at præsentere det, han kaldte “efterfølgende,” eller fornemmelsen af bevægelse gennem fysisk rum, i tredimensionelt rum. Han realiserede mest berømt dette mål i sin abstrakte skulptur Unikke former for kontinuitet i rummet, skabt i 1913.

Lucio Fontana - Rumligt koncept, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Spatialisme

En generation efter futuristerne begyndte den næste store italienske abstrakte modernistiske kunstbevægelse, initieret af en kunstner ved navn Lucio Fontana. Oprindeligt fra Argentina var Fontana primært interesseret i at udtrykke rummets kvaliteter og essens. Han var fascineret af, hvordan form kunne optage rum, indeholde rum og åbne adgang til rum. Han omtales ofte som maler, da hans mest berømte værker hænger på væggen. Men Fontana var oprindeligt uddannet som billedhugger, og han betragtede sine såkaldte malerier som værende i strid med definitionen af todimensionel kunst.

I 1946 skrev han et essay kaldet Det hvide manifest, som åbent opfordrede til en afslutning på traditionelle definitioner af to- og tredimensionel kunst. Han opfordrede i stedet til syntese i kunsten. I sit manifest beskrev Fontana, hvordan traditionelle “statiske” definitioner af kunst som maleri og skulptur ikke længere var tilstrækkelige i en tid domineret af “det dynamiske princip om bevægelse gennem tid og rum.” Gennem denne forvandlende tilgang skabte Fontana mange nyskabelser. Han lavede nogle af de første eksempler på installationskunst og opnåede i slutningen af 1940’erne den ultimative manifestation af sin tænkning, da han begyndte at bygge lærreder, som han derefter skar i med en kniv. Hans værk Concetto spaziale – Attesa, et monokromt rødt lærred med et enkelt knivsnit gennem midten, anses for at være det ypperste udtryk for spatialistisk tanke, da det lykkes med at skabe form ud af rum.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milano

Arte Povera

En af de mest omvæltende abstrakte modernistiske kunstbevægelser i det 20. århundrede opstod i Italien i 1960’erne. Den hed Arte Povera, eller fattig kunst, på grund af dens udøveres tendens til at bruge almindelige materialer og dagligdags motiver. Bevægelsen voksede oprindeligt ud af modstand mod andre modernistiske kunsttendenser som minimalisme, der lagde vægt på industrielle processer og forsøgte at fjerne kunstnerens personlighed fra værket. Kunstnerne tilknyttet Arte Povera ønskede at genforbinde kunsten med hverdagslivet.

For at forbinde med det almindelige, det banale og det daglige forsøgte disse kunstnere at skabe unikke øjeblikke af samspil mellem de kunstgenstande, de lavede, og de beskuere, der mødte dem. De lavede kunst, som, selvom den var abstrakt, formidlede enkle og direkte budskaber. De brugte letforståelige, naturlige, taktile, før-industrielle materialer som reb, jord, stof og endda afføring. Midt i samtidige kunstbevægelser, der var dedikeret til at fjerne følelser og individualitet fra kunsten, understregede disse kunstnere vigtigheden af både kunstnerens og beskuerens menneskelighed og inviterede åbent offentligheden til at interagere direkte med deres kunst.

Pino Pascali - Børsteorme

Kunstnerne bag Arte Povera

Piero Manzoni betragtes som faderen til Arte Povera, selvom han døde som 29-årig i 1963, før han kunne blive inkluderet i bevægelsens store udstillinger. Gennem sit arbejde ødelagde Manzoni illusionen om, at kunst og liv er adskilt, ved direkte at involvere beskuerne i sin kunst. I et værk kaldet Forbrug af dynamisk kunst af det kunstslugende publikum “signerede” Manzoni hårdkogte æg med sit tommelfingeraftryk og inviterede derefter beskuerne til at spise æggene. I et værk kaldet Magisk Sokkel inviterede han beskuerne til at deltage ved at stå på en piedestal og forvandle dem til levende skulpturer.

Andre Arte Povera-kunstnere involverede ikke publikum direkte, men skabte i stedet værker, der med vilje var designet til at antyde beskuerinteraktion. Pino Pascali skabte store børsteorme, som var orm-lignende skulpturer lavet af børstebørster, som beskuerne blev opfordret til at røre ved. Og i 1965 udtrykte Michelangelo Pistoletto måske den perfekte udgave af ægteskabet mellem kunst og hverdagsliv. Hans værk Struktur til samtale stående (minus genstande) bestod af et gelænder installeret i et galleri, som beskuerne kunne læne sig op ad og sætte foden på, mens de talte.

 Michelangelo Pistoletto - Struktur til samtale stående (minus genstande)

Samtidig moderne italiensk kunst

I dag lever traditionerne fra italiensk modernisme i bedste velgående. Ettore Spalletti er en af de førende abstrakte kunstnere, der arbejder i Italien i dag. Han er løst tilknyttet de grundlæggende ideer i Arte Povera, selvom hans arbejde er markant anderledes end de fleste medlemmer af den gruppe. Som en tværfaglig kunstner skaber Spalletti genstande, der beskæftiger sig med farvens essens. Han arbejder i en møjsommelig proces, hvor han påfører flere lag håndlavet maling, indtil farvens væsentlige natur viser sig. Det er i det flygtige øjeblik, hvor farven endelig træder frem, at han stopper sin proces.

De genstande, Spalletti skaber, udstråler en æterisk glød. De virker som fangede øjeblikke fra en solopgang eller lysglimt på vandoverfladen, frosset i tiden. Udover at udstille sine værker i gallerier og museer har Spalletti også skabt hele indre miljøer i steder som et kapel og et ligkapel. Måske er det fra sådanne udtryk, der relaterer til hverdagslivet, at han fortsætter sin tilknytning til Arte Povera. Men Spalletti er også en unik stemme i den italienske samtidige abstrakte kunst. Han og hans mange samtidige i det italienske abstrakte kunstmiljø i dag nyder en forbindelse til hver af de indflydelsesrige italienske kunstbevægelser fra fortiden. Og vigtigst af alt, ligesom deres forgængere, fortsætter de med at holde traditionen i live med at placere italiensk kunst i front for nyskabende modernistisk tænkning.

Fremhævet billede: Giacomo Balla - Abstrakt fart + lyd, 1913-1914. Olie på ubehandlet pap i kunstnerens malede ramme. 54,5 x 76,5 cm. Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venedig, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rom
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio