Skæring i Lærredet - Historien om Lucio Fontana

Abstrakt kunst skaber spørgsmål, ikke svar. Derfor inviterer den til angreb. Ikke alle kan lide spørgsmål. Folk ønsker ofte fra kunst kun komfort og skønhed. Men mange abstrakte kunstnere er ikke så meget dekoratører-trøstere som filosoffer-videnskabsfolk: mennesker, der søger at opleve og fortolke universet, ikke bare klæde det på. Lucio Fontana var en sådan kunstner. Som grundlægger af en revolutionerende teknik kaldet Spazialismo, eller Spatialisme, var Fontana dybt optaget af de praktiske måder at lave kunst på, der konfronterede de mystiske egenskaber ved rum. Han var nysgerrig efter, hvordan former beboede rummet, hvordan de kunne indeholde rum, og hvordan der ved at eliminere masse kunne skabes rum. Han var især fascineret af, hvordan et hul i en form kunne skabe et tomrum, gennem hvilket oplevelsen af rum kunne udvides. Men Spazialismo var ikke kun begrænset til sådanne akademiske spørgsmål. Som Fontana sagde i 1967, i henvisning til det faktum, at mennesker dengang rutinemæssigt rejste ud i rummet med raketter, “Nu er der ikke længere nogen måling i rummet. Nu ser du uendelighed…her er tomrummet, mennesket er reduceret til ingenting…Og min kunst er også baseret på denne renhed, på denne filosofi om ingenting, som ikke er et destruktivt ingenting, men et kreativt ingenting.”

Lucio Fontana og Multi-Disciplinær Kunst

Det er en historisk fejl, at Lucio Fontana mest bliver omtalt som maler. Han blev uddannet som skulptør. Han blev født i Argentina i 1899 af en far, der var skulptør, og som først lærte Lucio det grundlæggende i sit håndværk. Efter årtier med at arbejde sammen med sin far, flyttede Lucio til Milano i 1927 og tilmeldte sig som skulpturstuderende på Brera Akademiet. Han havde sin første skulpturudstilling i en alder af 31 i et galleri i Milano. Han kaldte sig selv en abstrakt skulptør, og han sluttede sig til kunstnerforeningen Abstraction-Création i 1935, og i 1940'erne vendte han tilbage til Argentina, hvor han underviste i skulptur og fortsatte med at lave tredimensionale værker.

I sandhed arbejdede Fontana næsten udelukkende i skulpturens medium indtil 1948. Og selv da han begyndte at lave objekter, der lignede malerier, insisterede han på, at de ikke var malerier, men snarere "en ny ting i skulptur." Men selv så, hvis vi skulle være tro mod Fontanas fulde intentioner som kunstner, ville vi ikke kalde ham en skulptør heller. Vi ville simpelthen kalde ham en kunstner, og måske en udforsker af rum.

Lucio Fontana - Figur i spejlet. Keramik. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Det Hvide Manifest

I 1946 var Fontana kommet til den beslutning, at definitionerne af skulptur og maleri ikke længere var tilstrækkelige til at imødekomme den teoretiske natur af hans arbejde. Han ledede en gruppe af kunstnere og studerende i skabelsen af det, han kaldte White Manifesto, det første af flere dokumenter, som Fontana ville hjælpe med at skrive, og som han håbede ville imødekomme behovet for en ny tilgang til kunst. White Manifesto gjorde opmærksom på behovet for, at kunsten skulle være i overensstemmelse med andre intellektuelle bestræbelser i tiden. Det påpegede, at nylige videnskabelige og filosofiske udviklinger var fokuseret på ideen om syntese, at forskellige ideer skulle kombineres for at danne et samlet synspunkt.

Fontana advokerede for en lignende "syntetisk" tilgang til skabelsen af kunst, en der ville syntetisere det, han kaldte de "traditionelle 'statiske' kunstformer", for at skabe en komplet metode til æstetisk udtryk, der ville "involvere det dynamiske princip om bevægelse gennem tid og rum." Med de ideer, der blev udtrykt i Det Hvide Manifest, opfandt Fontana i bund og grund tværfaglig kunst: perspektivet om, at en kunstner skal kunne arbejde i alle medier og bruge den metode, der bedst passer til en bestemt idé.

Lucio Fontana - Spatial Environment, belyst. © Lucio Fontana

Eventyr i rummet

Tidligere i sin karriere var Fontana blevet kritiseret for at male sine abstrakte skulpturelle former i høje, tilsyneladende tilfældige farver. Han svarede, at han forsøgte at bruge farve til at engagere værkerne med deres omgivelser, for at bygge bro mellem objekt og betragter. Han fortsatte med at tage fat på denne bekymring gennem hele sin karriere. Han ønskede, at rummet selv skulle manifestere sig som form og blive emnet for sin kunst. Men han kunne ikke fastslå, hvordan det kunne opnås. Som han engang skrev i sin dagbog: “ingen form er rumlig.”

Lucio Fontana - Spatial Concept, 1949. © Lucio Fontana

Men i 1949 oplevede Fontana gennembrud, der bragte ham tættere på sit mål. Det første manifesterede sig som et værk kaldet Spatial Environment. For denne banebrydende indsats mørklagde Fontana et rum, hvor væggene var malet sorte, og hængte abstrakte papier-mâché former malet i neonlys fra loftet, som lyste op, når de blev ramt af ultraviolet lys. Han transformerede udstillingsrummet til en del af kunstværket og skabte et værk, der forudgik installationskunst og Light and Space Movement med mere end et årti, men som indkapslede mange af deres koncepter. Men emnet for værket var stadig ikke rummet, da fokus på seerens oplevelse var på de lysende skulpturelle former.

Lucio Fontana - Spatial Concept, 1950. Akryl på lærred. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Rumlige begreber

Fontanas næste gennembrud tog hans arbejde i en helt modsat retning. I stedet for at transformere et helt rum til tom plads og derefter fylde det med et objekt, besluttede han at tage et objekt og bruge det som en indgang til rummet. Han strakte lærred over strækrammer, som om han ville lave et traditionelt maleri, og stak derefter huller gennem lærredet med en kniv, før han påførte et monokromt lag maling.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, med glasperler og sten tilføjet. © Lucio Fontana

Selvom det teknisk set var et maleri, fungerede hullerne som tomrum i formen, der gav adgang til rummet bag lærredet. Denne enkle gestus transformerede maleriet til en skulptur. Men selvom dette i sig selv var revolutionerende og demonstrativt for hans ideer om tværfaglig kunst, følte han stadig, at det ikke skabte form ud af rum. Så Fontana eksperimenterede med forskellige udtryk for den generelle tanke. Han stak huller på en måde, så der blev skabt cirkler, trekanter og andre former på overfladen. Han tilføjede også sten, glas og krystaller til nogle lærreder, hvilket udvidede overfladen udad i rummet, samtidig med at det åbnede op for rummet derudover.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Et enkelt skråstreg

I 1950'erne havde Fontana en åbenbaring. Han begyndte at skære i sine lærreder, værker han kaldte Tagli, eller snit. Han udviklede gradvist denne idé, indtil han i 1959 nåede frem til, hvad han betragtede som den ultimative manifestation af udtrykket: et enkelt snit gennem et ellers monokromt lærred. Det var med denne gestus, at han opnåede sit mål om at skabe form ud af rum, idet han sagde i 1968: “Min opdagelse var hullet, og det er det. Jeg er glad for at gå til graven efter en sådan opdagelse.”

Fontana gav alle sine udskårne objekter det samme navn: Concetto Spaziale, eller Rumkoncept. Da han endelig opdagede enkeltheden og elegancen i de lange snit, gav han de malerier den yderligere undertitel attesa. På italiensk betyder attesa ventetid eller håbefuld forventning. Som det er klart, var Fontana ikke kun interesseret i, hvordan folk opfattede og forestillede sig rummet. Han var interesseret i, hvordan folk opfattede og forestillede sig sig selv. Gennem brugen af et tomrum manifesterede han ikke kun form ud af rummet, han manifesterede også noget andet, noget både abstrakt og konkret: de håbefulde forventninger til, hvad der ligger ud over et kunstværk.

Fremhævet billede: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Malet keramik. © Lucio Fontana
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio