Abstrakt Skulptur - Sproget om Det Fuld og Det Tomme

Siden modernismens tidligste dage er der blevet rejst spørgsmål om naturen af, og forskellen mellem, to- og tredimensionel abstrakt kunst. I det første årti af det 20. århundrede stillede Constantin Brancusi det grundlæggende spørgsmål om, hvad abstrakt skulptur skulle formidle: et subjects billede eller dets essens? I det næste årti beviste Pablo Picasso, at en skulptur ikke behøvede at blive udskåret, formet eller støbt: den kunne samles. I det årti efter det, demonstrerede Alexander Calder, at skulptur kunne bevæge sig. Og stadig årtier senere, i henvisning til sine tværfaglige værker, tilbød Donald Judd "Specific Objects" som et alternativ til ordene maleri og skulptur. Selvom emnet kunne fylde flere bøger, tilbyder vi i dag en kort, indrømmet meget nedskåret tidslinje over nogle af højdepunkterne i den abstrakte skulpturs historie.

Abstrakt Skulpturs Fader

Constantin Brâncusi blev født i Rumænien i 1876, da universet af europæisk kunst grundlæggende bestod af maleri og skulptur, og begge var næsten helt figurative. Selvom den gradvise udvikling mod abstraktion var begyndt, var der få professionelle kunstnere, der endnu havde været modige nok til at forsøge sig med ren abstraktion, eller endda til at definere, hvad det præcist betød. Brâncusi's første erfaring med skulptur var helt praktisk, da han udskår landbrugsredskaber til brug som barnarbejder. Selv da han endelig kom ind på kunstskolen, blev han klassisk uddannet. Men da Brâncusi forlod Rumænien i 1903 og til sidst ankom til Paris, blev han involveret i den modernistiske samtale. Han var entusiastisk enig i de ideer, der cirkulerede om abstraktion, og konkluderede snart, at skulpturens moderne formål var at præsentere "ikke den ydre form, men ideen, essensen af tingene."

I 1913 blev nogle af Brâncusis tidlige abstrakte skulpturer udstillet i New York City som en del af det års Armory Show, udstillingen der i høj grad var ansvarlig for at introducere modernistisk kunst til USA. Kritikere gjorde offentligt grin med hans skulptur Portræt af Mademoiselle Pogany for blandt andet at ligne et æg. Tretten år senere ville Brâncusi få det sidste grin over amerikanerne, da en af hans skulpturer fik ændret amerikansk føderal lov. Det skete, da en samler købte og forsøgte at sende en af Brâncusis fugleskulpturer ind i USA, som på ingen måde lignede fugle, men derimod repræsenterede flugt. I stedet for at undtage den abstrakte skulptur som kunst, opkrævede toldmyndighederne samleren en importskat. Samleren sagsøgte og vandt, hvilket resulterede i en officiel erklæring fra de amerikanske domstole om, at noget ikke behøvede at være repræsentativt for at blive betragtet som kunst.

Constantin Brancusi - The Kiss, 1907 (Left) and Portrait of Mademoiselle Pogany, 1912 (Right), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso og assemblagekunsten

Pablo Picasso var en anden vigtig tidlig pioner inden for abstrakt skulptur, selvom han måske ikke havde til hensigt at være det. Omkring 1912 begyndte Picasso at udvide sine ideer om kubisme til det tredimensionale område. Han startede med at lave collager, som på grund af deres lagdelte overflade og brug af fundne materialer og genstande i stedet for maling allerede havde en slags tredimensionel kvalitet. Derefter oversatte han idéen om collage til fuld tredimensional plads ved at samle faktiske genstande, især guitarer, af materialer som pap, træ, metal og tråd.

Traditionelt blev skulptur skabt enten fra en form, eller ved at forme en masse som ler, eller gennem en form for reduktiv proces som udskæring. Picasso udfordrede uforvarende den tradition ved at skabe et skulpturelt objekt gennem handlingen at samle forskellige stykker af fundne materialer til en form. Desuden chokerede han folk ved at hænge denne samling på væggen i stedet for at placere den på en piedestal. Kunstseere var forvirrede og endda oprørte over Picassos guitarer og krævede at vide, om de var malerier eller skulpturer. Picasso insisterede på, at de ikke var nogen af delene og sagde: "Det er ingenting, det er guitaren!" Men uanset om han havde til hensigt at gøre det eller ej, havde han udfordret den grundlæggende definition af skulptur og startet en af de længstvarende debatter om abstrakt kunst.

Pablo Picasso - Cardboard Guitar Construction, 1913, MoMA

Readymades

Så revolutionerende som kunstnere som Picasso og Brâncusi måtte have virket for kunstseere i deres tid, er det interessant at bemærke, at 1913 også er året, hvor Dadaist kunstneren Marcel Duchamp tilegnede sig termen "readymade" til at betegne kunstværker bestående af fundne objekter, underskrevet og udstillet af en kunstner som deres værk. Ifølge Duchamp kunne almindelige objekter "elevéres til værdigheden af et kunstværk ved blot at vælge en kunstner." I 1917 udstillede Duchamp Fountain, måske hans mest berømte readymade, bestående af et urinal placeret på siden og underskrevet "R. Mutt."

Duchamp havde skabt Fountain til indsendelse til den første udstilling af New Yorks Society of Independent Artists, som blev hyldet som en helt åben udstilling af nutidig kunst, uden juryer og uden præmier. Værket blev bizart afvist fra udstillingen, hvilket forårsagede oprør i kunstsamfundet, da hele pointen med udstillingen var ikke at dømme værket. Selskabets bestyrelse udsendte en erklæring om Fountain, der sagde: “det er, efter ingen definition, et kunstværk.” Ikke desto mindre inspirerede værket generationer af kreative til at komme.

En kopi lavet i 1964 af Duchamps originale 1917 Fountain

Faktura og Tektonika

I 1921 opstod en gruppe af kunstnere kaldet Den Første Arbejdsgruppe af Konstruktivister i Rusland. Målet med deres bevægelse, som de kaldte Konstruktivisme, var at skabe en ren kunst baseret på formelle, geometriske, abstrakte principper, der aktivt ville involvere beskueren. De skulpturelle principper for Konstruktivisme blev opdelt i to separate elementer: faktura henviste til en skulpturs materielle kvaliteter, og tektonika henviste til en skulpturs tilstedeværelse i tredimensionel rum.

Konstruktivisterne mente, at skulptur ikke havde brug for noget emne overhovedet, og kunne få helt abstrakte egenskaber. Alt der betød noget for dem var udforskningen af materialitet og rum. De var specifikt bevidste om, hvordan et objekt optog udstillingsrummet, samt hvordan det interagerede med rummet mellem det og beskueren. Konstruktivistisk skulptur hjalp med at definere begreberne om, at en skulptur kunne indeholde og definere rum udover blot at optage rum, og at rummet i sig selv kunne blive et vigtigt element i værket.

Den første konstruktivistiske udstilling, 1921

Tegning i rummet

I slutningen af 1920'erne omfattede den modernistiske abstrakte skulptursprog dimensionelle relieffer, fundne objekter, geometrisk og figurativ abstraktion samt begrebet fylde og tomhed i det fysiske rum. De italienske futurister havde endda forsøgt at bruge skulptur til at demonstrere bevægelse, eller Dynamisme, i værker som Umberto Boccioni’s Unique Forms of Continuity in Space (beskrevet mere detaljeret her). Men æren for at introducere faktisk bevægelse i skulptur, og skabe et nyt område kaldet Kinetisk Skulptur, tilfalder Alexander Calder.

Calder blev uddannet som maskiningeniør og gik først senere på kunstskole. Efter at have dimitteret begyndte han at lave mekaniske legetøj og designede til sidst et helt mekanisk cirkus. Omkring 1929 begyndte han at lave delikate, legende trådkunstværker, som han beskrev som “tegning i rummet.” I 1930, da han tilføjede bevægelige dele til sine trådkunstværker, kaldte Marcel Duchamp disse kunstværker “mobiler.” Calders kinetiske mobiler er nu blevet den mest genkendelige del af hans værk, og de inspirerede kunstnere som Jean Tinguely, skaberen af Metamechanics. De påvirkede også måske den mest produktive modernistiske mester af “tegning i rummet,” den venezuelanske kunstner Gego, som tog konceptet til udtalt ekstreme i 1960'erne.

Gego, rumlig trådskonstruktion, delvis installationsvisning

Kombinationer og Akkumulationer

I 1950'erne tog konceptuelle kunstnere fat på de ideer, som Picasso og Duchamp havde banet vej for. Begrebet det fundne objekt blev allestedsnærværende, da store storbyer blev overbelastede med affald, og masseproduktion og forbrug af industrielle produkter nåede nye højder. Den tværfaglige kunstner Robert Rauschenberg inkorporerede grundprincipperne fra Picassos collager og assemblager med Duchamps koncepter om fundne objekter og kunstnerens valg for at skabe, hvad der blev hans signaturbidrag til abstrakt skulptur. Han kaldte dem "Combines," og de var i bund og grund skulpturelle assemblager lavet af forskelligt affald, detritus og industrielle produkter, omhyggeligt kombineret til en enkelt masse af kunstneren.

Robert Rauschenberg - Monogram, Freestanding combine, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

Omtrent på samme tid brugte den konceptuelle kunstner Arman, en af de grundlæggende medlemmer af Nouveau Realists, Duchamps idé om Readymade som et udgangspunkt for en række skulpturelle værker, som han kaldte Accumulations. Til disse værker indsamlede Arman flere af de samme readymade-objekter og svejsede dem sammen til en skulpturel masse. Ved at udnytte produkter på denne måde re-kontekstualiserede han idéen om et readymade-produkt, idet han i stedet brugte det som en abstrakt form, fjernede dets tidligere betydning og transformerede det til noget symbolsk og subjektivt.

Arman - Accumulation Renault No.106, 1967, © Arman

Materialer og Proces

I 1960'erne fokuserede billedhuggere mere og mere på de rene formelle aspekter af deres værker. Som en form for afvisning af følelserne og dramatikken fra deres forgængere, fokuserede billedhuggere som Eva Hesse og Donald Judd på de rå materialer, der gik ind i deres arbejde, og de processer, hvormed deres objekter blev lavet. Eva Hesse var en pioner i at arbejde med ofte giftige industrielle materialer som latex og glasfiber. 

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Fiberglass and polyester resin, nineteen units, Each 19 to 20 1/4" (48 to 51 cm) x 11 to 12 3/4" (27.8 to 32.2 cm) in diameter. MoMA Collection. Gift of Charles and Anita Blatt. © 2018 Estate of Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zurich

I modsætning til Hesse, hvis teknik og individualitet var fremtrædende i hendes skulpturelle former, stræbte Donald Judd efter helt at fjerne enhver evidens for kunstnerens hånd. Han arbejdede på at skabe det, han kaldte Specifikke Genstande, genstande der transcenderede definitionerne af to- og tredimensionel kunst, og som brugte industrielle processer og materialer, og som normalt blev fremstillet af maskiner eller af arbejdere, der ikke var kunstneren.

Donald Judd - Untitled, 1973, brass and blue Plexiglas, © Donald Judd

Nutidig Omni-Disciplinær Kunst

Takket være de fremskridt, som modernistiske skulptører har gjort i de sidste 100+ år, er i dag en tid med fantastisk åbenhed inden for abstrakt kunst. Så meget nutidig praksis er omni-disciplinær, hvilket resulterer i spændende, polymorfe æstetiske fænomener. Værkerne af mange nutidige abstrakte kunstnere har en så unik tilstedeværelse, at de udfordrer enkle etiketter som "maleri", "skulptur" eller "installation." De modernistiske pionerer inden for abstrakt skulptur er i høj grad ansvarlige for meget af den åbenhed og frihed, som nutidige kunstnere nyder, og for de mange måder, vi kan nyde deres æstetiske fortolkninger af vores verden.

Fremhævet billede: Alexander Calder - Blue Feather, 1948, kinetisk trådskulptur, © Calder Foundation
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio