Abstrakt Skulptur - Sproget om Det Fuld og Det Tomme

Siden modernismens tidligste dage er der blevet rejst spørgsmål om abstrakt kunsts natur og forskellen mellem to- og tredimensionel abstrakt kunst. I det første årti af det 20. århundrede stillede Constantin Brancusi det grundlæggende spørgsmål om, hvad abstrakt skulptur skulle formidle: et motivs billede eller dets væsen? I det næste årti beviste Pablo Picasso, at en skulptur ikke behøvede at blive udskåret, støbt eller formet: den kunne samles. I det følgende årti viste Alexander Calder, at skulptur kunne bevæge sig. Og årtier senere, med henvisning til sine tværfaglige værker, tilbød Donald Judd “Specifikke Genstande” som et alternativ til ordene maleri og skulptur. Selvom emnet kunne fylde flere bøger, tilbyder vi i dag en kort, indrømmet stærkt forkortet tidslinje over nogle af højdepunkterne i abstrakt skulpturs historie.

Faderen til abstrakt skulptur

Constantin Brâncusi blev født i Rumænien i 1876, hvor det europæiske billedkunsts univers grundlæggende bestod af maleri og skulptur, og begge var næsten udelukkende figurative. Selvom den gradvise udvikling mod abstraktion var begyndt, havde få professionelle kunstnere endnu turdet forsøge ren abstraktion eller endda definere, hvad det præcist betød. Brâncusis første erfaring med skulptur var helt praktisk, hvor han som barnearbejder udskar landbrugsredskaber. Selv da han endelig kom på kunstskole, var han klassisk uddannet. Men da Brâncusi forlod Rumænien i 1903 og til sidst nåede Paris, blev han involveret i modernismens samtale. Han tilsluttede sig entusiastisk de ideer, der cirkulerede om abstraktion, og konkluderede snart, at skulpturens moderne formål var at præsentere “ikke den ydre form, men idéen, tingenes væsen.”

I 1913 blev nogle af Brâncusis tidlige abstrakte skulpturer udstillet i New York som en del af det års Armory Show, udstillingen der i høj grad var ansvarlig for at introducere modernistisk kunst i USA. Kritikere latterliggjorde offentligt hans skulptur Portræt af Mademoiselle Pogany for blandt andet at ligne et æg. Tretten år senere fik Brâncusi det sidste grin med amerikanerne, da en af hans skulpturer fik ændret amerikansk føderal lovgivning. Det skete, da en samler købte og forsøgte at sende en af Brâncusis fugleskulpturer ind i USA, som på ingen måde lignede fugle, men snarere repræsenterede flyvning. I stedet for at fritage den abstrakte skulptur som kunst, opkrævede toldmyndighederne en importskat af samleren. Samleren sagsøgte og vandt, hvilket resulterede i en officiel erklæring fra de amerikanske domstole om, at noget ikke behøvede at være repræsentativt for at blive betragtet som kunst.

Constantin Brancusi - The Kiss, 1907 (venstre) og Portræt af Mademoiselle Pogany, 1912 (højre), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso og sammensætningskunsten

Pablo Picasso var en anden vigtig tidlig pioner inden for abstrakt skulptur, selvom han måske ikke havde til hensigt at være det. Omkring 1912 begyndte Picasso at udvide sine ideer om kubismen til det tredimensionelle område. Han startede med at lave collager, som på grund af deres lagdelte overflade og brug af fundne materialer og genstande i stedet for maling allerede havde en slags tredimensionel kvalitet. Derefter oversatte han idéen om collage til fuldt tredimensionelt rum ved at samle faktiske genstande, især guitarer, af materialer som pap, træ, metal og tråd.

Traditionelt opstod skulptur enten fra en form, eller ved formning af masse som ler, eller gennem en slags reduktiv proces som udskæring. Picasso havde utilsigtet udfordret den tradition ved at skabe et skulpturelt objekt gennem handlingen at samle forskellige stykker fundne materialer til en form. Desuden forbløffede han folk ved at hænge denne samling op på væggen i stedet for at sætte den på en piedestal. Kunstbeskuere var forvirrede og endda forargede over Picassos guitarer og krævede at vide, om de var malerier eller skulpturer. Picasso insisterede på, at de var hverken det ene eller det andet og sagde, “Det er ingenting, det er guitaren!” Men uanset om han havde til hensigt det eller ej, havde han udfordret den grundlæggende definition af skulptur og startet en af de længstvarende debatter om abstrakt kunst.

Pablo Picasso - Papguitar konstruktion, 1913, MoMA

Readymades

Så revolutionerende som kunstnere som Picasso og Brâncusi måtte have virket for deres samtidige, er det interessant at bemærke, at 1913 også er året, hvor den dadaistiske kunstner Marcel Duchamp tog begrebet “readymade” til sig for at betegne kunstværker bestående af fundne genstande, underskrevet og udstillet af en kunstner som deres værk. Ifølge Duchamp kunne almindelige genstande “ophøjes til værdighed som et kunstværk ved blot kunstnerens valg.” I 1917 udstillede Duchamp Fountain, måske hans mest berømte readymade, bestående af et urinal lagt på siden og underskrevet “R. Mutt.”

Duchamp havde skabt Fountain til indsendelse til den første udstilling af New Yorks Society of Independent Artists, som blev hyldet som en helt åben udstilling af samtidskunst uden jury og uden præmier. Værket blev mærkeligt nok afvist fra udstillingen, hvilket skabte oprør i kunstmiljøet, da hele pointen med udstillingen netop var ikke at dømme værkerne. Foreningens bestyrelse udsendte en erklæring om Fountain, der sagde, “det er under ingen omstændigheder et kunstværk.” Ikke desto mindre gik værket videre med at inspirere generationer af kreative.

En kopi lavet i 1964 af Duchamps originale Fountain fra 1917

Faktura og Tektonik

I 1921 opstod en gruppe kunstnere kaldet Den Første Arbejdsgruppe af konstruktivister i Rusland. Målet med deres bevægelse, som de kaldte konstruktivisme, var at skabe en ren kunst baseret på formelle, geometriske, abstrakte principper, der aktivt involverede beskueren. De skulpturelle principper i konstruktivismen blev opdelt i to separate elementer: faktura henviste til en skulpturs materielle egenskaber, og tektonik henviste til en skulpturs tilstedeværelse i det tredimensionelle rum.

Konstruktivisterne mente, at skulptur slet ikke behøvede et motiv og kunne antage helt abstrakte egenskaber. Det eneste, der betød noget for dem, var udforskningen af materialitet og rum. De var særligt bevidste om, hvordan en genstand optog udstillingsrummet, samt hvordan den interagerede med rummet mellem den og beskueren. Konstruktivistisk skulptur hjalp med at definere forestillingerne om, at en skulptur kunne indeholde og definere rum ud over blot at optage plads, og at selve rummet kunne blive et vigtigt element i værket.

Den første konstruktivistiske udstilling, 1921

At tegne i rummet

I slutningen af 1920’erne omfattede det modernistiske abstrakte skulptursprog dimensionelle reliefs, fundne genstande, geometrisk og figurativ abstraktion samt forestillingen om fylde og tomhed i det fysiske rum. De italienske futurister havde endda forsøgt at bruge skulptur til at demonstrere bevægelse, eller dynamik, i værker som Umberto Boccionis Unikke former for kontinuitet i rummet (behandlet mere detaljeret her). Men æren for at indføre faktisk bevægelse i skulptur og skabe en ny genre kaldet kinetisk skulptur går til Alexander Calder.

Calder var uddannet maskiningeniør og gik først senere på kunstskole. Efter endt uddannelse begyndte han at lave mekaniske legetøj, og designede til sidst et helt mekanisk cirkus. Omkring 1929 begyndte han at lave fine, legende trådskulpturer, som han beskrev som “tegning i rummet.” I 1930, da han tilføjede bevægelige dele til sine trådskulpturer, kaldte Marcel Duchamp disse værker “mobiler.” Calders kinetiske mobiler er nu blevet det mest øjeblikkeligt genkendelige i hans værk og inspirerede kunstnere som Jean Tinguely, skaberen af metamekanik. De påvirkede også måske den mest produktive modernistiske mester i “tegning i rummet,” den venezuelanske kunstner Gego, som tog konceptet til udsøgte yderligheder i 1960’erne.

Gego, rumlig trådkonstruktion, delvis installationsudsigt

Kombinationer og ophobninger

I 1950’erne tog konceptkunstnere ideerne videre, som Picasso og Duchamp havde banet vejen for. Begrebet fundne genstande blev allestedsnærværende, efterhånden som store byer blev overfyldte med affald, og masseproduktionen og forbruget af industriprodukter nåede nye højder. Den tværfaglige kunstner Robert Rauschenberg indarbejdede grundprincipperne fra Picassos collager og samlinger med Duchamps tanker om fundne genstande og kunstnerens valg for at skabe det, der blev hans kendetegn inden for abstrakt skulptur. Han kaldte dem “Combines,” og de var i bund og grund skulpturelle samlinger lavet af forskelligt skrot, affald og industriprodukter, omhyggeligt samlet til en enkelt masse af kunstneren.

Robert Rauschenberg - Monogram, fritstående combine, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

Omtrent samtidig brugte konceptkunstneren Arman, et af de grundlæggende medlemmer af de Nouveau Realister, Duchamps idé om readymade som udgangspunkt for en række skulpturelle værker, som han kaldte Ophobninger. Til disse værker samlede Arman flere af samme readymade genstande og svejsede dem sammen til en skulpturel masse. Ved at bruge produkter på denne måde omformede han idéen om et readymade produkt, brugte det i stedet som en abstrakt form, fjernede dets tidligere betydning og forvandlede det til noget symbolsk og subjektivt.

Arman - Ophobning Renault nr. 106, 1967, © Arman

Materialer og fremgangsmåde

I 1960’erne begyndte skulptører i stigende grad at fokusere på de rene formelle aspekter af deres værker. Som en slags afvisning af deres forgængeres følelser og drama fokuserede skulptører som Eva Hesse og Donald Judd på de rå materialer, der indgik i deres værker, og de processer, hvorved deres genstande blev fremstillet. Eva Hesse var pioner i at arbejde med ofte giftige industrimaterialer som latex og glasfiber.

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Glasfiber og polyesterharpiks, nitten enheder, hver 48 til 51 cm x 27,8 til 32,2 cm i diameter. MoMA-samling. Gave fra Charles og Anita Blatt. © 2018 Eva Hesses bo. Galerie Hauser & Wirth, Zürich

I modsætning til Hesse, hvis teknik og individualitet var tydeligt fremhævet i hendes skulpturelle former, søgte Donald Judd at fjerne enhver spor af kunstnerens hånd. Han arbejdede på at skabe det, han kaldte Specifikke Genstande, genstande der overskred definitionerne af to- og tredimensionel kunst, og som brugte industrielle processer og materialer og som som regel blev fremstillet af maskiner eller arbejdere andre end kunstneren.

Donald Judd - Uden titel, 1973, messing og blå plexiglas, © Donald Judd

Nutidig tværfaglig kunst

Takket være de fremskridt, som modernistiske skulptører har gjort i de sidste 100+ år, er nutiden en tid med fantastisk åbenhed i abstrakt kunst. Meget af den nutidige praksis er tværfaglig, hvilket resulterer i spændende, polymorfe æstetiske fænomener. Værker af mange nutidige abstrakte kunstnere har en så unik tilstedeværelse, at de trodser simple betegnelser som “maleri,” “skulptur” eller “installation.” De modernistiske pionerer inden for abstrakt skulptur er i høj grad ansvarlige for meget af den åbenhed og frihed, som nutidige kunstnere nyder, og for de utallige måder, vi kan nyde deres æstetiske fortolkninger af vores verden på.

Fremhævet billede: Alexander Calder - Blue Feather, 1948, kinetisk trådskulptur, © Calder Foundation
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio