Hvad lærte vi af Constantin Brancusi?

Når du forestiller dig en abstrakt billedhugger, hvad tænker du så på? En person i slidte arbejdstøj, dækket af pletter af gips? En alvorlig, nysgerrig og perfektionistisk person? En visionær, fyldt med både selvtillid og ydmyghed? Det kan lyde for poetisk, som en karikatur. Men det beskriver perfekt Constantin Brancusi, faderen til den modernistiske abstrakte skulptur. At skabe volumen i rummet på en ikke-figurativ måde er ikke let. Men da Brancusi først gjorde det, var det næsten uhørt. Brancusi banede vejen for de tekniske og æstetiske spørgsmål, der har formet vores forståelse af abstrakt skulptur i dag. Han var også afgørende for at lægge det filosofiske fundament for feltet. For at forstå den udvikling, abstrakt skulptur har gennemgået i det sidste århundrede, og den plads den har i kunstverdenen i dag, lad os gå tilbage og opdage kilden.

Legenden om Constantin Brancusi

De fleste fotografier af en moden Constantin Brancusi viser en slags vild mand med et dybt rynket ansigt, uregerligt hår, et langt skæg og en garderobe, der minder om en vagabonds. Det kunne virke som en rolle, han havde påtaget sig for at passe til offentlighedens opfattelse af en kunstner, men i Brancusis tilfælde var udseendet ikke en facade. Få andre berømte kunstnere har hans jordnære baggrund. Constantin Brancusi blev født i en bondefamilie på den rumænske landsbygd, cirka 80 km fra den moderne serbiske grænse. Udover at han som 7-årig vogtede får, er de præcise omstændigheder i hans barndom uklare, men det er sikkert, at få glade børn løber hjemmefra. Brancusi løb væk flere gange og flygtede endeligt omkring kun elleve års alderen.

Han tog sig 188 km til byen Craiova. Et relativt kosmopolitisk sted med omkring 40.000 indbyggere på det tidspunkt, hvor økonomien var baseret på fremstilling og industri. Brancusi skaffede sig til livets ophold ved at tage småjobs, herunder at læse folks fremtid og servere gæster på en café. Til sidst begyndte han at tage træarbejdskurser og fandt arbejde med møbelproduktion. Ifølge legenden lavede han som 18-årig en violin i hånden af skrottræ. Violinen imponerede en velhavende beskytter, som efterfølgende finansierede Brancusis uddannelse på National School of Fine Arts i Rumæniens hovedstad, Bukarest. Efter at have afsluttet skolen med udmærkelse forlod Brancusi, den tidligere fårehyrde, barndomsflygtning, gadedreng og violinbygger, hjemmet igen, ifølge nogle beretninger berygtet for at have gået næsten hele vejen på de 2300 km fra Bukarest gennem Østrig og Tyskland helt til Paris.

Tingenes Essens

Da Brancusi ankom til Paris i 1904, befandt han sig midt i en hvirvelvind af modernistisk tænkning. Han fortsatte ivrigt sine studier i skulptur og fandt inden for få år arbejde som assistent i atelieret hos en af tidens førende billedhuggere, Auguste Rodin. Men efter kun en måned hos Rodin forlod Brancusi for at fokusere på sin egen praksis. En af de første skulpturer, Brancusi lavede på egen hånd i 1907, kaldte han Kysset, en tydelig kommentar til Rodins berømte skulptur med samme navn fra 1889. En sammenligning af de to værker side om side viser den store forskel mellem Brancusis vision og hans korte mentors.

Udover den åbenlyse æstetiske forskel var der også dybtgående forskelle i, hvordan Brancusi og Rodin søgte at udtrykke et emnes sande karakter. Rodin havde en tendens til at overdrive muskulaturen hos sine motiver for at formidle kraften og ånden i deres indre væsen. Brancusi tog søgen efter motivets ånd i en anden retning og afviste realistisk form helt til fordel for en abstraheret form, der kunne kommunikere det, han kaldte “den indre skjulte virkelighed.”

En anden grundlæggende forskel mellem Rodins og Brancusis arbejde var deres arbejdsmetode. Rodin havde banet vejen for industriel produktion i stor skala for at skabe sine monumentale værker i metal. Han begyndte et værk ved at modellere det i ler og brugte derefter et hold assistenter til at støbe den endelige form i metal eller hugge den ud i marmor. I direkte modsætning til denne praksis valgte Brancusi at lave sine skulpturer i hånden, hvor han selv skar dem ud i træ eller sten eller støbte dem i metal. Den fysiske tilgang kombineret med Brancusis abstraherede udseende hjalp med at etablere den tidlige modernistiske fokus på kunstnerens hånd og udtrykket af en personlig kunstnerisk vision.

Rodin - Kysset, ca. 1882. Marmor. 181,5 cm × 112,5 cm × 117 cm (71,5 in × 44,3 in × 46 in), © Musee Rodin (venstre) og Brancusi - Kysset, 1907, © Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Overflade og Glans

Ud over sin dedikation til håndskæring af sine skulpturer tog Brancusi også stor omhu med at pleje deres overflader, som han glatte og polerede i hånden, indtil de var helt glatte og havde en høj glans. Hans skulptur Portræt af Mademoiselle Pogany blev latterliggjort af kritikere på grund af dens glatte, skinnende ydre, som blev sammenlignet med et ægs. Prinsesse X, et af Brancusis mest kontroversielle kunstværker, er et perfekt eksempel på hans dedikation til overfladekvaliteterne i hans arbejde. Fremstillet omkring 1915 vakte denne futuristiske bronzeskulptur stor opsigt på Salon des Indépendants i Paris.

Kontroversen omkring Prinsesse X var, at dommere og tilskuere mente, at den skulle forestille en fallos. Brancusi insisterede på, at denne tolkning var forkert. Han hævdede, at den højtpolerede, spejlende skulptur var en abstraheret version af den kvindelige form, der antydede en kvindes hoved, hals og buste, hvor hovedet bøjer sig ned for at spejle sig selv. Uanset kontroversen hjalp værket med at definere Brancusis ikoniske, højtpolerede æstetik og hans abstraherede søgen efter “tingenes essens.”

Constantin Brancusi - Prinsesse X, 1915, poleret bronze; kalkstensblok, 22 5/8 × 16 1/42 × 9 in, Philadelphia Museum of Art, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Dyrs Natur

Brancusis fokus på abstrakte motiver og formale materialekvaliteter fandt et stærkt udtryk i flere skulpturer af dyr, han lavede i 1920’erne. Den mest berømte af hans dyreformer hed Fugl i Rum. En form, han vendte tilbage til igen og igen i mange år, var ikke ment som en egentlig fugl, men skulle fremkalde en fuglevinge og antyde essensen af flyvning.

En anden af Brancusis dyreskulpturer, kaldet Fisk, virker ved første øjekast næsten figurativ, da det øverste element ligner formen af en fisk. Men formen er reduceret til en tynd skive. Og den tynde metalform er kun ét element i hele værket. Brancusi lavede denne skulptur, så den kunne fungere som sin egen fod. I stedet for at stå på en platform, støtter Fisk sig selv. Set i sammenhæng med hele formen bliver Fisk derfor mere symbolsk. Det fiskelignende metalelement hviler på en spejlet plade, som igen hviler på en udskåret træform, der ligner en kalk. I kalkens hjerte er en åbning, der minder om et æg. Set som helhed fremkalder den tynde form på en plade på en kalk en nadver, en næsten åbenlys henvisning til kristen mytologi.

Constantin Brancusi - Fugl i Rum, marmor, 56 3/4 x 6 1/2 in (venstre) og Fisk, bronze, metal og træ, 934 x 502 x 502 mm (højre), © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Grundelementer

Ud over sin banebrydende modernistiske brug af mytologiske referencer var Brancusis Fisk og mange andre skulpturer i samme stil med til at bane vejen for idéen om, at en skulptur og dens støtte kunne udgøre en samlet helhed. Ideen om en selvstændig skulpturel helhed åbnede op for en verden af udstillingsmuligheder, der tillod skulpturelle værker at indtage rum på en helt ny måde, ikke som et objekt, der vises i et rum, men som et objekt, der deltager i rummet, kontekstualiserer og endda definerer det for beskueren. Brancusis skulptur Troldkvinden, skabt i 1920, er ikke blot selvbærende, men basen synes at præsentere et ekstra fortællende element, der fremkalder et alter, der bærer den tilsyneladende figur af en heks.

Constantin Brancusi - Troldkvinden, 1920,© Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Brancusis Samtidsindflydelse

Ved at følge sine egne idéer til deres konklusioner skabte Brancusi en æstetik af overflade og materialitet, der påvirkede bevægelser så fjerne som Minimalisme. Hans naturalistiske udskæringer var nogle af de tidligste eksempler på den biomorfe stil, som kunstnere som Barbara Hepworth omfavnede. Hans blanding af modernisme, mytologi og primitivisme var en forløber for neoprimitivistiske bevægelser som Lyrisk Abstraktion og Abstrakt Ekspressionisme.

Men udover at være en æstetisk pioner inden for abstraktion, var Brancusi også en leder i tankegang. Han troede på sine egne idéer. Tænk på Brancusis mest berømte elev, Isamu Noguchi. Før han mødte Brancusi, blev Noguchi latterliggjort af sin tidligere lærer, den figurative billedhugger Gutzon Borglum, kendt som skaberen af Mt. Rushmore. Borglum sagde, at Noguchi ikke havde talent. År senere, mens han rejste i Paris, tog Noguchi en stilling som Brancusis assistent. Der modtog han den opmuntring, der inspirerede hans egen rejse som modernistisk mester. Dette var Brancusis vigtigste indflydelse på modernistisk skulpturs historie: hans stærke dedikation til kraften og potentialet i en kunstners individuelle vision.

Forsidebillede: Constantin Brancusi - Portræt af Mademoiselle Pogany, 1912, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio