Definere den Lyriske Abstraktion

Lyrisk Abstraktion er et tilsyneladende selvforklarende begreb, og alligevel har dets oprindelse og betydning været genstand for debat gennem generationer. Den amerikanske kunstsamler Larry Aldrich brugte udtrykket i 1969 til at definere arten af forskellige værker, han for nylig havde samlet, som han følte signalerede et tilbagevendende fokus på personlig udtryk og eksperimenteren efter Minimalismen. Men den franske kunstkritiker Jean José Marchand brugte en variation af begrebet, Abstraction Lyrique, årtier tidligere, i 1947, for at henvise til en spirende europæisk tendens inden for maleri, der lignede den abstrakte ekspressionisme i USA. Begge anvendelser af begrebet henviste til kunst, der var kendetegnet ved frie, følelsesladede, personlige kompositioner, som ikke var relateret til objektiv virkelighed. Men disse tendenser kan spores endnu længere tilbage, mindst til det første årti af det 20. århundrede og værkerne af Wassily Kandinsky. For at afdække de sande rødder og betydning af Lyrisk Abstraktion, og for at forstå, hvordan man kan forholde sig til dens tendenser i kunsten, må vi se på de tidligste dage af abstrakt kunst.

At sætte det lyriske i Lyrisk Abstraktion

I 1910’erne flirtede flere forskellige grupper af kunstnere med abstraktion, hver fra et unikt perspektiv. Kubistiske og Futuristiske kunstnere arbejdede med billeder fra den virkelige verden og ændrede dem på konceptuelle måder for at udtrykke abstrakte idéer. Suprematistiske og konstruktivistiske kunstnere arbejdede med genkendelige former i deres kunst, men brugte dem på tvetydige eller symbolske måder, eller på en måde, der forsøgte at formidle universelle sandheder. Men en anden gruppe kunstnere nærmede sig abstraktionen fra et helt andet perspektiv end de øvrige.

Epitomiseret af Wassily Kandinsky nærmede denne gruppe sig abstraktionen ud fra den opfattelse, at de ikke vidste, hvilken mening der kunne være i det, de malede. De håbede, at ved blot at male frit, uden forudfattede forestillinger om æstetik eller den objektive verden, kunne noget ukendt udtrykkes gennem deres værker. Kandinsky sammenlignede sine malerier med musikalske kompositioner, som kommunikerede følelser på en fuldstændig abstrakt måde. Hans abstrakte malerier var fantasifulde, følelsesladede, udtryksfulde, personlige, lidenskabelige og fuldstændig subjektive; med andre ord lyriske.

Wassily Kandinsky - Komposition 6, 1913. Olie på lærred. 76,8 × 118,1" (195,0 × 300,0 cm). Hermitage Museum, Sankt Petersborg

Lyrisk Abstraktion efter krigen

Kandinskys Lyriske Abstraktion stod i kontrast til mange af de andre abstrakte kunsttendenser i 1920’erne og 30’erne. Hans kunst var ikke specifikt forbundet med nogen religion, men der var noget åbenlyst åndeligt over den. Andre kunstnere forbundet med stilarter som De Stijl, Art Concrete og Surrealisme lavede kunst, der var verdslig og egnet til objektiv, akademisk fortolkning. Kandinsky søgte noget, der aldrig kunne defineres eller forklares fuldt ud. Han udtrykte sin personlige forbindelse til universets mysterier på en åben måde. Det var som om, han opfandt en slags åndelig eksistentialisme.

Eksistentialismen var en filosofi, der kom til fremtrædelse efter Anden Verdenskrig, hvor folk kæmpede for at forstå det, de opfattede som livets meningsløshed. Kritiske tænkere kunne ikke tro på, at en højere magt kunne eksistere, som ville tillade den slags ødelæggelse, de netop havde været vidne til. Men i stedet for at blive nihilistiske i den tilsyneladende gudsfravær, forsøgte eksistentialisterne at arbejde sig igennem livets overordnede meningsløshed ved at søge personlig mening. Som den eksistentialistiske forfatter Jean-Paul Sartre skrev i sin bog Being and Nothingness i 1943, “Mennesket er dømt til at være frit; han er ansvarlig for alt, hvad han gør.” Søgen efter det, der i bund og grund er personligt, var altafgørende for eksistentialismen og også for den udbredte genopblussen af Lyrisk Abstraktion efter Anden Verdenskrig.

Wassily Kandinsky - Det Sidste Domsdag, 1912. Privat samling

Under andre navne

I løbet af 1940’erne og 50’erne opstod en lang række abstrakte kunstbevægelser, som alle på den ene eller anden måde involverede subjektivt personligt udtryk som grundlag for at udtrykke mening i kunsten. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, abstrakt ekspressionisme, Farvefeltkunst og endda konceptuel og performativ kunst kunne alle, i en vis grad, spores tilbage til den samme generelle eksistentielle søgen. En af de mest indflydelsesrige kunstkritikere på denne tid, Harold Rosenberg, forstod dette, da han skrev, “I dag må hver kunstner påtage sig at opfinde sig selv...Kunstens mening i vores tid udspringer af denne funktion af selvskabelse.”

Men efterhånden som kulturen ændrede sig med den næste generation, faldt mange af disse eksistentielle tendenser i kunsten ud af favør. Og igen tog en upåvirket, konkret, geometrisk tilgang til abstrakt kunst, epitomiseret af Minimalismen, deres plads. Men ikke alle kunstnere opgav den lyriske tradition. Ved slutningen af 1960’erne vendte bølgen igen. Som Larry Aldrich påpegede, da han genopfandt begrebet Lyrisk Abstraktion i 1969, “Tidligt sidste sæson blev det klart, at der i maleriet var en bevægelse væk fra det geometriske, hårdkantede og minimale mod mere lyriske, sanselige, romantiske abstraktioner i farver, der var blødere og mere levende…Kunstnerens hånd er altid synlig i denne type maleri, selv når malerierne er lavet med sprøjtepistoler, svampe eller andre redskaber.”

Jean-Paul Riopelle - Komposition, olie på lærred, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Nutidig Lyrisk Abstraktion

Det er tydeligt, at som det ofte er tilfældet med bevægelser inden for kunsten, forudgik de tendenser, der definerer Lyrisk Abstraktion, selve navngivningen. I de første årtier af det 20. århundrede legemliggjorde kunstnere som Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee og Wols først lyriske tendenser i abstraktionen. Og årtier senere førte kunstnere som Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages og Joan Mitchell dem videre. Så i slutningen af 1960’erne og 70’erne genoplivede og udvidede kunstnere som Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko og dusinvis af andre relevansen af denne retning.

I 2015 gik en af de mest fascinerende stemmer inden for nutidig Lyrisk Abstraktion, den spanske kunstner Laurent Jiménez-Balaguer, bort. Men dens begreber, teorier og teknikker fortsætter med at manifestere sig på kraftfulde måder i dag i værker af kunstnere som Margaret Neill, hvis instinktive kompositioner af lyriske, sammenvævede linjer inviterer beskueren til en subjektiv deltagelse i personlig mening, og Ellen Priest, hvis værker vækker hendes livslange og fortsatte personlige æstetiske samtale med jazzmusikken til live. Det, der binder alle disse kunstnere sammen i et fælles bånd, er den grundlæggende søgen i Lyrisk Abstraktion: at udtrykke noget personligt, subjektivt og følelsesladet, og at gøre det på en poetisk, abstrakt måde.

Ellen Priest - Delfindans studie 15.

Forsidebillede: Margaret Neil - Switchback (detalje).
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio