Definere den Lyriske Abstraktion

Lyrisk Abstraktion er et tilsyneladende selvdefinerende begreb, og alligevel har dets oprindelse og betydning været debatteret i generationer. Den amerikanske kunstsamler Larry Aldrich brugte termen i 1969 til at definere naturen af forskellige værker, han for nylig havde samlet, som han mente signalerede en tilbagevenden til personlig udtryk og eksperimentering efter Minimalisme. Men den franske kunstkritiker Jean José Marchand brugte en variation af termen, Abstraction Lyrique, årtier tidligere, i 1947, til at referere til en fremvoksende europæisk trend inden for maleri, der var ligesom Abstract Expressionism i USA. Begge anvendelser af termen henviste til kunst, der var kendetegnet ved frie, følelsesladede, personlige kompositioner, der ikke var relateret til objektiv virkelighed. Men disse tendenser kan spores endnu længere tilbage, i det mindste til det første årti af det 20. århundrede og arbejdet af Wassily Kandinsky. For at afdække de sande rødder og betydningen af Lyrisk Abstraktion, og for at forstå, hvordan man interagerer med dens tendenser i kunsten, må vi se tilbage til de tidligste dage af abstrakt kunst.

At sætte det lyriske i lyrisk abstraktion

I 1910'erne flirtede flere forskellige grupper af kunstnere med abstraktion, hver fra et unikt perspektiv. Kubist og Futurist kunstnere arbejdede med billeder fra den virkelige verden og ændrede dem på konceptuelle måder for at udtrykke abstrakte ideer. Suprematist og konstruktivistiske kunstnere arbejdede med genkendelige former i deres kunst, men brugte dem på tvetydige eller symbolske måder, eller på en måde der forsøgte at formidle universaliteter. Men en anden gruppe kunstnere nærmede sig abstraktion fra et helt andet perspektiv end de andre.

Epitomiseret af Wassily Kandinsky, nærmede denne gruppe sig abstraktion fra den synsvinkel, at de ikke vidste, hvilken betydning der kunne være i det, de malede. De håbede, at ved blot at male frit, uden forudfattede forestillinger om æstetik eller den objektive verden, kunne noget ukendt blive udtrykt gennem deres arbejde. Kandinsky sammenlignede sine malerier med musikalske kompositioner, som kommunikerede følelser på en helt abstrakt måde. Hans abstrakte malerier var fantasifulde, følelsesladede, udtryksfulde, personlige, passionerede og helt subjektive; med andre ord, lyriske.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

Efterkrigstidens lyriske abstraktion

Kandinskys lyriske abstraktion stod i kontrast til mange af de andre abstrakte kunstretninger i 1920'erne og 30'erne. Hans kunst var ikke specifikt knyttet til nogen religion, men der var noget åbenlyst spirituelt ved den. Andre kunstnere, der var forbundet med stilarter som De Stijl, Art Concrete og Surrealisme, lavede kunst, der var sekulær og gav sig hen til objektiv, akademisk fortolkning. Kandinsky søgte noget, der aldrig kunne defineres eller forklares fuldt ud. Han udtrykte sin personlige forbindelse til universets mysterier på en åben måde. Det var som om, han opfandt en slags spirituel eksistentialisme.

Eksistentialismen var en filosofi, der kom til prominens efter Anden Verdenskrig, da folk kæmpede for at forstå, hvad de opfattede som livets meningsløshed. Kritiske tænkere kunne ikke tro, at en højere magt kunne eksistere, som ville tillade den slags ødelæggelse, de lige havde været vidne til. Men i stedet for at blive nihilistiske i den tilsyneladende fravær af Gud, forsøgte eksistentialisterne at arbejde sig gennem den overordnede meningsløshed i livet ved at søge personlig mening. Som den eksistentialistiske forfatter Jean-Paul Sartre skrev i sin bog Væren og Intethed i 1943: "Mennesket er dømt til at være frit; han er ansvarlig for alt, hvad han gør." Søgningen efter det, der i bund og grund er personligt, var altafgørende for eksistentialismen og også for den udbredte genopblussen af lyrisk abstraktion efter Anden Verdenskrig.

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

Under alle andre navne

I løbet af 1940'erne og 50'erne opstod der et stort antal abstrakte kunstbevægelser, der på en eller anden måde involverede subjektiv personlig udtryk som grundlag for at udtrykke mening i kunsten. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Abstract Expressionism, Color Field kunst, og endda konceptuel og performancekunst kunne alle, til en vis grad, spores tilbage til den samme generelle eksistentielle søgen. En af de mest indflydelsesrige kunstkritikere i denne tid, Harold Rosenberg, forstod dette, da han skrev, "I dag må hver kunstner påtage sig at opfinde sig selv... Meningen med kunst i vores tid flyder fra denne funktion af selvskabelse."

Men da kulturen ændrede sig med den næste generation, faldt mange af disse eksistentielle tendenser i kunsten ud af favor. Og endnu en gang tog en følelsesløs, konkret, geometrisk tilgang til abstrakt kunst, epitomiseret af Minimalisme, deres plads. Men ikke alle kunstnere forlod den lyriske tradition. Ved slutningen af 1960'erne var tidevandet endnu en gang vendt. Som det blev påpeget af Larry Aldrich, der genopfandt termen Lyrical Abstraction i 1969, "Tidligt i sidste sæson blev det tydeligt, at der i maleriet var en bevægelse væk fra det geometriske, hårde og minimale, mod mere lyriske, sanselige, romantiske abstraktioner i farver, der var blødere og mere livlige... Kunstnerens berøring er altid synlig i denne type maleri, selv når malerierne er lavet med spraypistoler, svampe eller andre genstande."

Jean-Paul Riopelle - Composition, Oil on canvas, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Nutidig Lyrisk Abstraktion

Det er tydeligt, at ligesom det ofte er tilfældet med bevægelser inden for kunst, så gik de tendenser, der definerer Lyrisk Abstraktion, forud for myntningen af termen. I de første årtier af det 20. århundrede legemliggjorde kunstnere som Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee og Wols først lyriske tendenser i abstraktion. Og årtier senere førte kunstnere som Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages og Joan Mitchell dem videre. Så i slutningen af 1960'erne og 70'erne revitaliserede og udvidede kunstnere som Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko og dusinvis af andre relevansen af denne position.

I 2015 døde en af de mest fascinerende stemmer inden for nutidig Lyrisk Abstraktion, den spanske kunstner Laurent Jiménez-Balaguer. Men dens koncepter, teorier og teknikker fortsætter med at manifestere sig på kraftfulde måder i dag i værkerne af sådanne kunstnere som Margaret Neill, hvis instinktive kompositioner af lyriske, sammenflettede linjer inviterer beskueren til en subjektiv deltagelse af personlig betydning, og Ellen Priest, hvis arbejde bringer hendes livslange og igangværende, personlige æstetiske samtale med jazzmusik til live. Det, der holder alle disse kunstnere sammen i et fælles bånd, er den grundlæggende søgen efter Lyrisk Abstraktion: at udtrykke noget personligt, subjektivt og følelsesmæssigt, og at gøre det på en poetisk, abstrakt måde.

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

Fremhævet billede: Margaret Neil - Switchback (detalje).
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio