Brice Marden og den kalligrafiske behandling af linjen
Udover traditionelle malerpensler ligger der spredt ud over et bord i Brice Mardens studie i New York dusinvis af pinde. Almindelige pinde fra træernes grene, bortset fra at hver pind er farvet i den ene ende, som følge af at være dyppet i blæk. Marden tegner med dem og skaber gestiske symboler i søjler og rækker på papir, i kompositioner der vækker minder om poesi skrevet på en rulle. Tegnet intuitivt fra Mardens fantasi er symbolerne delvist inspireret af kinesisk kalligrafi. De er også påvirket af objekter kaldet gongshí, også kendt som kinesiske lærde-sten. Gongshí-sten findes i, eller rettere udvælges fra naturen. De værdsættes for deres abstrakte fysiske egenskaber og bruges af lærde til eftertænksomme formål. Meget kan læres ved at studere deres former, deres folder, deres huller, deres asymmetriske balance, glansen på deres overflader, deres tekstur, deres farver og deres lighed med naturlige ting. Som i de malerier Marden laver, venter mulighederne i gongshí på at blive opdaget, skjult i fuld åbenhed i lagene og linjerne.
Det Flade Billede
Brice Marden blev kendt som maler i 1960’erne. Han modtog sin MFA fra Yale Universitet i 1963 og flyttede til New York samme år. Han fik hurtigt tilbudt et job som sikkerhedsvagt på Det Jødiske Museum. Der kunne han studere værker af sine mest fremtrædende samtidige. Omkring den tid følte mange af hans kunstnerkolleger en generel modvilje mod maleri. Nogle hånede det gammeldags rektangulære lærred og eksperimenterede med lærreder formet i usædvanlige former. Og mange kunstnere erklærede ligefrem maleriet for dødt.
Men Marden kunne ikke være mere uenig. Efter hans mening var der stadig meget for maleriet at gøre. Omkring 1964 begyndte han at rette sin opmærksomhed mod maleriets plan. Udtrykt på en anden måde henviser planen til hele overfladen af et maleri. Alt, hvad en maler tilføjer maleriet, findes inden for planen. Meget af modernismen fokuserede på at flade planen så meget som muligt ud, fjerne perspektiv, skub og træk eller noget, der kunne tilføre billedet dybde. For at opnå det ypperste af dette mål begyndte Marden at male monokromer, som han betragtede som den ultimative udtryk for fladhed. Han kaldte sin version af monokromet for Plane Image, fordi, som han sagde, “planen var billedet.”
Brice Marden - The Dylan Painting, 1966. Olie og bivoks på lærred. 153,35 x 306,07 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden
I Ros til Rektangler
Med hensyn til den hån, som malere i 1960’erne følte for det rektangulære lærred, var Brice Marden, og er stadig, bestemt ikke i hadlejr. Han betragter rektanglet som den ultimative form for et maleri. I et interview med National Gallery of Art i 2014 sagde han, “Rektanglet er en stor menneskelig opfindelse. I 60’erne var der meget snak om malerier med forskellige former. Men jeg kunne virkelig godt lide rektanglet. Og jeg tænkte, hvis man kunne få den helt rigtige farve til den form, og man virkelig havde det rigtigt, hvis man havde absolut korrekthed i formen, så ved Gud, hvad det maleri kunne gøre.”
Den idé, at et maleri kan gøre noget, viser i Marden en dybtfølt respekt for kunst generelt og især for maleri. I de år, hvor han lavede sine monokromer, foregik der en større samtale om, hvad kunst var og kunne være. Den populære idé var, at kunst kunne være alt, og at alt potentielt er kunst. Marden var uenig. Han forsvarede kunsten som en menneskelig bestræbelse og insisterede på, at et kunstværk skal være lavet af menneskehænder. Gennem 1960’erne og 70’erne opbyggede han sit ry ved at forsvare maleriet gennem sine dristige monokromer malet på ubeklagelige rektangler. Dette arbejde gjorde ham berømt, og i 1975 blev han betragtet som en af mestrene inden for Minimalisme og fik en soloretrospektiv på Guggenheim i New York.
Brice Marden - The Seasons, 1974-75. Olie på lærred. 243,8 x 632,5 cm. The Menil Collection, Houston, TX. © Brice Marden
Vest Møder Øst
Lige som Marden nåede toppen af sin berømmelse i 1970’erne, begyndte han også at søge nye retninger for sin kunst. I begyndelsen af 1980’erne fandt han den inspiration, han havde ledt efter, da en række møder med østlig kultur hjalp ham til en ny relation til det malede billede. Især lagde han mærke til kinesisk kalligrafi, beundrende både de gestiske linjer i de enkelte symboler og den gitterlignende kvalitet i søjlerne og rækkerne af de skrevne parvers.
Han begyndte en serie malerier baseret på kalligrafiske æstetikker kaldet Cold Mountain-malerierne. For at lave dem malede han et lag af intuitive, abstrakte kalligrafiske symboler, skrabede malingen af og malede et nyt lag symboler, gentog processen indtil kompositionen var løst. Navnet Cold Mountain var inspireret af Cold Mountain-digtene, en serie på hundreder af digte skrevet af en eremitisk kinesisk munk ved navn Hanshan i det 9. århundrede. Den nøgterne farvepalet og det kalligrafiske udseende af malerierne taler til æstetikken i digtrullerne, mens deres gestiske, lagdelte billeder fremkalder digtenes ånd, som omfavnede frihed, natur og søgen efter harmoni.
Brice Marden - Cold Mountain 6 (Bridge), 1989-1991. Olie på linned. 108 × 144 in. 274,3 × 365,8 cm. San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden
De Lærde Sten
Udover kalligrafi var den anden store østlige indflydelse på Marden hans møde med gongshí, eller kinesiske lærde-sten. I stenene siges det, at hele verden og alt liv er synligt. I de senere år har Marden samlet en samling af lærde-sten i sit studie. Han udforsker deres finurligheder, deres mønstre, deres lag, deres farveforhold og de komplekse harmonier, han observerer i dem. Disse observationer har manifesteret sig i en serie kaldet Red Rocks-malerierne.
I Red Rocks-malerierne arbejder Marden igen i lag, skaber lineære former, skraber dem ud, maler over dem og bygger gradvist malingen op, indtil billedet løser sig. De endelige former i disse malerier synes at relatere mere direkte til de naturlige former, der ses i stenene. Men de indeholder stadig den gestiske energi fra hans kalligrafiske mærker, hvilket giver kompositionerne en konstant følelse af bevægelse.
Brice Marden - Orange Rocks, Red Ground 3, 2000-2002. Olie på linned. 75 x 107 in. © Brice Marden
Det Hele Er I Maleriet
Desuden i sine Red Rock-malerier udvider Marden sin brug af linje helt ud til lærredets yderste kanter og bruger linjen som en måde at afgrænse rammen på, hvilket forstærker fornemmelsen af værkets rektangulære grænser. Om disse værker sagde han for nylig, at hans valg om at bruge linje på denne måde relaterede til spørgsmål om maleriernes natur og hvordan de blev fortolket. Han sagde, “Dette billede er ikke en detalje. Dette billede er sig selv. Intet foregår uden for det. Det er det, hele denne indramningssag handler om.”
Den udtalelse, at intet foregår uden for maleriet, og at alt væsentligt er indeholdt i det, er afgørende for de overordnede temaer i de østlige traditioner, der har inspireret de kalligrafiske lineære værker, Marden laver. Det er et alternativ til den kulturelle opfattelse, at mennesker på en eller anden måde eksisterer uden for naturen og kan operere uafhængigt af den. Virkeligheden er, at mennesker er en del af naturen, ikke adskilt fra den og iagttager den udefra. Alt er i naturen, inklusive os. Intet foregår uden for den.
Brice Marden - Return I, 1964-65. Olie på lærred. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). MoMA-samlingen. Delvis og lovet gave fra Kathy og Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York
Utydelige Linjer
Når man ser tilbage over de sidste seks årtier af Brice Mardens arbejde, er der sammenhænge, der går igen i hele hans værk. Hans farvevalg er konsekvent afdæmpet, og han har konsekvent omfavnet rektangler, enten direkte i sine rektangulære panelmonokromer eller indirekte i sine kalligrafiske lineære kompositioner. Men der har også været dybtgående forandringer, efterhånden som han er gået fra at søge total fladhed med Plane Image til at omfavne en lagdelt følelse af dybde i sit lineære arbejde.
For Marden repræsenterer disse forandringer et element af maleriet, som han værdsætter. Hvert maleri, han ser fra hvert stadium i sin karriere, minder ham om, hvem han var på det tidspunkt. At kunne gå tilbage og møde disse værker giver ham en følelse af, at han er forankret i noget uforanderligt, på trods af den konstante forandring. Som han engang udtrykte det, “En af tingene ved et maleri er, at det forbliver sådan. Og du kan gå tilbage til det. Og hver gang du går tilbage til det, er du anderledes, men det er det samme. Det er en stabil ting.”
Forsidebillede: Brice Marden - Second Letter, Zen Spring (detalje), 2006 – 2009. Olie på linned. © Brice Marden
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
