ABSTRAKT / IKKE ABSTRAKT af Gagosian og Jeffrey Deitch på Art Basel Miami Beach 2017

Art Week Miami 2017 er afsluttet, og med mere end et dusin samtidige messer og snesevis af pop-up-udstillinger rundt omkring i byen er det sikkert at sige, at ingen så det hele. Men trods konkurrencen lykkedes samarbejdet mellem Jeffrey Deitch / Larry Gagosian Art Basel Miami i Moore Building i Design District for tredje år i træk med at blive en af ugens mest omtalte udstillinger. Deitch og Gagosian er blandt de mest erfarne og vidende veteraner på kunstmarkedet, der lever i dag. Deitch begyndte sin karriere, mens han stadig gik på college, da han i begyndelsen af 1970'erne åbnede et galleri i et lille hotelværelse i Massachusetts. I 80'erne etablerede han Citibanks afdeling for kunstinvesteringer, og i 90'erne åbnede han Deitch Projects i New York. Han lukkede sit galleri i 2010 for at acceptere en stilling som direktør for Museum of Contemporary Art Los Angeles. Siden han forlod denne rolle i 2015, er han vendt tilbage til sine rødder som kunsthandler. Gagosian begyndte også sin karriere på college. I 1960'erne startede han med at sælge plakater nær UCLA's campus. Han opbyggede gradvist sin forretning og åbnede til sidst gallerier i Los Angeles og New York. Gagosian Gallery åbnede i 1980 og har i dag 16 lokationer rundt om i verden. Disse to visionære indledte deres samarbejde i Miami Beach i 2015 med ” Unrealism ”, en udstilling med værker af 50 internationale kunstnere, som undersøgte, hvad de så som en tilbagevenden til figurative billeder i samtidskunsten. I 2016 engagerede de Diana Widmaier Picasso (kunstnerens barnebarn) til at kuratere “ Desire ”, en udstilling, der undersøgte samtidige forestillinger om erotik i værker af 50 kunstnere. I år foretog Deitch og Gagosian en 180-graders vending fra deres første samarbejde og præsenterede “ABSTRACT / NOT ABSTRACT”, en udstilling med værker af 33 kunstnere, som forsøgte at udforske samtidskunstens abstrakte kunsts enorme dybde og bredde.

Disse rødder går dybt

Den oprindelige pressemeddelelse for ABSTRACT / NOT ABSTRACT fik udstillingen til at lyde, som om den skulle forsøge at vise hele abstraktionens udvikling. Den henviste til, at abstraktionens rødder strakte sig tilbage til omkring 1910, og fremhævede, hvor fantastisk det er, at kunstnere stadig mere end 100 år senere finder nye måder at udforske og udvide den abstrakte kunsts grænser på. Selvom det var ambitiøst, skræmte tanken om en sådan udstilling med kun 33 kunstnere i Moore Building mig. Rummet er stort og smukt og rummer mange vidunderlige områder, hvor kunst kan vises, men der skulle langt mere plads og måske tusindvis flere kunstnere til for at fortælle hele historien om den modernistiske abstraktions rødder.

Heldigvis forsøgte udstillingens endelige udformning ikke at påtage sig denne ambitiøse opgave. Dens fokus endte med at være afgjort mere nutidigt. Den var snarere en udforskning af abstraktionens sidste fire årtier. Blandt de ældre kunstnere i udstillingen var John Armleder og Richard Prince, begge tæt på 70, samt Rudolf Stingel, Jeff Koons og Albert Oehlen, alle i 60'erne. Blandt de yngre var Torey Thornton (27), hvis finurlige, Art Brut-agtige kompositioner fremmaner en drømmeverden mellem lørdag morgen-tegnefilm og et neonfarvet ødeland; Analia Saban (37), hvis afdæmpede værker i jordfarver fremkalder luksus, samtidig med at de antyder noget, der altid forbliver skjult; og Korakrit Arunanondchai (31), hvis visuelt eksplosive, tværdisciplinære værker anvender farve og form på spændende måder, der bringer usynlige energier til live på lærreder og skærme.

Jeff Koons - Landscape (Waterfall) I, 2007. © Jeff Koons. Fotografi af Rob McKeever. Udlånt af Gagosian

En ny kontekst for samtidsabstraktion

Det mest forfriskende ved ABSTRACT / NOT ABSTRACT er, at den lykkedes med at udvide det begrænsede begreb om abstrakt kunst, som kunstmedierne har haft i de senere år. Jeg er blandt de mange skribenter, der mener, at udstillingen var et effektivt argument imod eksistensen af den såkaldte Zombie Formalism. Første gang jeg læste dette begreb, var i 2014 i en artikel af Walter Robinson på Artspace. Robinson brugte begrebet som en måde at beklage, at så meget samtidsabstraktion efter hans mening ser ens ud. Han forklarede det således: “‘Formalisme’, fordi denne kunst involverer en ligefrem, reduktiv og essentialistisk metode til at skabe et maleri ... og ‘Zombie’, fordi den bringer Clement Greenbergs forkastede æstetik tilbage til live.” Efter min mening mangler dette synspunkt perspektiv. Det lyder mindre som oplyst kritik og mere som en forpint tirade fra en overbebyrdet kunstanmelder, der har set for mange udstillinger med lignende værker på kort tid.

Virkeligheden er mere levende, end Robinson lod forstå. Jo, fortiden påvirker nutiden. Men når det gælder samtidens æstetik, er alt fra alle tidsperioder gyldigt hele tiden. En person, der kan lide tekstur, kan nyde at se på værker af hundredvis af kunstnere, som udforsker tekstur, uden nogensinde at kede sig. En person, der finder mening i farveforhold, kan se på hundredvis af kunstnere, der er optagede af farveteori, uden nogensinde at blive træt af det. En person, der værdsætter abstraktion og forstår den iboende vanskelighed ved at skabe et nyt kunstværk, ville aldrig håne en hel generation af kunstnere med en betegnelse, der får dem til at fremstå afledte og banale. Derfor roser jeg Deitch og Gagosian. Med ABSTRACT / NOT ABSTRACT bidrog de på deres beskedne måde til at lægge ideen om Zombie Formalism i graven. Selvom de sagtens kunne have inkluderet mange flere kunstnere og fyldt langt mere plads, giver udvalget af kunstnere i denne udstilling et tilstrækkeligt varieret indblik i spændvidden af de værker, som abstrakte kunstnere skaber i dag, til uomtvisteligt at bevise, at abstraktionens rødder stadig er lige så sunde, som de nogensinde har været, og går lige så dybt, som de nogensinde har gjort.

John M. Armleder - Galaxy, 2014. Foto af EPW Studio. Udlånt af kunstneren og Massimo De Carlo, Milano/London/Hongkong samt Gagosian

Fremhævet billede: Steven Parrino - Untitled, 1988, emalje på lærred, 72 × 108 in, 182.9 × 274.3 cm, © Steven Parrino. Udlånt af Parrino Family Estate og Gagosian Gallery. Fotografi af Rob McKeever.

Alle billeder er udelukkende brugt til illustrative formål

Af Phillip Barcio 2017

Redigeret af IdeelArt (2026)