Et interview med Jeremy Annear

Jeremy Annear (f.1949) er en højt respekteret og succesfuld abstrakt kunstner baseret i Cornwall, England. Hans værker er ejet af Ionian Trust og The Royal Holloway Collection blandt andre, og han har udstillet internationalt i Canada, Amerika, Tyskland, Frankrig og Holland; alle steder som har haft deres egen unikke indflydelse på hans arbejde. Hans seneste udstilling på Lemon Street Gallery i Truro, en fællesudstilling med sin kone, Judy Buxton, fungerede som en form for hjemkomst for kunstneren, for hvem det korniske landskab er en stor kilde til inspiration og eftertænksomhed. Vi talte med Jeremy om udstillingen, hans karriere og hans syn på Abstraktion.

Kan du fortælle os om den nylige udstilling "Twofold: in Art and Life" på Lemon Street Gallery?

Lemon Street galleri er et førende galleri i Cornwall, og det har et meget godt omdømme nationalt. Det ligger på tre etager, og Judy, min kone, skulle have en udstilling i hele galleriet, men da hun følte, at hun ikke ville besætte alle tre etager, blev vi overbevist af Louise Jones, galleristen, om at vise sammen. Jeg havde en soloudstilling i kælderen af galleriet, som er et smukt hvidt kube rum, meget minimalistisk, meget moderne, det passer rigtig godt til mit arbejde. Jeg havde omkring 30 værker i udstillingen.

Dette var første gang, du delte en udstilling med din kone, var der nogen interaktion mellem jeres værker?

Nej, vores arbejde er virkelig meget forskelligt, og det er sandsynligvis hemmeligheden bag vores succesfulde malepartnerskab i tredive år. Jeg har enorm respekt for Judy som en ekspressiv figurativ maler, og jeg synes, hun har et fantastisk øje. Jeg kommer fra et meget andet sted, fra en modernistisk tradition med mine rødder tilbage til ikonmaleri og derefter italiensk Quattrocento maleri, så jeg kommer gennem den slags billede ind i 20. århundredes modernisme og folk som Picasso og Paul Klee. Der er en meget anderledes sensibilitet i arbejdet.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Olie på lærred. 80 x 100 cm.

Du beskriver en legende tilgang til maleri: kan du uddybe dette aspekt af din praksis?

Jeg tror, der er en dybere mening med leg end den generelt forståede betydning af leg – som i, hvis du leger, så laver du ikke noget seriøst – men jeg tror, der er en tilgang, især inden for kreativitet og tænkning, hvor leg er en let tilgang, og du anerkender ting som ironi og metafor og endda aspekter af drilleri og narrestreger, som i 'dåren' i litteraturen. Når jeg taler om leg, taler jeg om det i den forstand; det er et sted, hvor du er frigjort fra en pedantisk alvor, men det har en anden form for alvor, som er frygteligt produktiv.

Kan du beskrive dine erfaringer med at arbejde og udstille i andre lande?

Jeg har altid haft et godt forhold til at vise arbejde i Tyskland og Schweiz. Jeg boede i Worpswede, Tyskland, i et år. Det er et absolut fantastisk sted, der tilbyder mange kunstner-, musiker- og forfatterophold – mit var et meget generøst DAAD-stipendium – og det var meget interessant at være i Tyskland, at arbejde der og møde andre kunstnere, mange af dem fra Østeuropa, men også en del tyske kunstnere, og at føle den lidt overvældende fornemmelse i Tyskland af, at tingene skal være meget veludførte og meget klare. Landskabet afspejlede det, fordi det er de genvundne moseland i det nordlige Tyskland. Det er meget hedeland, som er genvundet vand, så selvom jeg ikke var nær havet, følte jeg, at jeg sad ved havet. Det er tørvemosse, og sorte diger er skåret ind i landskabet for at tæmme det, hvilket skaber velordnede lige linjer i miles, men samtidig begynder vegetationen at tage over, og noget af ordenen bliver uordentliggjort af et uroligt naturliv. Det er et smukt landskab, men det tog mig lang tid at komme ind i det, fordi jeg fandt det næsten skræmmende, da det var så strengt og stift. Når jeg først kom ind i det, nød jeg det virkelig. Jeg har også arbejdet meget i Australien og i Spanien og Frankrig, så jeg kan virkelig godt lide at arbejde i varme. Jeg kan lide kulturen, der ofte er omkring varme steder: muligheden for at være lidt mere fysisk fri i et varmt land, snarere end i fugtige gamle Cornwall!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Olie på lærred. 100 x 80 cm. 

Har alle de forskellige steder taget dit arbejde i forskellige retninger?

De har givet mig evnen til at se arbejdet mere bredt. I Tyskland var jeg meget interesseret i idéen om collage, både filosofisk og i at lave collage, og idéen om at overlappe et koncept eller en idé med en anden idé; en lagdelt tilgang til arbejdet. I Australien blev jeg blæst væk af den giftige fornemmelse af et landskab, der forfalder, men fornyer sig selv, som om det konstant bliver testet af ild. I Frankrig og især Spanien elskede jeg den modige fornemmelse, som det spanske folk har – det er et varmt, blodigt land, Spanien, det har den fornemmelse af at leve lidt i et farligt sted i forhold til politikken, og jeg kan lide den kant; jeg kan lide den mørke, der skabes af den ekstreme lysstyrke: fornemmelsen af chiaroscuro. Jeg kan lide de røde nuancer, der skabes af varmen. Visse ting i forskellige lande har virkelig haft indflydelse på den måde, jeg arbejder på.

Hvorfor valgte du Abstraktion?

Det enkle svar er, at Abstraktion valgte mig. De åndelige og filosofiske spørgsmål og de store spørgsmål har altid tiltrukket mig, selv i mine formative år. Det har altid eksisteret i kunsten og har at gøre med hvorfor og hvordan: formen og konceptet bag fortælling og figuration.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018. Olie på lærred. 60 x 40 cm.

Mener du, at abstrakt maleri har haft en renæssance i de seneste år?

Jeg gør faktisk ikke. Jeg har ret stærke følelser, især omkring den britiske tilgang til Abstraktion, fordi jeg mener, at briterne generelt finder Abstraktion meget vanskelig. Jeg tror, at den britiske sensibilitet er at finde narrativ i tingene, så vi har en meget stærk litterær og musiktradition i Storbritannien, men jeg føler, at kunsttraditionen ikke har været så stærk med hensyn til Abstraktion. Et sted som Tyskland er meget bedre til at håndtere abstrakte begreber og tænkning. Der er en tendens, anekdotisk talt, i kunstverdenen til et foto-realistisk, fejlfrit, perfekt i kunsten, som ikke nødvendigvis er abstrakt, men som har lag af betydning, en postmoderne tilgang: et collage af både abstraktion og figuration. Jeg elsker ren abstraktion, selvom jeg ikke altid har været en ren Abstraktionist; jeg har sandsynligvis været igennem en fase med at abstrahere objekter til det, jeg nu føler er et sted med ren abstraktion.

Arbejder du nogensinde på at revidere nogle stykker eller genbesøge tidligere produktion?

Jeg er kommet tilbage til arbejdet og har arbejdet på det igen. Jeg arbejder aldrig på ét stykke ad gangen; jeg arbejder på et samlet værk. Jeg har en række malerier, der kan arbejdes på i studiet. Jeg mener også, at mit liv som maler ikke handler om individuelle malerier, men om søgen efter den mest essentielle erklæring, jeg kan lave, så enkelt og minimalt som muligt. Mit ideelle maleri ville være et helt blankt rum, men en overflade, der også var fængslende på samme tid, men det er ligesom perfektion, som jeg ved, jeg aldrig vil opnå! Jeg formoder, at jeg virkelig søger efter essensen af det sprog, jeg taler; maleri er mit sprog, og jeg prøver at finde den bedste måde at sige, hvad jeg vil sige, så kortfattet som muligt.

Har der været en nylig udstilling, der har skilt sig særligt ud for dig?

Jeg så for nylig en Louise Bourgeois udstilling i Malaga på Picasso-museet, som var helt fantastisk, og jeg elsker virkelig hendes arbejde. Jeg nød også et nyligt besøg på Miró-museet i Barcelona. Braque har jeg altid betragtet som min maler-far; der er noget, jeg finder frygteligt dragende i hans arbejde. At se på Braques liv, hans op- og nedture i maleriet og den mand, han var: jeg finder hans liv fascinerende. Jeg er en elsker af modernisme i alle dens former, musik, arkitektur og kunst. Og jeg er en stor elsker af brutalismen i arkitektur og minimalismen i musik.

Fremhævet billede: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Olie på lærred. 70 x 90 cm.