Et interview med Jeremy Annear

Jeremy Annear (f.1949) er en højt respekteret og succesfuld abstrakt kunstner bosat i Cornwall, England. Hans værker findes blandt andet i Ionian Trust og The Royal Holloway Collection, og han har udstillet internationalt i Canada, Amerika, Tyskland, Frankrig og Holland; alle steder, der har haft deres egen unikke indflydelse på hans arbejde. Hans seneste udstilling på Lemon Street Gallery i Truro, en fælles udstilling med hans kone, Judy Buxton, fungerede som en slags hjemkomst for kunstneren, for hvem det korniske landskab er en stor kilde til inspiration og eftertanke. Vi talte med Jeremy om udstillingen, hans karriere og hans syn på abstraktion.

Kan du fortælle os om den seneste udstilling "Twofold: in Art and Life" på Lemon Street Gallery?

Lemon Street Gallery er et førende galleri i Cornwall og har et meget godt ry nationalt. Det ligger på tre etager, og Judy, min kone, skulle have haft en udstilling over hele galleriet, men da hun følte, at hun ikke ønskede at besætte alle tre etager, blev vi overtalt af Louise Jones, galleristen, til begge at udstille. Jeg havde en soloudstilling i galleriets kælder, som er et smukt hvidt kube-rum, meget enkelt, meget nutidigt, det passer meget godt til mit arbejde. Jeg havde omkring 30 værker med i udstillingen.

Det var første gang, du delte en udstilling med din kone, var der nogen samspil mellem jeres værker?

Nej, vores arbejde er virkelig meget forskelligt, og det er nok hemmeligheden bag vores succesfulde malerpartnerskab gennem tredive år. Jeg har enorm respekt for Judy som en udtryksfuld figurativ maler, og jeg synes, hun har et utroligt øje. Jeg kommer fra et helt andet sted, fra en modernistisk tradition med rødder tilbage til ikonmaleri og derefter italiensk Quattrocento-malerkunst, så jeg kommer gennem den slags billeder ind i det 20. århundredes modernisme og folk som Picasso og Paul Klee. Der er en meget anderledes følsomhed i arbejdet.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016. Olie på lærred. 80 x 100 cm.

Du beskriver en legende tilgang til maleri: kan du uddybe denne del af din praksis?

Jeg tror, der er en dybere mening med leg end den almindeligt forståede betydning af leg – som i, hvis du leger, laver du ikke noget alvorligt –, men jeg mener, der er en tilgang, især inden for kreativitet og tænkning, hvor leg er en let håndtering, og man genkender ting som ironi og metafor og endda elementer af drilskhed og narrestreger, som i ’fjolset’ i litteraturen. Når jeg taler om leg, taler jeg om det i den forstand; det er et sted, hvor man frigøres fra en pedantisk alvor, men det har en anden slags alvor, som er særdeles produktiv.

Kan du beskrive dine oplevelser med at arbejde og udstille i andre lande?

Jeg har altid haft et godt forhold til at vise arbejde i Tyskland og Schweiz. Jeg boede i Worpswede, Tyskland, i et år. Det er et helt fantastisk sted, som tilbyder mange kunstnere, musikere og forfattere ophold – mit var et meget generøst DAAD-stipendium – og det var meget interessant at være i Tyskland, arbejde der og møde andre kunstnere, mange af dem fra Østeuropa, men også en del tyske kunstnere, og at mærke den lidt overvældende følelse i Tyskland af, at ting skal være meget veludførte og meget klare. Landskabet afspejlede det, fordi det er de inddæmmede moseområder i det nordlige Tyskland. Det er meget hedeland, som er inddæmmet vand, så selvom jeg ikke var tæt på havet, følte jeg, at jeg sad på havet. Det er tørvemos, og sorte diger er skåret ind i landskabet for at tæmme det, hvilket skaber velordnede lige linjer i miles, men samtidig begynder vegetationen at overtage, og noget af ordenen bliver forstyrret af et uregerligt naturliv. Det er et smukt landskab, men det tog mig lang tid at komme ind i det, fordi jeg fandt det næsten skræmmende, da det var så strengt og stift. Da jeg først kom ind i det, nød jeg det virkelig. Jeg har også arbejdet meget i Australien og i Spanien og Frankrig, så jeg kan virkelig godt lide at arbejde i varme. Jeg kan godt lide kulturen, der ofte findes omkring varme steder: muligheden for at være lidt mere fysisk fri i et varmt land, i stedet for i det fugtige gamle Cornwall!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018. Olie på lærred. 100 x 80 cm. 

Har alle de forskellige steder ført dit arbejde i forskellige retninger?

De har givet mig evnen til at se arbejdet bredere. I Tyskland var jeg meget interesseret i idéen om collage, både filosofisk og i at lave collage, og idéen om at lægge et koncept eller en idé oven på en anden idé; en lagdelt tilgang til arbejdet. I Australien blev jeg blæst bagover af den giftige følelse af et landskab, der forfalder, men fornyer sig selv, som om det konstant bliver testet af ild. I Frankrig og især Spanien elskede jeg den modige følelse, som spanierne har – Spanien er et varmt forbandet land, det har den følelse af at leve lidt farligt, når det gælder politik, og jeg kan godt lide den kant; jeg kan godt lide mørket, der skabes af den ekstreme lysstyrke: følelsen af chiaroscuro. Jeg kan godt lide de røde farver, som varmen skaber. Visse ting i forskellige lande har virkelig haft indflydelse på den måde, jeg arbejder på.

Hvorfor valgte du abstraktion?

Det enkle svar er, at abstraktionen valgte mig. Det åndelige og filosofiske og de store spørgsmål har altid tiltrukket mig, selv i mine formative år. Det har altid eksisteret i kunsten og handler om hvorfor og hvordan: formen og idéen bag fortælling og figurativt.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018. Olie på lærred. 60 x 40 cm.

Tror du, at abstrakt maleri har haft en genopblomstring i de senere år?

Det gør jeg faktisk ikke. Jeg har ret stærke følelser især omkring den britiske tilgang til abstraktion, fordi jeg synes, at briterne generelt finder abstraktion meget svær. Jeg mener, at den britiske følsomhed er at finde fortælling i ting, så vi har en meget stærk litterær og musikalsk tradition i Storbritannien, men jeg føler, at kunsttraditionen ikke har været så stærk, når det gælder abstraktion. Et sted som Tyskland er meget bedre til at håndtere abstrakte begreber og tænkning. Der er en tendens, anekdotisk set, i kunstverdenen til et foto-realistisk, fejlfrit færdigt, perfektion i kunsten, som ikke nødvendigvis er abstrakt, men som har lag af mening, en postmoderne tilgang: en collage af både abstraktion og figurativt. Jeg elsker ren abstraktion, selvom jeg ikke altid har været en ren abstraktionist; jeg har nok gennemgået en fase med at abstrahere objekter til det, jeg nu føler er et sted med ren abstraktion.

Går du nogensinde tilbage og bearbejder værker eller genbesøger tidligere produktion?

Jeg er kommet tilbage til værker og har arbejdet videre på dem. Jeg arbejder aldrig på ét værk ad gangen; jeg arbejder på en samling af værker. Jeg har flere malerier, som kan bearbejdes i atelieret. Jeg mener også, at mit liv som maler ikke handler om enkelte malerier, men om søgen efter det mest væsentlige udsagn, jeg kan give, så enkelt og så sparsomt som muligt. Mit ideelle maleri ville være et helt tomt rum, men en flade, der samtidig var fængslende, men det er som perfektion, som jeg ved, jeg aldrig vil opnå! Jeg går vel egentlig og søger det væsentlige i det sprog, jeg taler; maleri er mit sprog, og jeg prøver at finde den bedste måde at sige, hvad jeg vil sige, så kortfattet som muligt.

Har der været en nylig udstilling, der særligt har gjort indtryk på dig?

Jeg så for nylig en Louise Bourgeois-udstilling i Malaga på Picasso-museet, som var helt fantastisk, og jeg elsker virkelig hendes arbejde. Jeg nød også et nyligt besøg på Miró-museet i Barcelona. Braque har jeg altid betragtet som min maler-fader, der er noget, jeg finder særdeles fængslende i hans arbejde. At se på Braques liv, hans op- og nedture som maler og den mand, han var: jeg finder hans liv fascinerende. Jeg er en elsker af modernismen i alle dens former, musik, arkitektur og kunst. Og jeg er en stor beundrer af brutalismen i arkitektur og minimalismen i musik.

Fremhævet billede: Jeremy Annear - Red Field V, 2012. Olie på lærred. 70 x 90 cm.