At fange tidens flygtighed - Fotografiet af Hiroshi Sugimoto

Dobbeltudstillinger, der løber frem til 22. december på Marian Goodman Gallerys lokationer i Paris og London, udforsker arbejdet af Hiroshi Sugimoto, anerkendt fotograf, skulptør og konceptuel kunstner, hvis arbejde adresserer mysterierne ved menneskelig perception. London-udstillingen, med titlen Snow White, fokuserer på en samling fotografier, som Sugimoto har arbejdet på siden 1978, kaldet hans Teater-serie. Hver fotografi i serien viser en biograf med skærmen i midten af billedet. Skærmen lyser klart, som et sølvlys. For at tage disse billeder opsætter Sugimoto et storformatskamera, åbner lukkeren og holder lukkeren åben under hele filmen, hvilket fanger hver ramme af filmen på én ramme film. Fotografierne fanger tidens gang og rejser spørgsmål om, hvad der er virkeligt, og hvad der er fiktion. I mellemtiden fokuserer Paris-udstillingen, med titlen Surface Tension, på to andre værker, som Sugimoto har arbejdet på. Det første er hans Seascape-serie, som han har udviklet siden 1980. Til denne serie tager Sugimoto billeder af rolige have over hele verden. Hvert foto er perfekt afbalanceret—halv vand og halv luft, med horisontlinjen i midten af billedet. Og ved siden af Seascape-billederne vises fem skulpturelle værker fra en serie kaldet Five Elements. Disse skulpturer består af fem geometriske former, der symboliserer jord, vand, ild, luft og tomhed. Hver skulptur har en kugle, der symboliserer vand, og hver kugle indeholder et fotografi fra Seascape-serien. Begge disse udstillinger er et must-see. Men som med mange Sugimoto-udstillinger, berører de kun overfladen af det enorme værk, denne kunstner har skabt. Så hvis du ikke er bekendt med hans arbejde, her er et par flere af de mange sider af Hiroshi Sugimoto.

Se som et kamera

Hiroshi Sugimoto blev født i Tokyo i 1948. Han lærte at tage billeder som barn, men overvejede ikke fotografi som en karriere før meget senere. Han studerede økonomi på St. Paul’s University i Japan. Men fire år efter sin eksamen flyttede Sugimoto til Los Angeles og tilmeldte sig kandidatkurser på Art Center College of Design. Og samme år fik han en åbenbaring om det kunstneriske potentiale for fotografi til at afsløre skjulte sandheder om verden. Hans åbenbaring skete på en rejse til New York City, hvor han besøgte American Museum of Natural History. Museet er kendt for sine dioramaer, hvor livsstørrelse modeller af mennesker og dyr gennem historien præsenteres blandt artefakter fra deres periode. I baggrunden af hvert diorama er der enten et fotografi eller et maleri af naturen, hvilket tilføjer et todimensionelt element til scenen, der åbenlyst er falsk, og som normalt er lidt klichéagtigt.

Mens han stirrede på en af disse dioramaer, lukkede Sugimoto tilfældigt det ene øje. Det fik ham pludselig til at indse, at ved at se på noget med kun ét øje, fladede han hele scenen, så den så ud, som den ville, hvis den blev fotograferet med et kameralinse. At se på dioramaet på denne måde fik hele tingene til at se mere realistiske ud. Så Sugimoto vendte tilbage til museet med sit kamera og tog sort-hvide fotografier af dioramaerne. Utroligt nok fladede fotografierne alle elementerne i dioramaerne, ikke kun baggrunden, og scenerne fik en uhyggelig realisme. Hans Diorama-serie blev den første af mange værker, han siden har forfulgt, som involverer at fotografere noget igen, eller tage fotografier af noget, der er falsk, såsom figurer i voks-museer. Da han blev spurgti et interview fra 2014 med Getty Museum Direktør Timothy Potts om sin fascination af denne proces, sagde Sugimoto, “Fotografi er at lave en kopi af virkeligheden, men når det bliver fotograferet to gange, går det tilbage til virkeligheden igen. Det er min teori.”

Hiroshi Sugimoto - Kegon Vandfald, 1976, Gelatin sølvtryk, Neg. #00.001, Billede: 47 x 58 3/4 tommer (119,4 x 149,2 cm), Ramme: 60 11/16 x 71 3/4 tommer (154,2 x 182,2 cm), Udgave af 5, (20200)

Hvad du kigger på

Sugimoto fulgte sin Diorama-serie op med sine første Teater-fotografier. Ligesom Diorama-serien stillede Teater-serien spørgsmålet om, hvorvidt det, der er synligt på fotografiet, er virkeligt. Hvis vi ser en Hollywood-film, ved vi, at vi ikke ser noget, der faktisk er sket. Det er skrevet, så det er falsk, ikke? Og alligevel fanger disse fotografier, som Sugimoto tager, der indeholder den visuelle information fra hele film, noget, der virkelig skete - visningen af filmen. Fotografierne fanger virkeligheden, en kendsgerning, der understreges i Drive-In Teater-versionerne af serien, som fanger lysstriber på himlen bag skærmen, mens fly passerer forbi gennem filmen. Så er det, vi ser på, virkeligt eller falsk? Det klare, sølvfarvede lys i midten af billedet er ikke kun lys - det er en historie. Og selvom det var skrevet, skete det. Som Sugimoto påpeger, gør det på en eller anden måde at fotografere det to gange det virkeligt igen.

Efter at have påbegyndt sin Teater-serie, gik Sugimoto i gang med sin Havlandskab-serie. Billederne i denne serie er, formelt set, geometriske og abstrakte. Når de ses i grupper, får billederne også en typologisk tilstedeværelse i traditionen fra Bernd og Hilla Becher. Selvom disse ikke er billeder af billeder, som var tilfældet med billederne i hans tidligere Diorama- og Teater-serier, udfører de alligevel en lignende funktion. Sugimoto viser os billeder af forskellige ting, der ser ens ud. Han viser dem til os, som de fremstår på forskellige tidspunkter af dagen og under forskellige atmosfæriske forhold. De er åbenlyst forskellige. Men de er også åbenlyst de samme. Luften og vandet er blot en del af den fysiske verden. Men de får også en abstrakt kvalitet. Havet bliver et symbol. Og vi kan igen spørge, hvad vi ser på. Er disse billeder af den virkelige verden, eller er de opløst i allegori eller metafor?

Hiroshi Sugimoto - N. Pacific Ocean, Ohkurosaki, 2013, Gelatin silver print, Neg. #582, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20192)

Billeder af verden

Sugimoto kalder dette fænomen, hvor det virkelige opløses i det uvirkelige, og omvendt, i sit værk, "en testmetode til at undersøge menneskelig perception." Og han har fortsat denne testmetode på flere fascinerende måder gennem årtierne. I 1990'erne rejste han tilbage til Japan og, efter at have kæmpet med syv års bureaukrati, fik han lov til at fotografere en gammel installation inde i et buddhistisk tempel kaldet "Den Tusenarmede Barmhjertige Bodhisattva Avalokitesvara." Installationen har en multitude af skulpturelle repræsentationer af Buddha som den fysiske manifestation af efterlivet. Sugimoto fotograferede installationen på forskellige tidspunkter af dagen, hvilket viste skygger og lys, der oplyste forskellige elementer på forskellige tidspunkter. Den resulterende serie, Hav af Buddha, er en abstrakt undersøgelse af form og tid.

I sin Arkitektur-serie, der også blev påbegyndt i 1990'erne, tager Sugimoto helt slørede billeder af ikoniske arkitektoniske former, såsom World Trade Center-tårnene og Eiffeltårnet. I mellemtiden, for sin "Praise of Shadow"-serie, tænder han et lys hver aften ved et åbent vindue og tager en enkelt eksponering af det, mens det brænder med lukkeren åben på sit kamera hele tiden, indtil lyset brænder ned eller blæser ud. I sin Pine Trees-serie tog han slørede billeder af perfekte fyrretræer i det japanske kejserpalads og kollagerede dem derefter sammen i surrealistiske kompositioner, der kan sammenlignes med 16. århundredes Shorinzu "Pine Forest Screens." Alle disse serier viser den virkelige verden på en sløret, drømmende måde. Alle har lange eksponeringer. De tager os tilbage i tiden og giver os mulighed for at forbinde os med gamle, universelle visioner om arkitektur, lys og natur. De hjælper os med at se disse ting som både minder og ideer.

Hiroshi Sugimoto - Salle 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013, Gelatin silver print, Neg. #279, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20218)

Verden i sort og hvidt

Udover hver af de allerede nævnte værker har Sugimoto også flere andre serier, han arbejder på, som hver strækker sig over år, hvis ikke årtier. Udover sit fotografiske arbejde skaber han også skulpturer, deltager i optrædener og laver stedsspecifikke værker. Alt dette, han laver, virker forskelligt og muligvis uafhængigt, men i deres kerne kan de alle forstås med den samme ræsonnering, som Sugimoto bruger, når han besvarer spørgsmålet om, hvorfor han så ofte vælger at tage fotografier i sort og hvidt. Hans svar på det spørgsmål er: “Troverdighed er bedre i sort og hvidt end i farve.”

Farvefotografier fanger aldrig vores sande oplevelse af farve. Så ved at vælge sort-hvid gør han billeder, der er mere abstrakte og mere universelle. Det er en variation af det japanske koncept honka-dori, eller at imitere arbejdet fra en anden kunstner. Sugimoto repræsenterer det, der allerede eksisterer i forskellige former, men en perfekt kopi er ikke mulig, og det er heller ikke ønskeligt. Så han viser os virkeligheden i abstrakt form. Han refererer til vores minder og vores fælles fortid. Han er, som han siger, "taking up the melody", som en måde at fremkalde noget lignende og universelt, som forhåbentlig alle kan forstå.

Hiroshi Sugimoto - Tasman Sea, Rocky Cape, 2016, Gelatin silver print, Neg. #584, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20193)

Fremhævet billede: Hiroshi Sugimoto - Paramount Theater, Newark, 2015 Gelatin sølvtryk, Neg. #36.002, Billede: 47 x 58 3/4 tommer (119,4 x 149,2 cm), Ramme: 60 11/16 x 71 3/4 tommer (154,2 x 182,2 cm), Udgave af 5, (20220)

Alle billeder © Hiroshi Sugimoto, venligst udlånt af kunstneren og Marian Goodman Gallery

Af Phillip Barcio