Hvordan Sonya Rapoport Brugte Abstraktion til at Banebrydende Computer Kunst
Sonya Rapoport er i fokus. Eller mere præcist, siden den Berkeley, Californien-baserede kunstner gik bort i 2015, har den enorme kunstneriske arv, hun efterlod sig, fået opmærksomhed. Efter store gruppeudstillinger på SFMOMA og Hunter College Art Galleries i 2019, vil hendes værker i år blive fremhævet i en solopræsentation i Frieze New York Spotlight-sektionen, samtidig med udstillingen Sonya Rapoport: Biorhythm, en delvis retrospektiv på San Jose Museum of Art fra 7. februar til 5. juli 2020. Rapoport begyndte sin karriere som abstrakt maler og billedhugger. Hendes tidlige værker blev fejret i 1963 i en udstilling, der ironisk nok blev kaldt en “midt-karriere” retrospektiv. Umiddelbart efter den udstilling ændrede Rapoport fundamentalt sin praksis og blev en pioner inden for såkaldt Computerkunst, en udtryksform hun kontinuerligt udforskede og redefinerede i 52 år. Mange kuratorer og forfattere kalder også Rapoport en af de tidligste skabere af Internetkunst, da hun allerede i 1970’erne inkorporerede elementer som personlige dataanalyser og digitale sociale interaktioner i sine installationer. Det kan dog være mere præcist at sige, at Rapoport selv var en slags gående proto-Internet. Hendes sind var et virtuelt bibliotek af esoterisk viden; hun var en forbindelsesperson, der samlede forskellige eksperter til samarbejde om eksperimenterende æstetisk forskning; og hendes inspirerede projekter krydsbefrugtede individer og organisationer langt ud over kunstens område. Delvist formalist, delvist shaman, delvist digter, delvist analytiker, delvist samler og delvist anarkist, skabte Rapoport en af de mest komplekse kunstneriske praksisser i det forgangne århundrede. At afdække alle symboler, betydninger og lag i hendes værker kunne tage en kunsthistoriker et helt liv – og et herligt liv ville det være. Alligevel, i hastværket med at sætte mærkater som Computerkunstner og Internetkunst-pioner på Rapoport, undrer jeg mig over, om vi overser det mest væsentlige aspekt af hendes arbejde: dens menneskelighed.
Digital Mudra
En af de første interaktive kunstinstallationer, Rapoport lavede, var Digital Mudra (1987). En mudra er en symbolsk gestus eller stilling. Ordet mudra stammer fra hinduistiske, jainistiske og buddhistiske traditioner, men alle kulturer bruger håndbevægelser som en genvej til at formidle information og mening. Digital Mudra udnyttede mudras universelle karakter ved at sammenligne tegninger af gamle mudras med billeder af nutidige mennesker, der fysisk udtrykte deres følelser. Rapoport inviterede også andre kunstnere til at komponere digte baseret på mudra-ord, som hun derefter fortolkede til mudra-digte, der blev vist i udstillingen. Besøgende i galleriet blev inviteret til at deltage ved at få deres egne gestusser analyseret af en computer, som derefter udskrev deres tilknyttede mudra-symboler og ord, som så kunne analyseres af en digitaliseret version af den indiske digter Rabindranath Tagore, hvilket resulterede i et personligt epigram, der kunne hænges op på “mudra-væggen” som “tempelskrifter.”
Sonya Rapoport - Biorhythm Kalender (detalje), 1980. Multimedie-collage på kontinuerligt computerprint på vellum over fundne kalendere, 31,75 x 45,25 tommer hver. Med tilladelse fra Sonya Rapoport’s bo
Selvom det er fristende at sige, at Digital Mudra var en computerinstallation, virker det for mig mere abstrakt end som så. Det virker mere som et forsøg på at undergrave vores afhængighed af det, der kan vides. Rapoport legede med idéen om, at folk ønsker at tro på en magt ud over deres egen forstand. Digital Mudra involverede computere, men samlede også mystik, åndelige traditioner, filosofi, poesi og kunst. Vigtigst af alt skabte det en social situation, hvor folk blev opmuntret til at deltage på grund af andres deltagelse – alle andre finder på deres mudra-ord, hører visdommen fra vismanden og hænger deres mystiske epigrammer op på tempelvæggene, så hvorfor ikke være med? Uden tvivl lyder denne installation meget som en tidlig social medie-meme-quiz, men mere end noget andet ser jeg den som en anerkendelse af, at vores digitale herskere ikke er anderledes end alle de andre herskere, der kom før, og som vil komme efter.
Sonya Rapoport - Biorhythm Kalender (detalje), 1980. Multimedie-collage på kontinuerligt computerprint på vellum over fundne kalendere, 31,75 x 45,25 tommer hver. Med tilladelse fra Sonya Rapoport’s bo
Alt er ét
Collage var et andet yndlingsmedie for Rapoport. Hun fandt berømt en stak kort i et gammelt skrivebord, hun købte, og brugte dem som baggrund for indviklede collageværker, hvor hun udvidede deres analytiske kontekst ved at tilføre personlige billeder og udklip. Senere fandt hun bunker af computerudskrifter i skraldet på University of California i Berkeley. Hun strikkede arkene sammen med garn og brugte dem som grundlag for en række værker, der udvandt hendes egen store rigdom af følelser, drømme og påvirkninger. Disse værker handlede ikke om computere i sig selv. De var mere som abstrakte visuelle reaktioner på konkrete visuelle forslag. Som Rapoport sagde dengang: “mit arbejde er en æstetisk reaktion udløst af videnskabelige data.” Ikke desto mindre, som en person der dykker dybt ned i internettet med hundredvis af søgefaner åbne på samme tid, flyder disse “computer-collager” over med utallige sammenkoblede fragmenter af, hvad Rapoport tænkte på i øjeblikket. Udover genkendelige billeder og ord er de fyldt med formalistiske abstrakte billeder samt referencer til hendes eget personlige “Nu Shu”-sprog – et personligt, symbolsk, kvindeligt skriftsprog – hvilket kulminerer i værker, der er selvsikre, stærke, feministiske, poetiske, mystiske og uendeligt fascinerende.
Sonya Rapoport - Biorhythm Kalender (detalje), 1980. Multimedie-collage på kontinuerligt computerprint på vellum over fundne kalendere, 31,75 x 45,25 tommer hver. Med tilladelse fra Sonya Rapoport’s bo
I håbet om, at beskuere ville se dybere i hendes værker, delte Rapoport altid ivrigt de omfattende optegnelser, hun førte over alle de referencer, der inspirerede hende. Efterhånden som utallige nye beskuere nu får chancen for at møde hendes arv for første gang på kunstmesser og museumsudstillinger, håber jeg, at kuratorer også vil tage ekstra hensyn til at formidle denne hensigt. En af de mere irriterende sider ved den digitale tidsalder er, at kunstbeskuere mener, de har ret til at se på kunst hurtigt og overfladisk og så swipe videre til næste billede. Rapoport var ikke fan af den tendens, ej heller af de afmenneskende begrænsninger, den pålægger kunsten og dens skabere. Mens denne fremsynede kunstner endelig får sin retmæssige anerkendelse, opfordrer jeg beskuere til at kradse under overfladen af hendes værker, og jeg opfordrer kuratorer og forfattere til at stoppe med at kalde Rapoport en computerkunstner eller internetkunstner – Rapoport var en kunstner, der brugte teknologi til at minde os om de utallige måder, vi stadig er mennesker på.
Fremhævet billede: Sonya Rapoport - Koch II, 1972–74. Sprayakryl og grafit på lærred; 72 x 96 tommer. Boet efter Sonya Rapoport.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
